We are the Music Makers, and we are the Dreamers of Dreams/ Wir sind die Musiker und die Träumer von Träumen

 “We are the music makers and we are the dreamers of dreams…”

Sir Edward Elgar’s music to Arthur O’Shaugnessy’s poem The Music Makers closes quietly. Matthew Lewis, who currently celebrates his 20th season as conductor of St George’s Choral Society,  keeps a long moment of silence after the last note has faded, before he lowers his hands. The gesture gives way to thunderous applause, standing ovations and enthusiastic bravos. 

Program of the concert

Then the order of the performance dissolves. The sounds of choir and orchestra are replaced by the hum of voices; excited voices, hearts still filled with the music we’ve listened to. Audience members make their way through the crowd to congratulate the musicians. Orchestra members start packing up their instruments, some surely eager to rush off to the next gig. Someone waiting in line to congratulate soloist contralto Heather Petrie takes the chance to try a few notes on the Glockenspiel that stands silent, awaiting attention. We are all in this together - the thought crosses my mind, as I rush up front to congratulate Heather and hug Mimi, my friend who sings in the choir, writes the program notes and treated me to the ticket. We all met years ago, singing with Musica Viva New York at All Souls church on the Upper Eastside. Old friends reconnect and are introduced to new friends.  

We chat for a while, and then everyone heads home. Dusk is settling over the city when I set out into the street to walk the couple of blocks back to Penn Station to catch the train back to New Jersey. 

On the way to the concert earlier, memories hit home and became almost overwhelming. When I first moved from New Hampshire fifteen years ago, I came to this neighborhood every week. I was still employed by the Concord Community Music School that had sponsored me for a Green Card. Once I got that, I didn’t want to stay in New Hampshire for the rest of my life. Cautiously, I tested the waters of trying to make a living as an independent musician and teacher in the greater NYC area. For an entire year, I commuted once a week from New Hampshire to New York - 8 hours on the bus one way - to teach a handful of private students in New Jersey. To be close to the bus for the journey back, I stayed overnight with Julian and Deirdre in Manhattan. They were good friends of one of my students in New Hampshire. Their apartment provided stable ground, a feeling of home, friendship and an abundance of good advice in challenging times. Julian had once played the piano and decided to take up lessons again. She remained my student for several years after I moved to the area for good. Eventually though, the couple retired and moved to their home in Maine. The neighborhood still holds memories, but the feeling of home has been replaced by nostalgia. 

Many good friends left the city during the Pandemic and didn’t return. Some have passed away. Places of comfort have vanished. The Open Center where I volunteered in NYC and met many wonderful people didn’t make it through the Pandemic - though I did get word about efforts to restart. The Rubin Museum closed its doors and went 100% virtual in October.  The book store at the corner of Broadway and 63rd, where I’ve spent hours in the cafe over a cup of coffee, a giant chocolate chip cookie and a stack of books closed years ago. Sometimes, I went into the city to do just that - browse books in the quiet company of others. Cafés have dwindled, “Manhattan’s public living room,” as a friend once described them, “where people whose apartments are as big as a walk-in closet spend their afternoons.”  

These days, most people’s faces are glued to the screen of a phone while their bodies sit in front of a table or walk the streets. Sometimes I feel as much of a stranger as I did when I first came. Not just here, but in the world.

The music from the concert still resounds in my mind; the last piece on the program especially: Edward Elgar’s “The Music Makers” op 69 - a monumental piece for choir, contralto solo and orchestra, lasting a good 40 minutes. (Performed in the link by the choir of the University of Regensburg, Germany) 

The music that Elgar wrote to Arthur O’Shaughnessy’s poem is like a choral symphony. I listened to it first on YouTube, in a performance by the BBC Choir and Symphony - grandiose, spectacular, perfected in every aspect of the recording and performance. But it didn’t have the intensity of the live concert, or the feeling, or the nuance of the live performance. The voices and the orchestra merged, drew me in and washed over me, taking the sadness away. I’ve heard St George’s Choral Society before; they’re always good. Tthis time, though, they outdid themselves, as if the music had lifted them up and they were riding the wave of the music. 

St. George's Choral Society at the concert

I left the venue feeling comforted - by an uncomfortable piece. The Music Makers speaks of “empires that come and go, seeing themselves inspired by artistic expression, but the artists themselves, though essential, always remain apart, shaping empires’ violent downfall as well. “World- losers and world-forsakers … Yet we are the movers and shakers Of the world forever, it seems.” (Quote from the program notes, written by Miriam Michael)  The artist always remains apart - that’s where Heather Petrie’s expressive, beautiful contralto solo came in. 

Contralto Heather Petrie

There’s something about live concerts, especially “neighborhood concerts” like this one that can’t be replaced by even the most perfect recording: the experience that we’re all in this together, right now in this unique moment.     

The ground floor of Penn Station is buzzing with people in motion when I get there. The vast, ambitious glass-and metal Moynihan Train Hall is finally finished. 

Moynihan Train Hall

On the second floor, flashing lights on screens and colorful paper cover the windows of empty storefronts and hide the fact that apparently, here’s a dream that hasn’t come true.  I wonder if anyone notices. The vast marble halls in front of the empty stores are empty as well. Nobody is there to see…

Empty storefronts on the 2nd level of Moynihan Train Hall

We, in the ages lying 

In the buried past of the earth

Built Niniveh with out sighing 

And Babel itself with our mirth;

And o’erthrew them with prophesying

To the old of the new world’s worth

For each age is a dream that is dying,

Or one that is coming to birth…

reads the third verse of O’Shaughnessy’s poem.

We are the music makers and we are the dreamers of dreams. 

Before the sound there’s the dream of the sound. Everything is a dream before it comes alive. Maybe some things don’t change, after all - the imagination remaining the force that keeps the world and us going at the core…

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Sir Edward Elgars Musik zu Arthur O’Shaugnessy’s Gedicht The Music Makers endet leise. Matthew Lewis, der in dieser Saison sein 20. Jahr als Chorleiter der St George’s Choral Society feiert, bewahrt einen langen Augenblick der Stille, nachdem der letzte Ton verklungen ist. Kaum lässt er die Arme sinken, füllt begeisterter Applaus den Kirchenraum; Zuhörer erheben sich von den Bänken und rufen “Bravo.” 

Konzertprogramm

Die geordnete Konzertformation löst sich auf. Ein munteres Stimmengewirr macht sich breit, begeisterte Stimmen, noch ganz erfüllt von der Musik die wir gerade gehört haben. Zuhörer bahnen sich einen Weg durch die Menge nach vorn, um Sängern und Instrumentalisten zu gratulieren. Orchestermitglieder packen ihre Instrumente ein; einige sicherlich auf dem Weg zur nächsten Mucke. Jemand aus der langen Reihe der Gratulanten die darauf warten, ein paar Worte mit der hervorragenden Solistin Heather Petrie zu wechseln, probiert ein paar Töne auf dem verwaisten Glockenspiel. Wir alle gehören zu diesem Konzert, fährt es mir durch den Sinn, bevor ich mit Heather spreche und Mimi umarme, meine Bekannte, die im Chor singt, die Programmnotizen schreibt und mir die Konzertkarte besorgt hat. Wir kennen uns schon lange, haben viele Jahre lang bei Musica Viva New York an der All Souls Kirche auf der Upper East Side gesungen. Alte Bekannte begegnen sich wieder und werden neuen Bekannten vorgestellt.

Wir reden noch eine Weile, dann macht man sich auf den Heimweg. Es dämmert über der Stadt als ich die kurze Strecke zur Pennsylvania Station zurücklaufe, wo mein Zug nach South Orange abfährt. 

Früher am Nachmittag, auf dem Weg zum Konzert, hatten mich Erinnerungen eingeholt, die mich traurig stimmten. Als ich vor 15 Jahren von New Hampshire in die Nähe von New York zog, war ich jede Woche in diesem Viertel von Manhattan. Ich war zu der Zeit immer noch an der Musikschule in Concord, NH angestellt und hatte über diese Stelle meine Green Card - die dauerhafte Aufenthalts- und Arbeitsgenehmigung in den USA - erhalten. Den Rest meines Lebens wollte ich allerdings nicht in New Hampshire verbringen. Vorsichtig begann ich, Arbeitsmöglichkeiten als selbständige Musikerin und Klavierlehrerin in New York und Umgebung anzutesten. Ein ganzes Jahr lang fuhr ich einmal pro Woche von New Hampshire nach New York (8 Stunden mit dem Bus, eine Fahrt), um einen Nachmittag lang Privatschüler zu unterrichten, die mir Kollegen in New Jersey vermittelt hatten. Um für die Rückfahrt schneller am Bus zu sein, übernachtete ich bei Julian und Deirdre in Manhattan. Die beiden waren gute Freundinnen einer meiner Schülerinnen an der Musikschule in Concord; sie hatte mich mit den beiden bekannt gemacht. Ausser einem Dach über dem Kopf und einem Bett für die Nacht fand ich bei Julian und Deirdre offene Ohren für alles was klappte und alles was schiefging, gute Ideen, Unterstützung, Wärme, Freundschaft, Angenommensein.  Julian erinnerte sich, dass sie früher einmal Klavier gespielt hatte und fing wieder an, Unterricht zu nehmen. Nach meinem Umzug in die Gegend blieb sie noch für eine Reihe von Jahren meine Schülerin. Nach ihrer Pensionierung zog sie mit ihrer Partenerin nach Maine. Das Stadtviertel, wo die beiden gewohnt haben, ist noch voller Erinnerungen, aber das Gefühl, zu Hause zu sein hat sich zu Nostalgie gewandelt.

Viele gute Freunde verliessen die Stadt während der Pandemie und kehrten nicht zurück. Manche sind nicht mehr am Leben. “Emotionale Stützpunkte” aus den ersten Jahren in New York sind verschwunden. Das Open Center, wo ich ehrenamtliche Mitarbeiterin war, hat die Pandemie nicht überstanden - wenn es auch Gerüchte über einen möglichen Neuanfang gibt. Das Rubin Museum schloss im Oktober seine Tore und bietet nun seine Projekte weltweit auf dem Internet und mit Wanderausstellungen an. Schon vor Jahren schloss der Buchladen an der Ecke Broadway und 63. Street, wo ich Stunden im Cafe bei einem Kaffee und einem riesigen Chocolate Chip Cookie über einem Stapel Bücher zugebracht habe. Manchmal bin ich nur dafür in die Stadt gefahren: um in stiller Gesellschaft von anderen in Büchern zu stöbern.   Cafés, die ein Freund einmal als “Manhattan’s öffentliches Wohnzimmer, ” beschrieb, “wo Leute, deren Wohnungen so gross sind wie eine Abstellkammer, Stunden im Gespräch miteinander oder auch mit Arbeit verbringen,” gibt es auch immer weniger.

Heutzutage kleben die Gesichter der meisten am Bildschirm ihres Smartphones während sie an einem Tisch sitzen oder eine Strasse entlanglaufen. Manchmal fühle ich mich so fremd wie am Anfang. Nicht nur hier, sondern in der ganzen Welt.

Die Musik klingt mir noch in den Ohren, als ich nach dem Konzert die Kirche verlasse; vor allem das letzte Stück: Edward Elgar’s “The Music Makers” op 69 - ein monumentales Stück für Chor, Alt solo und Orchester; es dauert etwa 40 Minuten (Aufführung im angegebenen Link: Chor und Orchester der Universität Regensburg) 

Elgar machte aus Arthur O’Shaughnessys Gedicht eine Art Chorsinfonie. Vor dem Konzert hatte ich mir eine Aufnahme auf Youtube angehört, mit Chor und Orchester der BBC London, grandios, spektakulär, perfekt in allen Aspekten von Ausführung und Aufnahmetechnik. Trotzdem fehlte die Intensität des Live Konzerts, die musikalischen Nuancen und das Gefühl des unmittelbaren Erlebens. Hier verschmolzen Chor und Orchester zu einer einzigen Klangwelle die meine Traurigkeit fortspülte. Ich habe St George’s Choral Society schon öfter gehört. Alle Aufführungen waren ausgezeichnet, aber diesmal wuchsen die Musiker über sich hinaus. 

St. George's Choral Society beim Konzert

Ich verliess die Kirche getröstet von einem unbequemen Stück. The Music Makers beschreibt “Imperien, die kommen und gehen, inspiriert von  künstlerischem Ausdruck, aber die Künstler, die ihn hervorbringen, bleiben immer ausserhalb des Geschehens, sei es der Aufstieg von Weltreichen, oder ihr gewaltsamer Zerfall.“World- losers and world-forsakers … Yet we are the movers and shakers Of the world forever, it seems.” (Zitat aus Miriam Michels Programmnotizen) Der Künstler hat die Vision, steht aber immer abseits - symbolisiert im Solo der Altstimme, mit Intensität und warmem Ausdruck vorgetragen von Heather Petrie. 

Die Altistin Heather Petrie

Live Konzerte wie dieses, in kleinerem, intimen Rahmen, vermitteln etwas, das auch die perfekteste Aufnahme nicht wiedergeben kann: die Erfahrung des gemeinsame Erlebens dieser einmaligen, unwiederholbaren Augenblicke.

Als ich an der Pennsylvania Station ankomme, wimmelt es in der Bahnhofshalle von Menschen, die in alle Richtungen laufen. Es hat lange gedauert, bis die ambitionierte Konstruktion aus Glas und Stahl fertig war.

Moynihan Train Hall

Im zweiten Stock ist es dagegen still. Grelle Leuchtreklamen und bunt bemalte Plakatwände verdecken die Fenster leerer Ladenlokale und täuschen über die Tatsache hinweg, dass hier anscheinend Träume nicht in Erfüllung gegangen sind. Ob das wohl jemandem auffällt? Ist überhaupt jemand da, dem es auffallen könnte….? 

Leere Ladenlokale im 2. Stock

Jedes Zeitalter ist ein sterbender Traum

Oder die Geburt eines neuen ….

endet die dritte Strophe von O’Shaughnessy’s Gedicht.

Wir sind die Musiker und die Träumer von Träumen…

Bevor der Klang in die Welt geht, erklingt er in der Vorstellung. Alles ist Traum bevor es Wirklichkeit wird. Etwas bleibt unverändert: die Vorstellung als Kraft, die uns und die Welt bewegt.

The Wheel and the Sphere – A Celebration of Life

The announcement of the program that would open MusicaViva NY’s 40^th anniversary concert season made my heart sink. The Wheel and the Sphere – Orff’s CarminaBurana and Connesson’s Sphaera. The second title and its composer didn’t tell me anything. Alejandro has taken us on a tour de force of contemporary music since he became our conductor two years ago. This is probably another stop on the tour, and we have discovered some amazing treasures on the way.

But Carmina Burana is my all-time least favorite of all choir pieces. I’ve heard it in concert, and I was tempted to walk out of the performance, because I found the piece so primitive, vulgar, silly and most of all, fake. Bartok, for example, can do “primitive” really well, I think. There’s something earthy, grounded, authentic about it that’s captivating. But Orff…. fortunately, I’ve never had to sing the piece.

I’ll stop right here, out of regard and respect for all the people who are enthusiastic about Carmina, and admit that I’m prejudiced. Growing up in Germany, I had Orff coming out of my ears by the time I reached 4^th grade. We happily plunked away on little glockenspiels, xylophones, triangles and woodblocks. It was kind of fun, especially if you hit the right note at the right time, but it came across as music education rather than real music. It didn’t feel like much at all. And for some reason the educational stigma has attached itself to Carmina as well.

Submitting yourself to an experience you don’t care about can be an eye-opener. Since it can’t get worse than what you expect, it can only get better. And if anyone can save the piece for me, it’s our choir director Alejandro Hernandez-Valdez.

The first pleasant surprise: blunt and straightforward has its advantages. Once you know what’s up, it’s a piece of cake compared to some of the repertoire we’ve sung before. I’m at an advantage, regarding the pronunciation of the German Latin and the scraps of Middle High German. The music doesn’t allow for resistance. The catchy rhythms draw you in. It’s even lyrical at times, like in the beautiful Kum Geselle Min, a folk tune. Before long I find myself humming bits and pieces as I walk to the bus station after rehearsal.

Daniel Kirk-Foster and Trent Johnson took turns accompanying the choir rehearsals on the organ, because rehearsals take place in the organ loft. Both organists are true masters on their instrument, but I’m sure neither of them regretted handing over to the pianos during the final rehearsals before the concert. Margaret Kampmeier and Nelson Padgett work the two pianos with precision and virtuosity, to a point where you wouldn’t be surprised to see steam rise from under the lid. A big boom from Sandbox, the four-member percussion ensemble reverberates through the sanctuary and swallows everything else. Adjusting to the acoustics of the empty space is a challenge.

Many words at record speed

Pianos and percussion become like a machine, the “machine” that drives Sphaera.   The lyrics are taken from a Latin poem by Richard Crashaw.The 17^th century British poet was drawn to metaphysical ideas, and his poem discusses the central presence of the spheres in human experience. Guillaume Connesson (*1970 ) composed the piece twelve years ago, but it has never before been performed in New York. The harmonies of the piece are intriguing, and the relentless rhythmic drive is clearly inspired by Carmina. It takes the lead and drives us on, and to the point where we start driving each other. We exceed the speed limit, and Alejandro brings us to a halt just before everything crashes.

Rehearsal in the sanctuary

It’s a very fine line that separates enthusiasm from chaos, and the magic ingredient that keeps it manageable is control, discipline, not letting yourself get away, paying attention, staying in tune with the whole. All threads come together in the hands of the conductor. And fortunately, we’re in excellent hands.

It’s much easier to hear each other at the concert the following day, in front of a full house and an enthusiastic audience. The sounds of Sphaera fill the space. The   fourteen-minute piece sends out concise, intense surges of energy. It passes by so quickly I’d want to do it again when it’s over.

The prospect of standing through all of Carmina seemed a bit daunting at first, but once we get started, everything turns into music. Effect is important. You don’t want to come in early or straggle behind when a long note is cut off at last. The only way to make it work: follow the conductor, who inspires total confidence. I no longer think about my feet, even during the parts when soprano and alto are not singing. Shawn Bartels is hilarious singing the lament of the roasting swan; tenors and basses eagerly follow “abbot” Steven La Brie’s  irresistible invitation to enjoy their time at the tavern. And Alejandro was right, their drinking song does sound like the Comedian Harmonists.

Alejandro explained to us that he intends a performance that clearly distinguishes the three parts of Orff’s work. Within each section, one piece quickly follows the other so that they merge into a scene. If there is anything “educational” about Carmina, Alejandro’s interpretation shakes it out and fills it with life to the last note.  Devony Smith’s and Shabnam Abedi’s beautiful voices mesmerize everybody as they rise far beyond the comfort range with total ease and confidence in their lyrical solos in the third part, which praises the pleasures of love.

“O fortuna – o fortune, like the moon you are changeable, ever waxing and waning. Hateful life first oppresses, and then soothes as fancy takes it; poverty, and power, it melts them like ice.”

Pre-concert talk

Images, evoked by Alejandro’s pre-concert talk rise up in my mind as we sing the last piece. It’s a repeat of the beginning, as if symbolizing life in the grip of fate. Despite its exuberance the work has a dark undertone. It was composed in 1936 and premiered at the Frankfurt Opera on June 8, 1937. In Germany, the process of inner destruction was in full swing. Millions of lives would be extinguished in its course as it turned outward, millions more damaged beyond repair, and much of central Europe reduced to rubble.

In the face of uncertainty Carmina Burana celebrates life and love. In spite of everything they have prevailed so far. To celebrate them while we can, may be the best we can do, not knowing how close we stand to the abyss right now.

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Das Rad und die Sphären – ein Lob des Lebens

Die Ankündigung des Programms, mit dem Musica Viva NY die Jubiläums-Konzertsaison zu seinem 40–jährigen Bestehen eröffnen würde, rief bei mir keine Begeisterungsstürme hervor: Das Rad und die Sphären – Orff’s Orff’s Carmina Burana und Connessons Sphaera. Der zweite Titel sagte mir nichts. Alejandro liebt zeitgenössisches Repertoire. Wahrscheinlich ist das Stück ein weiterer Meilenstein auf dem Weg durch die Moderne, auf dem wir im Lauf der letzten zwei Jahre bereits einige erstaunliche Schätze gefunden.

Aber Carmina Burana ist ein Chorstück, das ich überhaupt nicht mag. Ich habe es im Konzert gehört, und manchmal wäre ich am liebsten früher gegangen. So was von primitiv, vulgär, albern und vor allem unecht und aufgesetzt. Es gibt richtig gute „primitive“ Musik z.B. von Bartok finde ich, Musik die etwas Verwurzeltes, Erdiges hat, das authentisch und mitreißend klingt. Aber Orff... Zum Glück habe ich Carmina noch nie mitsingen müssen.

Hier mache ich jetzt Schluss mit meinem Gejammer, aus Rücksicht und Respekt für alle, die von dem Stück begeistert sind, und gebe zu dass ich voreingenommen bin. Aufgewachsen in Deutschland, kam mir das Orff bereits im 4. Schuljahr zu den Ohren heraus, vom Geklimper auf Glockenspielen, Xylophonen, Triangeln und Holzblocktrommeln. Irgendwie machte es auch Spaß, vor allem wenn man den richtigen Ton zur richtigen Zeit traf, aber die erzieherische Absicht überlagerte den Gefühlsausdruck beträchtlich. Es war nette Musik, die eigentlich immer gleich klang und sich nach  nichts anfühlte. Irgendwie hat sich das erzieherische Stigma dann wohl auf Orffs populärstes Chorwerk übertragen.

Sich einer Erfahrung auszusetzen der man sich eigentlich entziehen möchte kann sehr aufschlussreich sein. Da es kaum schlimmer werden kann als erwartet, kann es eigentlich nur besser werden. Und wenn einer dieses Stück für mich retten kann, dann ist es unser Chorleiter, Alejandro Hernandez-Valdez.

Die erste angenehme Überraschung: platt und unkompliziert hat auch Vorteile. Wenn man einmal weiß was läuft ist das Stück wesentlich einfacher als vieles andere, was wir in den letzten zwei Jahren gesungen haben. Die Aussprache macht mir keine Schwierigkeiten, und die Musik duldet keinen inneren Widerstand. Die Rhythmen sind mitreißend, und es gibt sogar richtig lyrische Stellen, darunter die schöne alte Volksweise Kum, Geselle min. Sehr bald ertappe ich mich dabei, wie ich auf dem Weg zum Bus nach der Chorprobe Melodien aus Carmina vor mich hin summe.    

Die Chorproben finden auf der Orgelempore statt. Daniel Kirk-Foster und Trent Johnson begleiteten abwechselnd auf der Orgel. Beide Organisten sind Meister ihres Fachs, aber ich bin sicher, dass keiner von ihnen die Begleitung nachgetrauert hat, als sie in den letzten Proben vor dem Konzert von zwei Klavieren übernommen wurde. 

Viel Text, und rasend schnell

Mit größter Präzision und Virtuosität holen Margaret Kampmeier und Nelson Padgett aus den beiden Flügeln was drinsteckt. Man wäre kaum überrascht, irgendwann Qualm aus dem Flügelinnern aufsteigen zu sehen. Ein mächtiger Gong- und Paukenschlag aus der Ecke, wo das Perkussionsensemble Sandbox seine Instrumente aufgestellt hat, verschluckt alles in einer riesigen Klangwolke. Die Akustik des leeren Kirchenraumes ist gewöhnungsbedürftig.

Flügel und Schlaginstrumente werden zu einer Maschine, die Maschine die Sphaera antreibt. Guillaume Connesson (*1970) hat Auszüge aus der lateinischen Dichtung des britischen Dichters Richard Crashaw (1612-1649) harmonisch reizvoll zu Musik gesetzt. Der Dichter fühlte sich zur Metaphysik hingezogen. Er beschreibt den Einfluss der Sphären auf die menschliche Existenz. Musica Viva bringt das vor zwölf Jahren komponierte Werk zum ersten Mal in New York zur Aufführung. Der unerbittlich vorwärtstreibende Rhythmus ist deutlich von Carmina inspiriert. Er gewinnt die Oberhand und treibt uns vorwärts. Schließlich treiben wir uns gegenseitig. Alejandro stoppt die Maschine in letzter Sekunde zwischen Überschreitung der Geschwindigkeitsbegrenzung und dem Zusammenbruch. 

Chorprobe im Kirchenraum

Die Grenzlinie zwischen Begeisterung und Chaos ist hauchdünn. Die Zauberformel die das eine vom anderen trennt heißt: Disziplin, Aufmerksamkeit, Hinhören, in Verbindung bleiben mit dem Ganzen. Beim Chorleiter laufen alle Fäden zusammen. Zum Glück sind wir bei Alejandro in ausgezeichneten Händen.  

Vor vollem Haus am nächsten Tag ist es viel leichter, sich gegenseitig zu hören, und das begeisterte Publikum spornt uns an. Der Klang von Sphaera füllt den Raum. Das Stück dauert 14 Minuten und sendet intensive, konzentrierte Energieschübe aus. Alles geht so schnell, dass ich es am liebsten gleich noch einmal wiederholen würde.

Die Aussicht, durch die gesamte Carmina hindurch stehen zu müssen, war nicht sehr erfreulich, aber sobald das Stück begonnen hat, wird alles zu Musik. Die Effekte sind wichtig. Keiner möchte zu früh einsetzen, oder hinterhertrödeln, nachdem ein lange ausgehaltener Ton plötzlich abbricht. Die einzige Chance: Kontakt halten mit dem Dirigenten, dessen Selbstbewusstsein und Sicherheit sich auf alle überträgt. Ich denke nicht mehr an meine Füße, sogar während der Abschnitte wo Sopran und Alt nicht mitsingen. Zum Schreien komisch besingt Shawn Bartels den gerösteten Schwan. Tenöre und Bässe folgen der unwiderstehlichen Einladung des Abtes (Steven La Brie) in die Taverne ohne zu Zögern. Alejandro hat recht, das Trinklied erinnert tatsächlich an die Comedian Harmonists.

Alejandro erklärte uns, dass er eine Aufführung beabsichtigt, in der sich die drei Teile der Carmina Burana deutlich von einander abheben. Innerhalb jedes Anschnitts folgen die Stücke unmittelbar aufeinander, schmelzen zu Szenen zusammen. Wenn dem Werk tatsächlich etwas Pädagogisches anhaftet, dann schüttelt Alejandro es heraus und füllt alles bis zum letzten Ton mit Leben.  Devony Smith’s and Shabnam Abedis klangvolle Sopranstimmen erheben sich mit Leichtigkeit und Eleganz in höchste Höhen, in den beiden lyrischen Soli des letzten Teils, der die Freuden der Liebe preist.

„O Fortuna – O Schicksal, wie der Mond von veränderlicher Position, immer wächst du oder schwindest; das grässliche Leben ist jetzt hart und heilt dann die Geisteskraft spielend, die Armut, die Macht löst es auf wie Eis.“

Einführungsvortrag

Bilder, angeregt durch Alejandros Einführungsvortrag vor dem Konzert gehen mir durch den Sinn während des letzten Chorstückes. Es ist eine Wiederholung des Anfangs, wie ein Symbol für das Leben in den Klauen des Schicksals. Hinter der Überschwänglichkeit spürt man den dunklen Unterton. Das 1936 komponierte Werk wurde am 8. Juni 1937 in der Frankfurter Oper uraufgeführt. In Deutschland war der Prozess der inneren Zerstörung in vollem Gange. Nach außen getragen, würde sie Millionen Menschen vernichten, unheilbar verletzen, und einen großen Teil Mitteleuropas in Schutt und Asche legen.   

Trotz der Unwägbarkeit des Schicksals feiert Carmina Burana das Leben und die Liebe. Bisher haben sie allen Widrigkeiten getrotzt. Sie zu feiern ist vielleicht das Beste, was man tun kann, auch wenn keiner weiß wie nah wir am Abgrund stehen.