The Wheel and the Sphere – A Celebration of Life

The announcement of the program that would open MusicaViva NY’s 40^th anniversary concert season made my heart sink. The Wheel and the Sphere – Orff’s CarminaBurana and Connesson’s Sphaera. The second title and its composer didn’t tell me anything. Alejandro has taken us on a tour de force of contemporary music since he became our conductor two years ago. This is probably another stop on the tour, and we have discovered some amazing treasures on the way.

But Carmina Burana is my all-time least favorite of all choir pieces. I’ve heard it in concert, and I was tempted to walk out of the performance, because I found the piece so primitive, vulgar, silly and most of all, fake. Bartok, for example, can do “primitive” really well, I think. There’s something earthy, grounded, authentic about it that’s captivating. But Orff…. fortunately, I’ve never had to sing the piece.

I’ll stop right here, out of regard and respect for all the people who are enthusiastic about Carmina, and admit that I’m prejudiced. Growing up in Germany, I had Orff coming out of my ears by the time I reached 4^th grade. We happily plunked away on little glockenspiels, xylophones, triangles and woodblocks. It was kind of fun, especially if you hit the right note at the right time, but it came across as music education rather than real music. It didn’t feel like much at all. And for some reason the educational stigma has attached itself to Carmina as well.

Submitting yourself to an experience you don’t care about can be an eye-opener. Since it can’t get worse than what you expect, it can only get better. And if anyone can save the piece for me, it’s our choir director Alejandro Hernandez-Valdez.

The first pleasant surprise: blunt and straightforward has its advantages. Once you know what’s up, it’s a piece of cake compared to some of the repertoire we’ve sung before. I’m at an advantage, regarding the pronunciation of the German Latin and the scraps of Middle High German. The music doesn’t allow for resistance. The catchy rhythms draw you in. It’s even lyrical at times, like in the beautiful Kum Geselle Min, a folk tune. Before long I find myself humming bits and pieces as I walk to the bus station after rehearsal.

Daniel Kirk-Foster and Trent Johnson took turns accompanying the choir rehearsals on the organ, because rehearsals take place in the organ loft. Both organists are true masters on their instrument, but I’m sure neither of them regretted handing over to the pianos during the final rehearsals before the concert. Margaret Kampmeier and Nelson Padgett work the two pianos with precision and virtuosity, to a point where you wouldn’t be surprised to see steam rise from under the lid. A big boom from Sandbox, the four-member percussion ensemble reverberates through the sanctuary and swallows everything else. Adjusting to the acoustics of the empty space is a challenge.

Many words at record speed

Pianos and percussion become like a machine, the “machine” that drives Sphaera.   The lyrics are taken from a Latin poem by Richard Crashaw.The 17^th century British poet was drawn to metaphysical ideas, and his poem discusses the central presence of the spheres in human experience. Guillaume Connesson (*1970 ) composed the piece twelve years ago, but it has never before been performed in New York. The harmonies of the piece are intriguing, and the relentless rhythmic drive is clearly inspired by Carmina. It takes the lead and drives us on, and to the point where we start driving each other. We exceed the speed limit, and Alejandro brings us to a halt just before everything crashes.

Rehearsal in the sanctuary

It’s a very fine line that separates enthusiasm from chaos, and the magic ingredient that keeps it manageable is control, discipline, not letting yourself get away, paying attention, staying in tune with the whole. All threads come together in the hands of the conductor. And fortunately, we’re in excellent hands.

It’s much easier to hear each other at the concert the following day, in front of a full house and an enthusiastic audience. The sounds of Sphaera fill the space. The   fourteen-minute piece sends out concise, intense surges of energy. It passes by so quickly I’d want to do it again when it’s over.

The prospect of standing through all of Carmina seemed a bit daunting at first, but once we get started, everything turns into music. Effect is important. You don’t want to come in early or straggle behind when a long note is cut off at last. The only way to make it work: follow the conductor, who inspires total confidence. I no longer think about my feet, even during the parts when soprano and alto are not singing. Shawn Bartels is hilarious singing the lament of the roasting swan; tenors and basses eagerly follow “abbot” Steven La Brie’s  irresistible invitation to enjoy their time at the tavern. And Alejandro was right, their drinking song does sound like the Comedian Harmonists.

Alejandro explained to us that he intends a performance that clearly distinguishes the three parts of Orff’s work. Within each section, one piece quickly follows the other so that they merge into a scene. If there is anything “educational” about Carmina, Alejandro’s interpretation shakes it out and fills it with life to the last note.  Devony Smith’s and Shabnam Abedi’s beautiful voices mesmerize everybody as they rise far beyond the comfort range with total ease and confidence in their lyrical solos in the third part, which praises the pleasures of love.

“O fortuna – o fortune, like the moon you are changeable, ever waxing and waning. Hateful life first oppresses, and then soothes as fancy takes it; poverty, and power, it melts them like ice.”

Pre-concert talk

Images, evoked by Alejandro’s pre-concert talk rise up in my mind as we sing the last piece. It’s a repeat of the beginning, as if symbolizing life in the grip of fate. Despite its exuberance the work has a dark undertone. It was composed in 1936 and premiered at the Frankfurt Opera on June 8, 1937. In Germany, the process of inner destruction was in full swing. Millions of lives would be extinguished in its course as it turned outward, millions more damaged beyond repair, and much of central Europe reduced to rubble.

In the face of uncertainty Carmina Burana celebrates life and love. In spite of everything they have prevailed so far. To celebrate them while we can, may be the best we can do, not knowing how close we stand to the abyss right now.

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Das Rad und die Sphären – ein Lob des Lebens

Die Ankündigung des Programms, mit dem Musica Viva NY die Jubiläums-Konzertsaison zu seinem 40–jährigen Bestehen eröffnen würde, rief bei mir keine Begeisterungsstürme hervor: Das Rad und die Sphären – Orff’s Orff’s Carmina Burana und Connessons Sphaera. Der zweite Titel sagte mir nichts. Alejandro liebt zeitgenössisches Repertoire. Wahrscheinlich ist das Stück ein weiterer Meilenstein auf dem Weg durch die Moderne, auf dem wir im Lauf der letzten zwei Jahre bereits einige erstaunliche Schätze gefunden.

Aber Carmina Burana ist ein Chorstück, das ich überhaupt nicht mag. Ich habe es im Konzert gehört, und manchmal wäre ich am liebsten früher gegangen. So was von primitiv, vulgär, albern und vor allem unecht und aufgesetzt. Es gibt richtig gute „primitive“ Musik z.B. von Bartok finde ich, Musik die etwas Verwurzeltes, Erdiges hat, das authentisch und mitreißend klingt. Aber Orff... Zum Glück habe ich Carmina noch nie mitsingen müssen.

Hier mache ich jetzt Schluss mit meinem Gejammer, aus Rücksicht und Respekt für alle, die von dem Stück begeistert sind, und gebe zu dass ich voreingenommen bin. Aufgewachsen in Deutschland, kam mir das Orff bereits im 4. Schuljahr zu den Ohren heraus, vom Geklimper auf Glockenspielen, Xylophonen, Triangeln und Holzblocktrommeln. Irgendwie machte es auch Spaß, vor allem wenn man den richtigen Ton zur richtigen Zeit traf, aber die erzieherische Absicht überlagerte den Gefühlsausdruck beträchtlich. Es war nette Musik, die eigentlich immer gleich klang und sich nach  nichts anfühlte. Irgendwie hat sich das erzieherische Stigma dann wohl auf Orffs populärstes Chorwerk übertragen.

Sich einer Erfahrung auszusetzen der man sich eigentlich entziehen möchte kann sehr aufschlussreich sein. Da es kaum schlimmer werden kann als erwartet, kann es eigentlich nur besser werden. Und wenn einer dieses Stück für mich retten kann, dann ist es unser Chorleiter, Alejandro Hernandez-Valdez.

Die erste angenehme Überraschung: platt und unkompliziert hat auch Vorteile. Wenn man einmal weiß was läuft ist das Stück wesentlich einfacher als vieles andere, was wir in den letzten zwei Jahren gesungen haben. Die Aussprache macht mir keine Schwierigkeiten, und die Musik duldet keinen inneren Widerstand. Die Rhythmen sind mitreißend, und es gibt sogar richtig lyrische Stellen, darunter die schöne alte Volksweise Kum, Geselle min. Sehr bald ertappe ich mich dabei, wie ich auf dem Weg zum Bus nach der Chorprobe Melodien aus Carmina vor mich hin summe.    

Die Chorproben finden auf der Orgelempore statt. Daniel Kirk-Foster und Trent Johnson begleiteten abwechselnd auf der Orgel. Beide Organisten sind Meister ihres Fachs, aber ich bin sicher, dass keiner von ihnen die Begleitung nachgetrauert hat, als sie in den letzten Proben vor dem Konzert von zwei Klavieren übernommen wurde. 

Viel Text, und rasend schnell

Mit größter Präzision und Virtuosität holen Margaret Kampmeier und Nelson Padgett aus den beiden Flügeln was drinsteckt. Man wäre kaum überrascht, irgendwann Qualm aus dem Flügelinnern aufsteigen zu sehen. Ein mächtiger Gong- und Paukenschlag aus der Ecke, wo das Perkussionsensemble Sandbox seine Instrumente aufgestellt hat, verschluckt alles in einer riesigen Klangwolke. Die Akustik des leeren Kirchenraumes ist gewöhnungsbedürftig.

Flügel und Schlaginstrumente werden zu einer Maschine, die Maschine die Sphaera antreibt. Guillaume Connesson (*1970) hat Auszüge aus der lateinischen Dichtung des britischen Dichters Richard Crashaw (1612-1649) harmonisch reizvoll zu Musik gesetzt. Der Dichter fühlte sich zur Metaphysik hingezogen. Er beschreibt den Einfluss der Sphären auf die menschliche Existenz. Musica Viva bringt das vor zwölf Jahren komponierte Werk zum ersten Mal in New York zur Aufführung. Der unerbittlich vorwärtstreibende Rhythmus ist deutlich von Carmina inspiriert. Er gewinnt die Oberhand und treibt uns vorwärts. Schließlich treiben wir uns gegenseitig. Alejandro stoppt die Maschine in letzter Sekunde zwischen Überschreitung der Geschwindigkeitsbegrenzung und dem Zusammenbruch. 

Chorprobe im Kirchenraum

Die Grenzlinie zwischen Begeisterung und Chaos ist hauchdünn. Die Zauberformel die das eine vom anderen trennt heißt: Disziplin, Aufmerksamkeit, Hinhören, in Verbindung bleiben mit dem Ganzen. Beim Chorleiter laufen alle Fäden zusammen. Zum Glück sind wir bei Alejandro in ausgezeichneten Händen.  

Vor vollem Haus am nächsten Tag ist es viel leichter, sich gegenseitig zu hören, und das begeisterte Publikum spornt uns an. Der Klang von Sphaera füllt den Raum. Das Stück dauert 14 Minuten und sendet intensive, konzentrierte Energieschübe aus. Alles geht so schnell, dass ich es am liebsten gleich noch einmal wiederholen würde.

Die Aussicht, durch die gesamte Carmina hindurch stehen zu müssen, war nicht sehr erfreulich, aber sobald das Stück begonnen hat, wird alles zu Musik. Die Effekte sind wichtig. Keiner möchte zu früh einsetzen, oder hinterhertrödeln, nachdem ein lange ausgehaltener Ton plötzlich abbricht. Die einzige Chance: Kontakt halten mit dem Dirigenten, dessen Selbstbewusstsein und Sicherheit sich auf alle überträgt. Ich denke nicht mehr an meine Füße, sogar während der Abschnitte wo Sopran und Alt nicht mitsingen. Zum Schreien komisch besingt Shawn Bartels den gerösteten Schwan. Tenöre und Bässe folgen der unwiderstehlichen Einladung des Abtes (Steven La Brie) in die Taverne ohne zu Zögern. Alejandro hat recht, das Trinklied erinnert tatsächlich an die Comedian Harmonists.

Alejandro erklärte uns, dass er eine Aufführung beabsichtigt, in der sich die drei Teile der Carmina Burana deutlich von einander abheben. Innerhalb jedes Anschnitts folgen die Stücke unmittelbar aufeinander, schmelzen zu Szenen zusammen. Wenn dem Werk tatsächlich etwas Pädagogisches anhaftet, dann schüttelt Alejandro es heraus und füllt alles bis zum letzten Ton mit Leben.  Devony Smith’s and Shabnam Abedis klangvolle Sopranstimmen erheben sich mit Leichtigkeit und Eleganz in höchste Höhen, in den beiden lyrischen Soli des letzten Teils, der die Freuden der Liebe preist.

„O Fortuna – O Schicksal, wie der Mond von veränderlicher Position, immer wächst du oder schwindest; das grässliche Leben ist jetzt hart und heilt dann die Geisteskraft spielend, die Armut, die Macht löst es auf wie Eis.“

Einführungsvortrag

Bilder, angeregt durch Alejandros Einführungsvortrag vor dem Konzert gehen mir durch den Sinn während des letzten Chorstückes. Es ist eine Wiederholung des Anfangs, wie ein Symbol für das Leben in den Klauen des Schicksals. Hinter der Überschwänglichkeit spürt man den dunklen Unterton. Das 1936 komponierte Werk wurde am 8. Juni 1937 in der Frankfurter Oper uraufgeführt. In Deutschland war der Prozess der inneren Zerstörung in vollem Gange. Nach außen getragen, würde sie Millionen Menschen vernichten, unheilbar verletzen, und einen großen Teil Mitteleuropas in Schutt und Asche legen.   

Trotz der Unwägbarkeit des Schicksals feiert Carmina Burana das Leben und die Liebe. Bisher haben sie allen Widrigkeiten getrotzt. Sie zu feiern ist vielleicht das Beste, was man tun kann, auch wenn keiner weiß wie nah wir am Abgrund stehen.

Seymour Bernstein: A Concert of His Piano Works / Seymour Bernstein: Ein Konzert mit seinen Klavierwerken

A special birthday calls for a special kind of celebration. But when Raj Bhimani, who has been Seymour Bernstein’s student for thirty years, asked him what we could do for his 90^th birthday, he said he didn’t want a birthday party, or a reception, not even a festive dinner. Raj is a wizard not only at the piano but also in the kitchen. Seymour knew what he was turning down.

One of Raj's culinary creations: the wedding cake for a cousin.

Time gets increasingly precious as you get older. Ninety years of a life rich and fulfilled provide much food for thought, and Seymour insisted on spending April 24^th  2017 by himself, immersed in reflection. “I still can’t identify with being ninety, and I’m already past it now,” he told me at my first lesson of the new teaching season two weeks ago. I found him as vigorous, enthusiastic and full of life as he was in October 1997, when I came to his studio for the first time.

The only celebration Seymour did accept was a concert featuring his own compositions for the piano. The event opened this year’s concert series of the Leschetizky Association last Sunday at the TENRI Cultural Institute in New York City. The association connects musicians dedicated to the legacy of the great pianist and teacher Theodor Leschetizky (1830-1915).

Seymour Bernstein with Alison Thomas und Raj Bhimani, who organized the concert

When Seymour was in his teens, he studied with Clara Husserl, who had studied with Leschetizky in Vienna. Leschetizky had studied with Czerny, and since Czerny studied with Beethoven, we’re all related to him as pianists, as Seymour always says. Raj told the story before the concert began, and as if he had conjured up the spirit, the artistry and beautiful tone that characterize the tradition were palpable in the playing of even the youngest of the thirty-two performers.

The program

Seymour Bernstein’s piano works are music that is written from the heart. They reflect what Seymour values most in music and in performing: the expression of deep feeling. The composer’s face was beaming with pleasure, assuring everybody that the concert was the perfect gift.

Into his old age, he has preserved the wonderment of the child, still capable of being awestruck by seemingly small things, and the miracles of nature. The two “Birds” Suites – impressionistic studies inspired by birds - are among his most popular teaching pieces. Everybody broke out laughing when Seymour told the audience how he was on occasion referred to as “the bird man” or “Seymour Birdseed.”

Seymour has written many pieces for young piano students: Köchel and Sheila, a story suite about the two Siamese Cats he used to have, and story suites about the creatures that keep him company during his summers in Maine: Racoons, and  Belinda, the Chipmunk. 

The concert featured many young performers, who arrived early from all over the city and beyond to rehearse on the piano and get used to the space. That made for a long afternoon, but they all awaited their turn with patience and listened to the other performers attentively, proud to be part of the special event that had taken months to prepare.

Seymour signs scores after the concert

Planning for the concert and the program began in May. It is a challenge for young children to live with repertoire for such a long time. Nicholas, Sophia and Jasper performed the “Out of this World Suite” at our studio recital in June, but it did become a little rusty over summer break. With three weeks to go until the concert after school began in September this was not the time for a slow start.

“They are completely in the music,” I thought when Nicholas coaxed the last note of Whispers from outer Space from the piano, very softly, but with great intensity. Sophia had the Meteorites tumbling head over heels while keeping perfect tempo. The secret to artistry is control, and Spaced Out was never so convincing. Jasper observed the full rest before the last phrase of Reaching for a Star, and the Martians slid down moonbeams with great elegance, even though he forgot the mitten at home that I had him use to protect his fingers during the glissandos.

Nicholas, Sophia und Jasper (at the piano) perform the Out of this World Suite

Every single performer did his and her best during this memorable concert. Some stick out in my memory, like Adam Jackson, who wowed everybody racing The Centipede across the keys just below the speed limit. 

Twenty years ago, Seymour composed Rhapsody on Two Names for the wedding of Lindsay and Javier Clavere.  “We are still married”, Lindsay assured the audience, before she and her husband performed the piece in perfect synchronicity. 

With their stunning rendition of the last movement from Seymour’s Concerto for our Time, Dorothy Grimm and her student Ulysses Squitieri conjured up smiles and chuckles, as people recognized familiar tunes from repertoire that everyone who ever learnt to play the piano has had under their hands. Seymour has woven them skillfully into the piece, and I can picture him at the piano in his studio, having fun while creating the music.

Beaming faces after the concert

All the performers

His humor, his kindness, his generosity and his wisdom reflect in his music. It brought people together who had never met before, and made everybody feel like family. I join Zelma Bodzin, the new president of the Leschetizky Association, in the heartfelt wish she expressed at the beginning of the concert: “Seymour, please continue to have birthdays for many years to come.”

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Ein besonderer Geburtstag möchte in besonderer Weise gewürdigt werden. Aber als Raj Bhimani, der seit 30 Jahren Seymour Bernstein’s Schüler ist, sich nach seinen Vorstellungen für den 90. Geburtstag erkundigte, wollte er keine Geburtstagsfeier, keinen Empfang, noch nicht einmal ein festliches Abendessen. Raj zaubert nicht nur am Klavier sondern auch in der Küche; Seymour wusste welchen Genuss er da ausschlug.

Eine von Rajs kulinarischen Kreationen: der Hochzeitskuchen für eine Cousine

Je älter man wird, desto kostbarer wird die Zeit. 90 Jahre eines reichen und erfüllten Lebens geben viel Stoff zum Nachdenken. Seymour bestand darauf, den 24. April 2017 reflektierend und alleine zu verbringen. „Ich kann mich immer noch nicht mit meinem Alter identifizieren, obwohl ich ja jetzt schon über 90 bin“, sagte er mir vor 14 Tagen in der ersten Stunde dieses Unterrichtsjahres. Aus seinen Worten sprach die gleiche Energie, Begeisterung und Lebensfreude wie im Oktober 1997, als ich zum ersten Mal den Weg in sein Studio fand.  

Die einzige Feier seines Geburtstages, die er schließlich akzeptierte, war ein Konzert mit seinen eigenen Klavierwerken. Es eröffnete letzten Sonntag die diesjährige Konzertsaison der Leschetizky Gesellschaft im TENRI Kulturinstitut in New York City. In der Gesellschaft finden sich Musiker zusammen, die sich dem pianistischen Erbe des Pianisten und Lehrers Theodor Leschetizky (1830-1915) verpflichtet fühlen.

Seymour Bernstein mit Alison Thomas und Raj Bhimani, die das Konzert organisierten

Als Teenager hatte Seymour Bernstein bei Clara Husserl Klavierunterricht, die bei Leschetizky in Wien studiert hatte. Leschetizky hatte bei Czerny studiert, und weil Czerny bei Beethoven studierte, dürfen wir uns alle als dessen pianistische Nachkommen bezeichnen, wie Seymour immer betont. Raj erzählte die Geschichte bevor das Konzert anfing. Als hätte er den Geist der Tradition beschworen, kennzeichneten Klangschönheit und Ausdrucksstärke die Darbietung aller zweiunddreißig Spieler, sogar der jüngsten.

Das Konzertprogramm

 

Seymours Klavierwerke sind Musik die von Herzen kommt. Sie sind den Qualitäten gekennzeichnet, die ihm in der Musik und in der Interpretation am wichtigsten sind: Ausdrucksstärke und tiefe Empfindung. Er strahlte vor Freude über das gelungene Geburtstagsgeschenk.

Bis ins hohe Alter hat er sich die Fähigkeit des kindlichen Staunens bewahrt; die Gabe, sich von scheinbar kleinen Dingen anrühren zu lassen, und von den Wundern der Natur. Die beiden Birds Suiten, impressionistische Studien, die verschiedene Vögel charakterisieren, gehören zu seinen beliebtesten Unterrichtswerken.  Alle brachen in Gelächter aus, als er erzählte wie man ihn gelegentlich als den Vogelmann bezeichnet hat, oder auch als Seymour Birdseed. (Vogelfutter)

Seymour hat zahlreiche Werke für junge Klavierschüler geschrieben. Köchel und Sheila ist eine Geschichte mit Musik über die beiden Siamkatzen, die er einmal hatte. Racoons (Waschbären)  und Belinda the Chipmunk (Streifenhörnchen) erzählen von den vierbeinigen Gefährten, in deren Gesellschaft er seine Sommer in Maine verbringt.

Viele dieser Werke wurden von jungen Klavierschülern gespielt, die von überall in der Stadt und in der Umgebung kamen. Sie mussten früh da sein, um das Instrument auszuprobieren und sich an den Raum zu gewöhnen. Das wurde ein langer Nachmittag, aber alle erwarteten ihren Auftritt geduldig und hörten den anderen aufmerksam zu, stolz darauf, bei diesem besonderen Ereignis mitwirken zu können.

Seymour signiert Noten nach dem Konzert

Die Planung für das Konzert und die Zusammenstellung des Programms hatten im Mai begonnen. Es ist nicht einfach für junge Schüler, Repertoire so lange „frisch“ zu halten. Nicholas, Sophia und Jasper führten die „Out of this World“ Suite im Juni im Studiovorspiel auf, aber während der langen Sommerpause wurden die Stücke doch etwas rostig. Als die Schule im September wieder begann, waren noch drei Wochen bis zum Konzert – da hieß es sofort voll durchstarten.

Sie sind gehen ganz in der Musik auf, dachte ich, als Nicholas den letzten Ton von „Whispers from Outer Space“ (Flüstern aus dem All) ganz leise und doch mit grösster Intensität dem Flügel entlockte. Sophia ließ die Meteoriten fröhlich durcheinanderpurzeln, und hielt trotzdem das Tempo. Das Geheimnis von Ausdruckskraft ist Kontrolle, und Spaced Out (Ausgerastet) hat sie noch nie so überzeugend gespielt. Jasper hielt die Pause vor der letzten Phrase von Reaching for a Star erstmalig in voller Länge, und die Marsmenschen rutschten ungehindert die Mondstrahlen herunter, obwohl er den Handschuh zu Hause vergessen hatte, den ich ihm gegeben hatte, um die Finger während der Glissandi zu schützen.

Nicholas, Sophia und Jasper (am Flügel) führen die Out of this World Suite auf

Alle Darbietungen des Programms waren ausgezeichnet. Einige sind mir besonders in Erinnerung geblieben, wie Adam Jackson, der nur knapp unter der Geschwindigkeitsbegrenzung blieb, als er vor begeistertem Publikum den Centipede (Tausendfüssler) über die Tasten jagte.

Rhapsody on Two Names wurde vor 20 Jahren anlässlich der Hochzeit von Lindsay und Javis Clavere komponiert. „Wir sind immer noch verheiratet“, verkündete Lindsay bevor sie das Stück für zwei Klaviere zusammen mit ihrem Mann aufführte.

Dorothy Grimm und ihr Schüler Ulysses Squitieri sorgten mit ihrer gelungenen Darbietung des 3. Satzes aus dem Concerto for our Time für Schmunzeln und leises Lachen unter den Zuhören. Geschickt hat Seymour zahlreiche Themen in dem Stück verarbeitet, die jeder kennt, der einmal Klavier gelernt hat. Ich kann mir vorstellen, wie er zu Hause am Flügel sitzt, und Spass dabei hat, dieses Stück zu komponieren.

Strahlende Gesichter nach dem Konzert

Alle Mitwirkenden 

Sein Humor, seine Güte, seine Grosszügigkeit und Weisheit spiegeln sich in seiner Musik. Sie brachte an diesem Nachmittag viele Menschen zusammen, die sich noch nie getroffen hatten und stiftete das Gefühl einer grossen Familie. Ich schliesse mich dem herzlichen Wunsch von Zelma Bodzin an, der neuen Vorsitzenden der Leschetizky Gesellschaft, die zu Beginn des Konzerts sagte:

“Seymour, ich wünsche mir noch viele Jahre lang Geburtstage von Dir.”