Paul Lewis' Performance of Schubert's last three Piano Sonatas - personal impressions from an extraordinary concert.

“Is the pianist anybody one should know? ” asked the vendor in the ticket booth when I  purchased two tickets for Paul Lewis’ concert at Alice Tully Hall on October 20 in the summer. “I haven’t heard him personally, “ I had to admit, “but my teacher was thrilled by Lewis’ recording of all the Beethoven Sonatas, so we’re going.” “Maybe I should consider going myself, then,” replied the man.

I can only hope he gave himself the treat to hear Paul Lewis perform Schubert’s last three piano Sonatas on Saturday. It was one of these extraordinary performances where a performer doesn’t just “reproduce” the music, but seems to reinvent it, deepening your understanding and reinforcing your connection to it. “Magical, stupendous, superhuman” - that’s how Seymour Bernstein described it afterwards.

To begin with, I have to confess that I had to “warm up.” In the c-minor Sonata, which opened the program, there were moments where I wanted more time. Somehow, things were moving too fast. The pianist’s ease mastering the immense technical difficulties of the piece was fascinating, I almost missed the feeling of struggle. Dynamics and colors of sound were of a striking variety, but the piano didn’t seem to have a lot of resonance. The sound died away quickly, as in a dry acoustic, or with an instrument that doesn’t sustain the sound very well. Maybe my ears were clogged up from the cold I’d been struggling with all week. The fact that I’m less familiar with the piece than with the other two Sonatas could also have played a role.

Whatever the obstacle between myself and the music had been, it dissolved with the opening of the Sonata in A-major, which was next on the program. In my mind I could still hear my friend Raj Bhimani  play it at the Lincoln Center Library a year or two ago, an unforgettable, deeply moving performance. Paul Lewis‘ playing connected to my memory of the piece, and then the memory disappeared and seamlessly merged with the present interpretation, every note a magnet. The music sounded as if it were improvised, completely new, an idea conceived in the present moment. 

“It’s music that makes you want to gush at every moment,” my teacher Seymour Bernstein said during intermission, “but if you follow that impulse, you spoil it and it falls apart. You have to exactly know where to take time, where to make it special, and Lewis does. He has a magnificent sense of the architecture.” 

Too close, too emotionally involved, I wasn’t aware of this aspect of the music in this Sonata, and in the B-flat major Sonata, which followed. Again, memories returned, of the time I spent teaching at the Concord Community Music school in NH, where my colleague Anita Yu had performed it . In my mind's eye, I could see the concert hall at school, and a sudden wave of nostalgia rose as the music touched every “soft spot” in my soul, and brought back everything I have ever left behind. Out of the corner of my eye, I could see other people in the audience wiping their eyes and reaching for handkerchiefs. 

For me, those are the most extraordinary moments in Schubert’s music, when pain and beauty touch each other, and the beauty transforms the pain. They are like the moment in grieving when you realize that your grief is only a part of the whole and only a part of who you are. Beauty penetrates the fog that surrounds you, and you realize that life and the world outside are still beautiful in spite of whatever maybe troubling you at this particular moment.

The music reached a level of intensity where you almost forgot about the pianist who made it all happen, the presence of the music reigned over everything. Paul Lewis sat at the piano in stillness and concentration, every motion and gesture serving the music. He sailed through passages of extreme technical difficulty with the ease of someone who has transcended virtuosity and applies his skills to conveying meaning, rather than attracting attention to himself.

The audience gave him a standing ovation, he had to come out four, five times, maybe even more. Fortunately, he didn’t play an encore - there was nothing left to be said.

The inevitable Coda followed - the way home, starting with the subway, which was late. On the platform, I noticed several people who carried the same program as I did, an expression on their faces as if they’d just witnessed something extraordinary. Most of them were silent. When the train arrived, I was still wondering about ways to stop the flutist, who had positioned himself at the other end of the platform - not that the playing was poor, it was just bad timing for another performance.

The sheltered world of the concert hall, and the unfiltered reality of the outside world clashed with each other. As I rushed around a corner at Port Authority, trying to catch my bus, a strong whiff of body odor and stale clothes hit me, emanating from a person huddled against the wall. It triggered the slight feeling of guilt that often gets me when I’ve had an experience of extraordinary beauty that is considered privileged and exclusive. Then Schubert’s miserable life came to mind, and the melody of the last movement of the A-major Sonata. Pain doesn’t cancel out the beauty, and knowing that sustains. I only wished more people could share that experience.  

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“Ist der Pianist jemand den man kennen sollte?” fragte der Verkäufer an der Konzertkasse, als ich letzten Sommer zwei Karten für das Konzert von Paul Lewis am 20. Oktober in der Alice Tully Hall kaufte. “ Ich habe ihn selbst noch nicht gehört,” musste ich zugeben, “aber mein Lehrer ist begeistert von Lewis’ Gesamtaufnahme der Beethoven Sonaten, deswegen gehen wir zum Konzert.” “Vielleicht sollte ich es mir auch anhören,” erwiderte er.

Ich kann nur hoffen, dass er sich das Vergnügen gegönnt hat, Paul Lewis die letzten drei Klaviersonaten von Schubert spielen zu hören . Die Aufführung war eins dieser aussergewöhnlichen Konzerte, wo Musik nicht nur gespielt, sondern fast neu erfunden wird, und den Zuhörer mit einem tieferen Verständnis entlässt, das die Verbidung zur Musik vertieft. “Magisch, phantastisch, uebermenschlich,” kommentierte Seymour Bernstein nach dem Konzert. 

Zu Beginn musste ich mich einhören. Die c-moll Sonate eröffnete das Programm, und es gab Momente, wo ich mich nach mehr Zeit sehnte. Irgendwie ging alles zu schnell. Die Leichtigkeit, mit der der Pianist die grössten technischen Schwierigkeiten meisterte, schien fast zu harmlos für die Musik. Trotz subtiler Klangfarben und feinster dynamischer Schattierungen schien der Flügel wenig Resonanz zu haben, wie in trockener Akustik oder bei einem Instrument, das den Ton zu schnell verklingen lässt. Vielleicht waren meine Ohren verstopft von der Erkältung, mit der ich mich die ganze Woche herumgeschlagen hatte. Auch kenne ich die c-moll Sonate nicht so gut wie die beiden anderen.

Was auch immer das Hindernis war zwischen der Musik und mir, es löste sich mit dem Beginn der A-Dur Sonate auf, die als nächstes auf dem Programm stand. Im Geiste hörte ich meinen Freund Raj Bhimani das Stück in der Bibliothek am Lincoln Center spielen, vor ein oder zwei Jahren, ein unvergessliches, tief bewegendes Konzert. Paul Lewis’ Spiel verband sich mit meiner Erinnerung, und überführte sie unmerklich in die Gegenwart seiner eigenen Interpretation, jeder Ton ein Magnet. Die Musik klang wie improvisiert, völlig neu, wie Ideen, die im Augenblick entstanden.

“Bei dieser Musik verführt jeder Ton zum Schwärmen,” sagte mein Lehrer Seymour Bernstein in der Pause, “aber wenn man diesem Impuls folgt, fällt alles auseinander. Man muss genau wissen, wo die Höhepunkte sind, was man besonders hervorheben muss, und Lewis weiss es. Seine Auffassung von der Architektur dieses Stückes ist grossartig.”

Ich war zu sehr in der Musik, um mir dieser Aspekte bewusst zu sein, in dieser, und auch in der B-Dur Sonate, die den 2. Teil des Konzertes bildete. Wieder wurden Erinnerungen wach, an die Zeit an der Musikschule in Concord, NH, wo meine Kollegin Anita Yu das Stück aufführte. Im Geiste sah ich den Konzertsaal, und in einer plötzlichen Welle von Nostalgie berührte die Musik jede empfindliche Stelle in meiner Seele, brachte alles zurück was ich je hinter mir gelassen habe. Aus dem Augenwinkel sah ich, dass sich noch andere Zuhörer die Augen wischten und nach Taschentüchern suchten.

Für mich sind das die aussergewöhnlichen Momente in Schuberts Musik, wenn Schmerz und Schönheit sich berühren, und die Schönheit verwandelt den Schmerz. Sie sind wie der Moment in der Trauer, wenn man spürt, dass die Trauer nur ein Teil des Ganzen ist, und nur ein Teil von dem, was man selber fühlt. Die Schönheit durchbricht den Nebel, der einen gefangen hält, und draussen sind das Leben und die Welt immer noch schön, egal was einen im Augenblick bedrückt. 

Die Music erreichte einen Grad von Intensität der einen fast vergessen liess, dass es der Pianist war, dessen Spiel die Klänge hervorrief. Still und konzentriert sass Paul Lewis am Flügel, jede Geste und jede Spielbewegung diente der Musik. Selbst extrem schwierige Passagen spielte er mit der Leichtigkeit von jemandem, der die Virtuosität überwunden hat und seine Fertigkeiten in den Dienst des Ausdrucks stellt, anstatt Aufmerksamkeit auf sich selber zu ziehen. 

Das Publikum erhob sich zum Applaus am Ende des Konzertes; vier, fünf Mal, vielleicht auch öfter wurde der Künstler auf die Bühne zurückgerufen. Zum Glück spielte er keine Zugabe - diesem Konzert war nichts mehr hinzuzufügen. 

Die unausweichliche Coda schloss sich an - der Weg nach Hause, beginnend mit der U-Bahn, die Verspätung hatte. Auf dem Bahsteig fielen mir verschiedene Leute auf, die das gleiche Programm dabeihatten wie ich. Sie alle hatten einen Gesichtsausdruck als hätten sie gerade etwas ganz besonderes erlebt. Als die Bahn endlich kam, überlegte ich immer noch, wie man den Querflötenspieler am anderen Ende des Bahnsteigs zum Schweigen bringen könnte. Er spielte gar nicht mal schlecht, es war nur der falsche Zeitpunkt für weiteren musikalischen Input.

In krassem Gegensatz trafen die abgeschirmte Welt des Konzertsaals und die ungefilterte Realität der Aussenwelt aufeinander. Ganz darauf konzentriert, meinen Bus vielleicht doch noch zu erwischen, traf mich der Gestank, der von einem Obdachlosen im Busbahnhof ausging, völlig unerwartet. Ich fühlte mich ein bischen schuldig für mein wunderbares Konzerterlebnis, eine Erfahrung, die eher als exklusiv und privilegiert angesehen wird. Dann fiel mir Schuberts armseliges Leben ein, und das Thema aus dem letzten Satz der A-Dur Sonate. Schmerz und Schönheit existieren nebeneinander, und die Schönheit hat die Kraft, den Schmerz zu überwinden. Das zu erfahren, gibt Kraft. Ich wünschte nur, mehr Menschen könnten an dieser Erfahrung teilhaben. 

  

A Very Special Concert / Ein ganz besonderes Konzert

Steinway Hall in New York City was closed to the general public on Thursday evening, but a selected audience was admitted to the rotunda to hear a very special concert. Signs had been posted on the door, informing everyone that their picture might be recorded and appear in public. Several people who looked very professional were running around carrying big movie cameras on their shoulders, and one camera was mounted in the back between the rows of chairs.  

A beautiful concert grand had been positioned by the window facing the street, personally chosen by the evening’s performer, Seymour Bernstein, who sat next to it, preferring the company of the film crew and the audience to the solitude of the Green Room before his recital.

Actor Ethan Hawke, who led through the event, welcomed everybody and told us about his chance encounter with Seymour, the dinner invitation at a friend’s house, where they had “hit it off.” At the time, Ethan had been plagued by crippling stage fright, and started to question his profession and the art which he had loved and been committed to ever since he was twelve. “Over my head in a midlife crisis, I ran into this piano teacher, who told me all these things about the integrating powers of musical practicing and performing, how it teaches you to make connections between emotion, reason and physicality, and how everything you learn in music can be transferred into real life.” 

At the time, neither Ethan nor Seymour knew who the other was - they googled each other, stayed in touch, and Ethan hatched the plan to shoot a documentary about Seymour, and his idea of music as an integrating force in human life. 

All this happened a little more than a year ago. In the meantime, the documentary is well on its way - several interview sessions have been filmed, a master class at New York University, and now everything had been set up for Seymour to play his first recital in 35 years. 

Wanting more time to write and compose, and disillusioned by the corruption and recklessness that seemed to determine the world of the “music business,”  he had ended his performing career when he was 50. Listening to the CDs he has released of some of these performances, the recordings he has put on Youtube in the meantime, and the way I’ve heard him play at lessons or master classes, I’ve always regretted that I didn’t know him back then. What a treat to get the chance to attend a live performance now.

Already with the first piece, James Friskin’s arrangement of Bach’s Chorale “Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit” (God's time is the very best time) Seymour took us to a different place, and out of time altogether. The voices sang, and the colors of sound made you forget that you were listening to a piano. Be it the trust that speaks through Bach’s music, the sparkle and transparency of a Scarlatti Sonata,  the mystery in the third movement of Schumann’s Fantasy op 17,  the longing in Brahms’ Intermezzo op 118 No 2, every note was rooted in personal feeling and deep conviction. It was the result of the artist’s connection to the music and to his own emotional world, coming to life through his hands. A personal, authentic voice spoke through the interpretation, formed through the experience of a life time. The program ended with one of Seymour’s own compositions, the “Birds,” colorful and imaginative miniatures originally written for children. 

After the musical part of the program, the audience had the opportunity to ask questions, share comments and observations. The integrative powers of music that can make us better people sometimes seem to fail when confronted with real life. Some great artists put a lot of effort into separating their art from the rest of their lives. Other aspects come in, self-respect, the way you use, and treat your talent. While we tried to put it into words, the most convincing answer to the questions about truth and authenticity that Ethan had mentioned in his opening words lay in the music itself, and in Seymour’s playing.

Steinway Hall in New York City war am letzten Donnerstag abend für die Öffentlichkeit geschlossen, aber ein ausgewähltes Publikum wurde in die Rotunda eingelassen, um ein ganz besonderes Konzert zu hören.  Schilder an der Tür machten darauf aufmerksam, dass Aufnahmen gemacht und veröffentlicht werden könnten. Einige sehr professionell aussehende Leute liefen mit Filmkameras herum, und eine Kamera war zwischen den letzten Stuhlreihen aufgebaut.

Ein schöner Konzertflügel stand vor dem Fenster zur Strasse, von Seymour Bernstein, dem Interpreten des Abends persönlich ausgesucht. Er schien die Gesellschaft des Publikums und der Filmcrew der Einsamkeit des Künstlerzimmers vorzuziehen, und wartete neben dem Instrument auf seinen Auftritt.

Durch das Programm führte der Schauspieler Ethan Hawke, der das Publikum mit der Geschichte von seiner Zufallsbegegnung mit Seymour begrüsste - bei einer Einladung zum Abendessen im Haus eines Freundes hatten sie sich kennengelernt und eine gemeinsame Sprache gefunden. Ethan erzählte , wie er zu dieser Zeit mit quälendem Lampenfieber zu kämpfen hatte, und begonnen hatte, seinen Beruf und die Kunst, die er von Kind an ausgeübt und geliebt hatte, in Frage zu stellen. “Ich stecke bis über beide Ohren in einer midlife-crisis, und da begegnete mir dieser Klavierlehrer, der von der integrierenden Kraft musikalischen Übens sprach. Er beschrieb wie es lehren kann, Verbindungen zwischen Verstand, Gefühl und körperlicher Bewegung herzustellen, und wie alles, was man in und durch Musik lernt, auf den Rest des Lebens übertragen werden kann.”

Als Ethan und Seymour sich trafen, wusste keiner von beiden, wer der andere war - es folgten einige Internet- Recherchen, man blieb in Verbindung, und dann hatte Ethan die Idee, über Seymour und seine Vorstellung von Musik als integrierender Kraft im menschlichen Leben einen Dokumentarfilm zu drehen.

  

Das alles geschah vor mehr als einem Jahr. Inzwischen ist der Dokumentarfilm im Entstehen begriffen, verschiedene Interviews sind gefilmt worden, eine Meisterklasse and der New York University, und nun war alles bereit für Seymours erstes Konzert seit 35 Jahren.

Desillusioniert von der Korruption und Rücksichtslosigkeit die die kommerziellen Aspekte des Musiklebens bestimmten, hatte ihn sein Bedürfnis zu schreiben und zu komponieren dazu geführt, mit 50 Jahren seine Konzerttätigkeit zu beenden. Nachdem ich CDs von diesen Live-Auftritten, Youtube Aufnahmen und sein Spiel bei Meisterklassen gehört hatte, hatte ich immer bedauert, ihn damals noch nicht gekannt zu haben, und freute mich sehr über die Möglichkeit, nun einem "echten" Konzert beiwohnen zu können.

Schon mit dem ersten Stück, James Friskin’s Bearbeitung von Bach’s Choral: “Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit” liess Seymour uns Ort und Zeit vergessen. Die einzelnen Stimmen sangen, und er zauberte einen Reichtum an Klangfarben aus dem Instrument, die man einem Flügel kaum zugetraut hätte. Sei es das Vertrauen, das aus Bachs Musik spricht, Glanz und Durchsichtigkeit einer Scarlatti Sonate, das Geheimnisvolle im 3.Satz von Schumanns Fantasie op 17, die Sehnsucht in Brahms’ Intermezzo op 118/2, jeder Ton hatte seinen Ursprung in persönlichem Gefühl und tiefer Überzeugung. Es war das Resultat der Verbindung zwischen dem Künstler, seinem Gefühlsleben und der Musik, die durch seine Hände auf der Tastatur lebendig wurde. Eine authentische, persönliche Stimme, geformt durch die Erfahrung eines ganzen Lebens, kam in der Interpretation zum Ausdruck. Das Programm endete mit eine Komposition von Seymour Bernstein, den “Birds”, farbige und einfallsreiche Miniaturen, die verschiedene Vögel charakterisieren, ursprünglich für Kinder geschrieben.

Nach dem musikalischen Teil des Programms hatte das Publikum Gelegenheit, zu Fragen und Kommentaren. Die integrativen Kräfte der Musik, die uns zu besseren Menschen machen können, versagen manchmal, wenn sie mit dem “wirklichen” Leben zusammentreffen. Manche grossen Künstler geben sich alle Mühe, ihre Kunst vom Rest ihres Lebens fernzuhalten. Andere Aspekte kommen hinzu, Selbstachtung, die Art und Weise, wie jemand mit seiner Begabung umgeht. Wir versuchten, die Antwort zu Ethans Fragen nach Authentizität und Wahrheit in Worte zu fassen, aber die überzeugendste Antwort lag in der Musik selber, und in Seymours Spiel. 

Musical Communcation: Jeremy Denk and the Orchestra of St. Luke's at Carnegie Hall

The Orchestra of St. Luke’s had finished Haydn’s Symphony No 39 at Carnegie Hall last Thursday, and people came to rearrange the stage for Beethoven’s Piano Concerto No 1, with Jeremy Denk at the piano. I had only heard him play solo repertoire before, at the “Beethoven Marathon” last year in November,(see blog entry from 11/25/11), and more recently at a private concert for WQXR. Each of these performances had left a deep impression. They had had an impact on my understanding of music and piano playing, and made me want to go back for more. Now, already the stage set up indicated that something exceptional was to be expected.

The piano was placed in the middle of the stage, with the keyboard facing the audience. I had only seen that done when the soloist conducted the orchestra - so was he going to conduct as well as play? He wasn’t - but when you communicate with someone, eye-contact is helpful. What we got to hear was communication - rather than a show-down for the soloist while the orchestra provides the red carpet and the conductor holds it all together, indicating to the musicians what to do in terms of musical expression.

In this performance musical voices were engaged in a conversation. The orchestra and the soloist were a perfect match, like good friends who can intuit each other’s feelings. Dialogues between the piano and different groups of instruments had the intimacy of chamber music. Every phrase was taken seriously, every single note conveyed musical meaning. There was charm, wit, tenderness; and the pianist’s mind-boggling virtuosity, that always served a musical purpose, and never became an end in itself. The performance was deeply personal, a genuine creation of that particular moment, made possible by all the musicians’ total presence. 

Performances like that are unique. They leave you with the feeling that you will never hear the piece exactly like that again, and that’s why they don’t end with the last note of the last movement. They live on in your mind. They inspire you to go home and explore your own repertoire on your own piano, in search of possibilities you haven’t found yet. They change your life, adding ideas to your own mental world of sounds. 

With me at the concert was my teacher, Seymour Bernstein, who has heard a lot of performances in the course of his lifetime. He called the performance a “transcendental experience,” and wrote to me “ I still can hardly process the impact of that kind of playing. I can’t help but remember what Wanda Horowitz interjected during a conversation with her husband when the  interrogator asked him, “What do you think of the young generation of pianists?” He shrugged, remained silent, and Wanda blurted out, “No comment!”  The truth is there was no way that Horowitz could have come across with a performance of such magical proportions. He certainly could have played all the notes brilliantly, but not with the taste, artistic subtlety, and sheer breeding of Jeremy Denk.”

In der Carnegie Hall am letzten Donnerstag hatte das Orchestra of St. Luke’s gerade Haydn’s Symphony No 39 beendet, und nun wurde die Bühne umgeräumt für Beethoven’s Erstes Klavierkonzert, mit Jeremy Denk als Pianist. Bisher hatte ich ihn nur Solo Repertoire spielen hören, beim Beethoven Marathon im November letzten Jahres (siehe Blogeintrag vom 25.11.2011), und vor einigen Wochen in einer Privatveranstaltung des New Yorker Klassiksenders WQXR. Jedes dieser Konzerte hatte einen tiefen Eindruck hinterlassen. Sie hatten mein  Verständnis von Musik und Klavierspiel beeinflusst, und den Wunsch nach mehr geweckt. Nun liess bereits die Anordnung von Flügel und Orchester Besonderes erwarten.

Der Flügel befand sich in der Mitte der Bühne, die Tastatur dem Publikum zugewandt. Das kannte ich bisher nur von Aufführungen, bei denen der Solist auch selbst das Orchester dirigierte. Das hatte ich nicht erwartet, und Jeremy Denk tat es auch nicht, aber Blickkontakt ist hilfreich im Gespräch. Es war ein musikalisches Gespräch, das das Publikum zu hören bekam, und keine Solonummer des Pianisten, bei der das Orchester den roten Teppich darstellt, während der Dirigent alles zusammenhält und den Musikern den musikalischen Ausdruck vermittelt.

In diesem Konzert kommunizierten musikalische Stimmen miteinander. Solist und Orchester passten perfekt zusammen, wie gute Freunde, die die Gefühle des anderen auch ohne Worte erspüren können. Dialoge zwischen dem Klavier und verschiedenen Instrumentenguppen vermittelten die Intimität von Kammermusik. Jede einzelne Phrase wurde ernstgenommen, jeder Ton hatte muskalische Bedeutung. Da war Charme, Witz, Zärtlichkeit, und die glanzvolle Virtuosität des Pianisten, die immer einer musikalischen Aussage diente und nie zum Selbstzweck wurde.

Aufführungen wie diese sind einzigartig. Sie hinterlassen in einem das Gefühl, dass man das Stück nie wieder genauso hören wird, und aus diesem Grund enden sie auch nicht mit dem letzten Ton des letzten Satzes. Sie leben im Geist weiter. Sie inspirieren einen, nach Hause zu gehen und das eigene Repertoire am eigenen Instrument auf der Suche nach Möglichkeiten zu erkunden, die man noch nicht gefunden hat. Sie sind lebensverändernd, indem sie die eigene Vorstellung um Klangideen bereichern.

Mit mir im Konzert war mein Lehrer, Seymour Bernstein, der im Lauf seines Lebens zahlreiche Konzerte gehört hat. Er nannte die Aufführung “eine transzendentale Erfahrung,” und schrieb mir später: “ Ich bin immer noch dabei, den Eindruck dieses Spiels zu verarbeiten. Ich erinnere mich an einen Einwurf von Wanda Horowitz während eines Interviews mit ihrem Mann, der nach seiner Meinung über die junge Pianistengeneration gefragt wurde. Horowitz zuckte mit den Schultern und schwieg, Wanda platze heraus : kein Kommentar. Die Wahrheit ist, Horowitz wäre zu einer Aufführung von solch magischem Ausmass nicht fähig gewesen. Er hätte alle Töne brilliant gespielt, aber nicht so subtil, und mit soviel Geschmack, künstlerischer Intelligenz und Anschlagskultur wie Jeremy Denk.” 

Beginners' Recitals don't have to be boring / Anfängervorspiele müssen nicht langweilig sein

The offer to hold my studio recital as part of the Ethical Culture Society’s “Saturday Arts” series provided me with a venue, and it also left me with a problem. This is the third year of maintaining my studio here in Maplewood. Many students are only in their first or second year of taking lessons with me, and while everybody is doing well, we’re not in a situation that allows us to present an extended program featuring one polished young virtuoso after an other. Under these circumstances, filling a two hour program appeared like a tall order - unless we presented ourselves as who were are: work in progress. 

“What does it take to play the piano?” asked the title of the presentation, and the invitation promised a glimpse behind the scenes of the process.

“Beginners of all Ages” - allowed those to perform first who were most eager to get it over with: the two pre-schoolers, Kayla (4) and Moira (5) and the adult students.  Together with a variety of ages, this part of the program also revealed a variety of interests and activities at the piano: improvisation, playing folk songs from a lead-sheet, as well as playing repertoire.

Beginners of all Ages

	Frere Jacques,  Merrily we roll along	Kayla Gassner-Snyder/ Birgit Matzerath
Anonymous	A Horse of a Different Color Old Mac Donald	Moira Desloge/ Birgit Matzerath
	Improvisation on Black Keys	Raina Hackett /Birgit Matzerath
German Folk Song	Lasst uns froh und munter sein	Andrea Northfield
Ch.V.Alkan (1813-1888)	Barcarolle	Helen Chen
Eric Satie (1866-1925)	Gnossienne No 1	Ivan Selesnik

“Keyboard Patterns” gave an introduction to finding your way around the keyboard, the first task of the beginning piano student. Music is not just a random accumulation of sounds - it consists of patterns. Learning to play those patterns helps us get a better understanding of pieces we learn, we can use them to improvise or compose ourselves, and it also gives us further insight into the way the keyboard is organized. As an example, we used the major scale. I had been a little concerned about the “Relay-Race” through the circle of 5ths I had planned - the scales being connected by a broken Dominant Seventh Chord. “Make sure to practice your scales, nobody wants to listen to you stumble along,” I had reminded the students for weeks. Although we could only practice it once, an hour before the concert, the race proceeded accident-free, while the audience could follow the changing keyboard patterns on their hand-out.

Keyboard Patterns

	The Circle of 5ths  - Major Scale Relay
Kyra: C, Hanna: F, Bb, Athy: Eb, Ab; Celeste: Db,Gb; Zoe: B,E; Kenny: A,D; Cleo:G; Kyra:C

Normally you don't hear exercises in a recital program. Yet, isolating different motions and touches is an important part of acquiring the “vocabulary of motions” that allows us to produce different qualities of sound, touch and color, that express the emotion the music conveys. The younger students presented their favorite exercises from Edna Mae Burnam’s “A Dozen a Day.” Celeste and Athy played two Etudes from Czerny’s 8-Bar exercises op 821, and my former student Miles, who is now in his 2nd year of studying Music Education at Montclair State University showed where it all leads to with Chopin’s “Black Key Etude” op 10 No 5

Exercises and Etudes

Edna M. Burnam (1907-2007)	Exercises from: A Dozen a Day Walking in the Sunshine, in the Rain, Mandarin Walk Hopping on RF,LF Cartwheels Ping Pong Swinging Frog Jump Fit as a Fiddle I Fit as a Fiddle II	Kenneth Huang,  Madison Newhook Cleo Trumbull Zoe Selesnik,  Raina Hackett, Kyra Trumbull Hanna Cox
Carl Czerny (1791-1857)	Exercise op 821 No 5 Exercise op 821 No 16	Celeste Cox  Athena Huang
Frederic Chopin (1810-1849)	Etude op 10 No.5 ( “Black-Key Etude” )	Miles Cody

The section “Method Books and Teaching Pieces” provided a selection of music that was written with an educational purpose in mind, from Bach’s Two-Part Inventions to examples from contemporary method books.

Method Books and teaching Pieces

J.S. Bach (1685-1750)	Musette	Hanna Cox
J.S. Bach (1685-1750)	Invention No 10 in G-major BWV781	Athena Huang
J.S. Bach (1685-1750)	Sinfonia No 13 in A-major BWV 799	Miles Cody
Leopold Mozart (1719-1787)	Bourlesq, Polonaise, Minuet	Zoe Zelesnik
Robert Schumann (1810-1856)	Soldiers’ March Wild Rider	Kenneth Huang
E. Tetzel (1870-1930)	Prelude	Cleo Trumbull
D. Kabalewski (1904-1987)	Little Porcupine A Little Dance	Madison Newhook
Faber  J. George	Lonely Pine Irish Jig	Raina Hackett
Faber	Scenic Train Ride, Minuet	Kyra Trumbull
Kraehenbuehl	Chattanooga Cha Cha	Cleo Trumbull

Two Sonata Movements gave the audience a chance to get an impression of larger- scale works, and “Does Music really tell a story” presented different examples of music with programmatic titles.

SONATAS AND SONATINAS

W.A. Mozart (1756-1791)	Sonata in C-major K 545  Allegro	Celeste Cox
Ludwig van Beethoven (1770-1827)	Sonata in C-minor op.10 No 1 Adagio molto	Miles Cody

“Does music really tell a story?”

Robert Schumann (1810-1856)	Knight Rupert	Athena Huang
Elias Davidsson b. 1941	Christmas Bells	Cleo Trumbull
Martha Sherill Kelsey	Sea Shanty	Hanna Cox
Seymour Bernstein b. 1927	“The Purple Finch” “The Hummingbird” ( from “Birds” Book 1)	Athena Huang

By that time, the hands of clock in the back of the hall were moving towards 9 pm, and I was getting concerned about the world premiere of “Peter Rabbit,” the Story Suite that concluded the program. Zoe (10) and Kenny (9) had been working on the duets since the fall. The last two rehearsals had been spectacular, but now, it was probably way past their bedtime, and they had already performed several times... With the stamina and focus of professional performers, they kept the attention of the audience to the last note.

Story Suite: How Peter Rabbit Came to Play the Piano

Story and Music: Birgit Matzerath

Zoe Selesnik and Kenneth Huang, Piano Duet

Birgit Matzerath, Speaker

Piano Pieces:

	1. Hurry Up	Zoe Selesnik, Kenneth Huang
	2. Grandpa and Grandma run      `   for the Bus
	3. Poor Peter in the Gutter
	4. Bubble Bath Waltz
	5. The Cat takes a Walk
	6. Cappuccina’s Piano Piece for Peter

After that, performers and listeners were ready for refreshments. I had been commenting on the program the whole time, and was quite relieved that nobody requested my talk about practicing at so late an hour. I heard some enthusiastic responses of the audience to our recital: “I’ve never seen a childrens’ recital presented like that,” and “I really learnt something tonight.”

Beginners’ recitals don’t have to be boring. Putting the students’ accomplishments and efforts into context lets them appear in a different light. Arranging the music around a theme doesn’t only hold the program together, but creates a sense of community among the performers as well. Performance no longer means being out there on your own for a few minutes with everybody’s eyes and ears fixed on you, but your performance becomes a part of a whole. Everybody’s contribution makes a difference, no matter how large or small. 

Having the students perform several pieces at different times in the program kept them alert throughout the program. Presenting a mix of levels and styles kept the audience engaged. 

Theme recitals require a little more thought on the part of the teacher, but the pleasure they give to everyone makes it all worth the effort.  

The complete Program at a glance:

What does it take to play the piano?

Piano Students of Birgit Matzerath

Friday, February 3, 7:30

Ethical Culture Society of Essex County

Prospect Street, Maplewood, NJ 07040

Beginners of all Ages

	Frere Jacques,  Merrily we roll along	Kayla Gassner-Snyder/ Birgit Matzerath
Anonymous	A Horse of a Different Color Old Mac Donald	Moira Desloge/ Birgit Matzerath
	Improvisation on Black Keys	Raina Hackett /Birgit Matzerath
German Folk Song	Lasst uns froh und munter sein	Andrea Northfield
Ch.V.Alkan (1813-1888)	Barcarolle	Helen Chen
Eric Satie (1866-1925)	Gnossienne No 1	Ivan Selesnik

Keyboard Patterns

	The Circle of 5ths  - Major Scale Relay
Kyra: C, Hanna: F, Bb, Athy: Eb, Ab; Celeste: Db,Gb; Zoe: B,E; Kenny: A,D; Cleo:G; Kyra:C

Exercises and Etudes

Edna M. Burnam (1907-2007)	Exercises from: A Dozen a Day Walking in the Sunshine, in the Rain, Mandarin Walk Hopping on RF,LF Cartwheels Ping Pong Swinging Frog Jump Fit as a Fiddle I Fit as a Fiddle II	Kenneth Huang,  Madison Newhook Cleo Trumbull Zoe Selesnik,  Raina Hackett, Kyra Trumbull Hanna Cox
Carl Czerny (1791-1857)	Exercise op 821 No 5 Exercise op 821 No 16	Celeste Cox  Athena Huang
Frederic Chopin (1810-1849)	Etude op 10 No.5 ( “Black-Key Etude” )	Miles Cody

Method Books and teaching Pieces

J.S. Bach (1685-1750)	Musette	Hanna Cox
J.S. Bach (1685-1750)	Invention No 10 in G-major BWV781	Athena Huang
J.S. Bach (1685-1750)	Sinfonia No 13 in A-major BWV 799	Miles Cody
Leopold Mozart (1719-1787)	Bourlesq, Polonaise, Minuet	Zoe Zelesnik
Robert Schumann (1810-1856)	Soldiers’ March Wild Rider	Kenneth Huang
E. Tetzel (1870-1930)	Prelude	Cleo Trumbull
D. Kabalewski (1904-1987)	Little Porcupine A Little Dance	Madison Newhook
Faber  J. George	Lonely Pine Irish Jig	Raina Hackett
Faber	Scenic Train Ride, Minuet	Kyra Trumbull
Kraehenbuehl	Chattanooga Cha Cha	Cleo Trumbull

SONATAS AND SONATINAS

W.A. Mozart (1756-1791)	Sonata in C-major K 545  Allegro	Celeste Cox
Ludwig van Beethoven (1770-1827)	Sonata in C-minor op.10 No 1 Adagio molto	Miles Cody

“Does music really tell a story?”

Robert Schumann (1810-1856)	Knight Rupert	Athena Huang
Elias Davidsson b. 1941	Christmas Bells	Cleo Trumbull
Martha Sherill Kelsey	Sea Shanty	Hanna Cox
Seymour Bernstein b. 1927	“The Purple Finch” “The Hummingbird” ( from “Birds” Book 1)	Athena Huang

Story Suite: How Peter Rabbit Came to Play the Piano

Story and Music: Birgit Matzerath

Zoe Selesnik and Kenneth Huang, Piano Duet

Birgit Matzerath, Speaker

Piano Pieces:

	1. Hurry Up	Zoe Selesnik, Kenneth Huang
	2. Grandpa and Grandma run      `   for the Bus
	3. Poor Peter in the Gutter
	4. Bubble Bath Waltz
	5. The Cat takes a Walk
	6. Cappuccina’s Piano Piece    ‘   for Peter

--------     Intermission   --------------

“Connecting heart, mind and hands: Practice”

Talk, Discussion and Questions (Birgit Matzerath)

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Deutsche Übersetzung

Das Angebot, mein Klassenvorspiel als Teil der Veranstaltungsserie “Kunst am Samstag” der Ethical Culture Society zu halten, verschaffte mir einen Vortragsraum, und gleichzeitig ein Problem. Es ist noch keine drei Jahre her, dass ich angefangen habe, hier in Maplewood zu unterrichten. Die meisten Schüler sind gerade mal zwei Jahre bei mir. Alle machen gute Fortschritte, aber wir sind einfach nicht in der Lage, ein ausgedehntes Programm zu präsentieren, das von glänzenden jungen Virtuosen gestaltet wird. Unter dieser Voraussetzung erschien die Zusammenstellung eines interessanten Programms von zwei Stunden Dauer als eine grosse Herausforderung - es sei denn, wir präsentierten uns als das, was wir sind: Schüler in einem Lernprozess.

“Was muss man tun, um Klavier zu spielen?” fragte der Titel des Konzerts, und die Einladung versprach einen Blick hinter die Kulissen.

“Anfänger jeden Alters” erlaubte denen, zuerst zu spielen, die den Auftritt gerne so schnell wie möglich hinter sich bringen wollten: die beiden Vorschulkinder Kayla (4) und Moira (5) und die drei erwachsenen Schüler. Mit den verschiedenen Altersgruppen gingen auch verschiedene Stilrichtungen in der Musik und verschiedene Interessen einher: Improvisation, das Begleiten von Volksliedern anhand von Akkordsymbolen, und Repertoirespiel.

Beginners of all Ages

	Frere Jacques,  Merrily we roll along	Kayla Gassner-Snyder/ Birgit Matzerath
Anonymous	A Horse of a Different Color Old Mac Donald	Moira Desloge/ Birgit Matzerath
	Improvisation on Black Keys	Raina Hackett /Birgit Matzerath
German Folk Song	Lasst uns froh und munter sein	Andrea Northfield
Ch.V.Alkan (1813-1888)	Barcarolle	Helen Chen
Eric Satie (1866-1925)	Gnossienne No 1	Ivan Selesnik

“Tastenmuster” gab eine Einführung in die Orientierung auf der Tastatur. Musik ist keine zufällige Ansammlung von Tönen, sie besteht aus Klangmustern. Diese Muster kennen- und spielen zu lernen gibt uns ein besseres Verständnis der Stücke, die wir spielen, wir können sie zum Improvisieren und Komponieren benutzen, und sie helfen uns, einen besseren Überblick über den Aufbau der Tastatur zu bekommen.

Als Beispiel benutzten wir die Dur Tonleiter. Ich war etwas nervös wegen des Staffellaufs durch den Quintenzirkel, in dem ein gebrochener Dominantseptakkord die Tonleitern miteinander verband. “Übt Eure Tonleitern!” predigte ich wochenlang, “niemand hat Lust, Euch herumstolpern zu hören.” Obwohl wir das “Rennen” nur einmal komplett proben konnten - eine Stunde vor der Aufführung - ging alles unfallfrei vonstatten. Das Publikum konnte derweil den Wechsel der Tastenmuster auf einer Grifftabelle mitverfolgen.

Keyboard Patterns

	The Circle of 5ths  - Major Scale Relay
Kyra: C, Hanna: F, Bb, Athy: Eb, Ab; Celeste: Db,Gb; Zoe: B,E; Kenny: A,D; Cleo:G; Kyra:C

Technische Übungen hört man nomalerweise nie in einem Konzertprogramm. Das gesonderte Üben einzelner Bewegungsabläufe ist aber sehr wichtig beim Aufbau eines “Bewegungsvokabulars”, das die verschiedenen Anschlagsarten und Klangfarben erzeugt, die der Musik Ausdruck verleihen. In unserem Konzert präsentierten die jüngeren Schüler ihre Lieblingsübungen aus “A Dozen a Day” - zum Teil erweitert durch eigenen Ideen. Celeste und Athy spielten zwei Etüden aus Czerny’s op 821, und mein ehemaliger Schüler Miles Cody, der inzischen an der Montclair State University Schulmusik studiert, zeigte mit Chopins “Schwarze Tasten Etüde” op 10 No 5 wo am Ende alles hinführt. 

Exercises and Etudes

Edna M. Burnam (1907-2007)	Exercises from: A Dozen a Day Walking in the Sunshine, in the Rain, Mandarin Walk Hopping on Right Foot,Left Foot Cartwheels Ping Pong Swinging Frog Jump Fit as a Fiddle I Fit as a Fiddle II	Kenneth Huang,  Madison Newhook Cleo Trumbull Zoe Selesnik,  Raina Hackett, Kyra Trumbull Hanna Cox
Carl Czerny (1791-1857)	Exercise op 821 No 5 Exercise op 821 No 16	Celeste Cox  Athena Huang
Frederic Chopin (1810-1849)	Etude op 10 No.5 ( “Black-Key Etude” )	Miles Cody

Der Abschnitt “Klavierschulen und Unterrichtsstücke” fasste eine Auswahl von Stücken zusammen, die mit pädagogischer Absicht geschrieben wurden, von Bachs Zweistimmigen Inventionen zu Beispielen aus zeitgenössischen Klavierschulen.

Method Books and teaching Pieces

J.S. Bach (1685-1750)	Musette	Hanna Cox
J.S. Bach (1685-1750)	Invention No 10 in G-major BWV781	Athena Huang
J.S. Bach (1685-1750)	Sinfonia No 13 in A-major BWV 799	Miles Cody
Leopold Mozart (1719-1787)	Bourlesq, Polonaise, Minuet	Zoe Zelesnik
Robert Schumann (1810-1856)	Soldiers’ March Wild Rider	Kenneth Huang
E. Tetzel (1870-1930)	Prelude	Cleo Trumbull
D. Kabalewski (1904-1987)	Little Porcupine A Little Dance	Madison Newhook
Faber  J. George	Lonely Pine Irish Jig	Raina Hackett
Faber	Scenic Train Ride, Minuet	Kyra Trumbull
Kraehenbuehl	Chattanooga Cha Cha	Cleo Trumbull

Zwei Sonatensätze gaben dem Publikum ein Beispiel für ausgedehntere, komplexere Kompositionen, und “Erzählt Musik wirklich eine Geschichte?” präsentierte Musikstücke mit programmatischem Hintergrund.

SONATAS AND SONATINAS

W.A. Mozart (1756-1791)	Sonata in C-major K 545  Allegro	Celeste Cox
Ludwig van Beethoven (1770-1827)	Sonata in C-minor op.10 No 1 Adagio molto	Miles Cody

“Does music really tell a story?”

Robert Schumann (1810-1856)	Knight Rupert	Athena Huang
Elias Davidsson b. 1941	Christmas Bells	Cleo Trumbull
Martha Sherill Kelsey	Sea Shanty	Hanna Cox
Seymour Bernstein b. 1927	“The Purple Finch” “The Hummingbird” ( from “Birds” Book 1)	Athena Huang

Als wir beim letzten Programmpunkt angekommen waren, bewegten sich die Zeiger der Uhr an der Hinterwand des Saales gegen 21.00, und ich war etwas besorgt wegen der “Welturaufführung” von “Peter Hase,” der Klaviergeschichte, die den musikalischen Teil beschliessen sollte. Kenny und Zoe, 9 und 10 Jahre alt, hatten seit dem Herbst an den vierhändigen Stücken gearbeitet. Die letzten zwei Proben waren hervorragend gelaufen, aber um diese Zeit waren die beiden Kinder normalerweise bestimmt längst im Bett, und mehrmals gespielt hatten sie auch schon...aber mit dem Konzentrationsvermögen von echten Profis hielten sie das Publikum bis zum letzten Ton gefesselt.

Story Suite: How Peter Rabbit Came to Play the Piano

Story and Music: Birgit Matzerath

Zoe Selesnik and Kenneth Huang, Piano Duet

Birgit Matzerath, Speaker

Piano Pieces:

	1. Hurry Up	Zoe Selesnik, Kenneth Huang
	2. Grandpa and Grandma run      `   for the Bus
	3. Poor Peter in the Gutter
	4. Bubble Bath Waltz
	5. The Cat takes a Walk
	6. Cappuccina’s Piano Piece for Peter

Danach machten sich Spieler und Publikum mit Begeisterung über den leckeren Imbiss her, den die Ethical Culture Society zur Verfügung gestellt hatte. Nachdem ich schon das gesamte Programm komentiert hatte, war ich, ehrlich gesagt froh, dass so spät niemand mehr nach meinem Vortrag über das Thema Üben fragte, den ich vorbereitet hatte. Es gab begeisterte Kommentare zum Vorpiel: “So eine Art von Schülerkonzert habe ich noch nie gehört”, und “Heute abend habe ich wirklich etwas gelernt.”

Anfängervorspiele müssen nicht langweilig sein. Wenn man die Leistungen der Schüler  in einen Zusammenhang stellt, erscheinen sie in einem anderen Licht. Ein Thema hält nicht nur das Programm zusammen, es schafft auch ein Gemeinschaftsgefühl unter den Schülern. Vorspielen erschöpft sich nicht in den wenigen Minuten, die man allein im Scheinwerferlicht verbringt, sondern es wird zum Teil eines Ganzen. Ob kurz oder lang, schwer oder leicht, jeder Beitrag ist wichtig.

Die Schüler an verschiedenen Stellen des Programms auftreten zu lassen verbesserte die Auferksamkeit der Schüler während des Konzerts, und die Abwechslung zwischen verschiedenen Schwierigkeitsgraden und musikalischen Stilen hielt das Interesse des Publikums aufrecht.

Schüleronzerte, die sich an einem Thema orientieren, machen etwas mehr Arbeit für den Lehrer, aber die Freude, die alle daran haben, rechtfertigt den Aufwand.