A few thoughts on Beethoven's "Funeral March on the Death of a Hero" from Piano Sonata No 12 op 28/ Einige Gedanken zu Beethovens "Trauermarsch auf den Tod eines Helden" aus der Klaviersonate No12, op 26

I’ll always associate this movement with a dear friend from college, who played the sonata in her final exam. In the weeks leading up to it, we met at 8 am every morning and performed our programs for each other. That way, I got to know the sonata quite well. “This would be my favorite piece,” said my friend “if it weren’t for that cursed funeral march…”

I identified with that. Growing up in Germany in the 1950’s and 60’s, World War 2 still very much alive in the stories of the generation that raised us and the Cold War an actual threat that hung over us, marches evoked images of the military, of oppression, cruelty and death. Even renowned pianist, teacher and scholar Jürgen Uhde (1913-1991), writes in his commentary on the Beethoven Sonatas:  The programmatic content of such pieces, not uncommon in Beethoven’s compositions, leaves us somewhat unmoved these days, as we’ve grown tired of heroes who engage in war-like activities.“ 

( Jürgen Uhde, Beethoven’s Klaviermusik II, Sonaten 1-15, Stuttgart 1970, P 326, translation BM)

The memory of these reactions came alive when I eventually played the sonata myself and discussed it with my teacher. We had quite an argument over the expression, e.g. the appropriateness of using rubato, which I took to be a token of personal emotion; something that, in my opinion, did not have a place in a piece that illustrated the workings of a destructive machinery that erases all individuality. 

Recently, I shared the sonata at a recital with one of my students, who was studying it, but not ready yet to play the entire piece. She performed the first and the last movement, I took on movement 2 and 3.

So, here I was, back with the funeral march. In the course of reviving it, the piece grew on me, to the point where I could acknowledge and appreciate  its mastery. 

It may well be the eeriest piece Beethoven has ever written. I discovered that I was afraid of it - or the expression it conveys: the relentlessness of a machinery that rolls over you, and the magnitude of the sacrifice.

Every funeral march is somber and has an air of relentlessness. Death itself is relentless. But this is not just any funeral march. It is a funeral march on the death of a hero. 

Heroes are often controversial figures. Beethoven had his own experience with that. He greatly admired Napoleon as liberator of the people and planned to dedicate his third symphony to him. But when Napoleon declared himself emperor, which Beethoven interpreted as a token of personal ambition that would ultimately lead to tyranny, he crossed out the dedication, already written on the title page, and the symphony became known as “Eroica.” (1803)

True heroes put their individual well-being  and ambition aside for the sake of what they consider a higher goal. Beethoven himself, on the verge of suicide because of his growing and irreversible deafness, decided not to follow through, because he felt there was so much left he had to give to the world. (Heiligenstadt Testament 10/6/1802, a year after the completion of the sonata)

Beethoven, Heiligenstadt Testament, 10/6/1802

The way I see it, Beethoven’s funeral march on the death of a hero expresses the agony of a sacrifice like that. The overall dynamic is soft; piano - a hint of resignation ? The pain under the surface breaks through in sudden, surprising changes of dynamics, while the relentless rhythms levels all individual expression. 

There is no relief in memory, as in the middle section of Chopin’s funeral march. In the drum rolls and trumpet fanfares in the middle section of Beethoven’s composition we get a glimpse at bygone glory at best.  Maybe the most “personal” moment happens in the final phrase (M 71 ff) in the diverging lines hidden in the chord progression and the “outcry” before the drum finally fades.  

Expressing the pain under the surface of the stoicism is the challenge of the piece. It takes practice to endure it. I still don’t “like” the piece, but I’m awestruck by the composer’s mastery. 

Great art strives to express the truth. And that is not always pretty. 

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Dieses Stück wird mich wohl immer an eine gute Freundin von der Musikhochschule erinnern; sie spielte es im Abschlussexamen. Zur Vorbereitung trafen wir uns in den Wochen vor der Prüfung jeden Morgen um 8 und spielten uns gegenseitig unser Programm vor. Auf diese Weise lernte ich die Sonate ziemlich gut kennen. “Die Sonate wäre mein Lieblingsstück,” sagte meine Freundin, “wenn nur der verfluchte Trauermarsch nicht wäre…”

Damit konnte ich mich identifizieren. Der 2. Weltkrieg war noch sehr lebendig in den Erzählungen der Generation, die uns grossgezogen hat; und der Kalte Krieg vermittelte das Gefühl einer ständigen latenten Bedrohung. Mit Märschen verband sich die Vorstellung von Militär, Unterdrückung, Grausamkeit und Tod. Sogar der bekannte Pianist, Musikwissenschaftler und Lehrer Jürgen Uhde (1913-1991) schreibt in seiner Besprechung des Trauermarsches:  Der programmatische Inhalt solcher Stücke, wie sie ja bei Beethoven nicht selten sind, läßt uns heute etwas kühl, denn wir sind der Helden müde geworden, soweit sie sich kriegerisch betätigen.” (P 326, Jürgen Uhde, Beethoven’s Klaviermusik II, Sonaten 1-15, Stuttgart 1970)

Als ich die Sonate dann schliesslich selber spielte, musste ich meinen eigenen Weg zum Umgang mit dem Trauermarsch finden. Ich konnte mich mit dem Stück immer noch nicht anfreunden, und hatte eine sehr angeregte Diskussion mit meinem Lehrer über den Ausdruck des Stückes und den Gebrauch von Rubato. Ich sah darin ein Zeichen persönlichen Gefühlsausdrucks, den ich in einem Stück unangemessen fand, das die zerstörerische Kraft einer Maschinierie darstellt, die alle Individualität auslöscht.

In einem Vorspiel meiner Schüler vor einigen Wochen “teilte” ich mir die Sonate mit einer Schülerin, die sie gerade lernt, aber noch nicht soweit war, das gesamte Stück zu spielen. Sie führte den ersten und letzten Satz auf, ich übernahm die beiden Mittelsätze. 

Wieder blieb der Trauermarsch an mir hängen. Während ich das Stück auffrischte, entdeckte ich Aspekte, die mir den Weg zu einer anderen Wertschätzung eröffneten.  

Vielleicht ist dieser Satz das unheimlichste Stück, das Beethoven je geschrieben hat. Ich stellte fest, dass der musikalische Ausdruck mir Angst machte - die Gnadenlosigkeit einer Maschinerie, die alles niedermacht, was ihr in den Weg kommt, und die Ungeheuerlichkeit des geforderten Opfers. 

Jeder Trauermarsch hat etwas Gnadenloses. Der Tod selbst ist gnadenlos. Aber Beethovens Stück ist kein gewöhnlicher Trauermarsch. Es ist ein Trauermarsch auf den Tod eines Helden. 

Helden sind oft kontroverse Persönlichkeiten. Beethoven selbst hatte seine Erfahrung damit. Begeistert von Napoleons Verdiensten um die Republik, widmete er ihm seine 3. Sinfonie. Als Napoleon sich zum Kaiser ernannte und damit alle Bemühungen um die Republik in Frage stellte, nahm die Bewunderung ein jähes Ende. Beethoven strich die Widmung auf dem Titelblatt durch, so heftig, dass das Papier zerriss, und die Sinfonie wurde als “Eroica” bekannt. 

Wirkliche Helden stellen eigenes Wohl und Ambitionen zurück zugunsten eines höheren Ziels oder Zwecks. Dazu gehört auch Beethovens eigener Entschluss, sich der unheilbaren, fortschreitenden Taubheit nicht durch Selbstmord zu entziehen, weil er der Welt noch so viel zu geben hatte. 

(Heiligenstädter Testament, 6.10.1802)

Ich glaube, in Beethovens Trauermarsch kommt die Qual einer solchen Entscheidung zum Ausdruck. Piano - die vorherrschende Dynamik - gibt ihm etwas Resignierendes. Der unterdrückte Schmerz bricht in plötzlichen, überraschenden Wechseln der Dynamik hervor. Aber der unerbittliche Rhythmus macht jeglichen Ausdruck von Individualität zunichte. 

Anders als in Chopins Trauermarsch spendet der mittlere Abschnitt keinerlei Trost. Die Trommelwirbel und Fanfaren sind bestenfalls Erinnerung an vergangenen Ruhm. Der vielleicht “persönlichste” Moment findet sich in der letzten Phrase ( T 71 ff) in den auseinander strebenden Linien, die sich in der Akkordfolge verbergen, und dem “Aufschrei” in T 72 bevor die Trommel schliesslich verklingt. 

Die Herausforderung des Stückes besteht darin, den Schmerz zum Ausdruck zu bringen, der sich hinter der starren, gemessenen Oberfläche verbirgt. Man muss üben, das auszuhalten. Das Stück “gefällt” mir nicht, aber ich kann die Meisterschaft der Komposition würdigen.

Grosse Kunst sucht den Ausdruck von Wahrheit. Und die ist nicht immer schön oder angenehm.  

Authority is no fun - or: Beethoven would not approve - / Autorität macht keinen Spass - oder: Beethoven wäre nicht einverstanden –

My student is beaming. For the first time ever, she’s played “Für Elise” from beginning to end. That’s a huge accomplishment for a ten-year-old, who was about to drop piano altogether a few months ago. “I’m tired of the endless fights about practicing, what’s your cancellation policy?” her mom inquired.

I don’t encourage simplified versions of pieces that are too difficult. But sometimes, you have to pull out all the stops. My student has been piecing together the beginning of Beethoven’s all-time favorite by ear almost since she started lessons. I find an arrangement of the first part that simplifies the left hand. One could even complete it to the original version later on.

The deadline for dropping out of piano arrives, and there’s no more talk about quitting. The student has the original version of “Für Elise” at home. I suggest she try the original version of the first part, which doesn’t give her much trouble. One day, she comes in and plays the second part, the one that catapults the piece from late elementary to late intermediate and is most people’s downfall. Mom has given some help; the section is considerably slower than the rest, some issues need attention, but it’s basically there. I feel she can do this, and more than that: she wants to.  

L. van Beethoven: Für Elise, part 1, original version

A few weeks later, we’ve evened out most of the kinks. Today’s performance was the peak – so far. The tempo was steady. There were a few little fumbles, but no breakdowns along the way. Connecting the melody at the beginning of the second part requires a slip fingering. An entire exercise in “A Dozen a Day” was devoted to the skill. My student did it perfectly.

In “Für Elise” she bounces off long melody notes as if they were diving boards, eager to get to the next note. That tears the melody apart. We’ve tried to improve this at every lesson. I’ve explained and demonstrated what the melody sounds like if you sing it like that.  We’ve argued, too. When the difficult accompaniment in the left hand absorbs all the attention, there are no capacities left to care about a melody line.

L. van Beethoven, Für Elise part 2

Then, there’s the third-part. It is technically easy, but in order to line up the chords and the repeated notes in the left hand correctly, you have to keep track of the count. Who wants to count, when there’s so much drama in the music.  

I know I’m going to turn that happy smile on my student’s face into a frown when I request her to play this section again, counting out loud. I’m willing to let go of the broken melody in the second part, but time signature changes in part three are simply wrong and not intended by Beethoven.

L. van Beethoven: Für Elise part 3

In my mind I picture myself in third or fourth grade, preparing for a student recital, my mother hovering over me, insisting I can do better than that. I do my best to please her. I don't hear or feel the difference, and I could care less, because I'm eager to finish and be off to somewhere else.

A while ago, I had a conversation with a young advocate of veganism as a radically non-violent approach to living in the world and relating to other people. In his opinion, adults should refrain from imposing their will on children. I’m all for non-violence, but I asked if he didn’t think that the more advanced and knowledgeable had some responsibility towards the young, inexperienced and vulnerable. He flinched when I used the word “authority” – even though I specified it as authority by way of expertise and experience, rather than the random imposition of power on another person.

I told him that, as a piano teacher, I came full circle fairly late in life, when I started to take lessons again and experienced that certain practices and approaches such as scales, arpeggios, a certain amount of technical exercises and such simple things as counting out loud - though not terribly appealing in and of themselves – enabled me to do things I could only dream of earlier on.   

I turn to my student, and the third part of “Für Elise.” It’s not my most creative day, and I’m temporarily out of ideas that would turn the task of straightening out the rhythm into a fun game. I simply request that we go through this again, counting out loud. She does it, because she has to, and working through the resistance is as difficult as mastering the task.

Ludwig van Beethoven

 As a young teacher I’d probably have let it go, overjoyed that “Für Elise” has saved another student from quitting piano. I’d have sacrificed responsibility to the composer’s intention to the student’s comfort level and lack of motivation without giving it too much thought. My attitude has changed since then. But in situations like this, I don’t like myself any better for it...

And considering that my mother never seemed to have any difficulties standing her ground as an authority, I dedicate this blog entry to her memory.

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Autorität macht keinen Spass - oder: Beethoven wäre nicht einverstanden

Meine Schülerin strahlt aus allen Knopflöchern. Zum ersten Mal hat sie Beethoven’s Für Elise von Anfang bis Ende durchgespielt. Das ist eine Meisterleistung für eine Zehnjährige, die noch vor einigen Monaten mit Klavier aufhören wollte. „Das ewige Gezanke wegen des Übens bin ich leid,“ schrieb die Mutter, „wann können wir abmelden?“

Normalerweise lasse ich keine vereinfachten Bearbeitungen von Originalwerken spielen. Aber manchmal muss man alle Register ziehen. Fast von der ersten Stunde an hat sich meine Schülerin den Anfang von Beethovens beliebter Melodie so gut sie konnte nach Gehör zusammengesucht. Ich finde eine Bearbeitung des ersten Teils, de lediglich die linke Hand vereinfacht, so dass man sie später vervollständigen kann.

Die Abmeldefrist verstreicht, und von Aufhören ist keine Rede mehr. Die Schülerin hat die Originalversion von Für Elise zu Hause. Sie hat keine Schwierigkeiten mit dem ersten Teil. Eines Tages kommt sie zum Unterricht und spielt den zweiten Teil, den Abschnitt, der das Stück von der Anfangs- in die obere Mittelstufe katapultiert und den meisten zum Verhängnis wird. Die Mutter hat ein bisschen geholfen, der Abschnitt ist wesentlich langsamer als der Anfang, ein paar Details sind nicht ganz richtig, aber ich spüre, dass sie diese Musik spielen kann. Mehr als das: sie will sie spielen.

L. van Beethoven Für Elise Teil 1, Originalversion

Ein paar Wochen später sind die meisten Schwierigkeiten behoben. So gut wie heute hat sie noch nie gespielt – in gleichmäßigem Tempo, ein paar kleine Stolpersteine hier und da, aber keine großen Zusammenbrüche. Einige stumme Fingerwechsel sind notwendig, um die Melodietöne des zweiten Teils miteinander zu verbinden. Meine Schülerin kann das, eine gesamte Übung aus „A Dozen a Day“ spielte sie perfekt.

In Für Elise stößt sie sich von den langen Melodietönen ab wie von einem Sprungbrett um zum nächsten Ton zu gelangen. Das reißt die Melodie auseinander. Jede Stunde haben wir versucht, das zu verbessern. Ich habe erklärt und demonstriert wie es klingt, wenn man die Melodie so singt. Gezankt haben wir uns auch. In der Begleitung der linken Hand ist soviel los, da sind keine Kapazitäten für die Melodie mehr frei.

L. van Beethoven: Für Elise Teil 2

 Der dritte Teil des Stückes hat seine eigenen Tücken. Er ist technisch nicht besonders schwer, aber um die Akkorde in der rechten Hand im richtigen Moment mit der gleichförmigen Tonwiederholung in der Begleitung zu koordinieren, darf man  rhythmisch den Faden nicht verlieren. Aber wer will schon zählen, bei soviel Drama in der Musik.

Ich stelle mir vor, wie sich das strahlende Gesicht meiner Schülerin verfinstert, wenn ich verlange, dass sie den Abschnitt jetzt nochmal mit laut Zählen spielt. Was die zerrissene Melodie im zweiten Teil angeht, bin ich bereit, fünf gerade sein zu lassen, aber Taktwechsel im dritten Teil sind schlichtweg verkehrt und vom Komponisten nicht vorgesehen.  

L. van Beethoven Für Elise Teil 3

Ich fühle mich zurückversetzt ins dritte oder vierte Schuljahr, bei der Vorbereitung auf ein Schülervorspiel, meine Mutter neben mir am Klavier, und sie besteht darauf, dass ich das besser kann als ich gerade gespielt habe. Darauf bedacht, so schnell wie möglich fertig zu werden und mich interessanteren Dingen zuzuwenden, tue ich mein bestes, um sie zufrieden zu stellen. Den Unterschied kann ich weder hören noch fühlen und ehrlich gesagt, er ist mir egal.  

Vor einiger Zeit hatte ich ein Gespräch mit einem jungen Mann, für den Veganismus nicht nur eine bestimmte Ernährungsart, sondern auch eine radikal gewaltlose Lebensweise darstellt. Erwachsene sollten davon absehen, Kindern ihren Willen aufzunötigen, meinte er. Ich befürworte Gewaltlosigkeit voll und ganz. Trotzdem konnte ich mir die Frage nicht verkneifen, ob ältere, kenntnisreiche und erfahrene Menschen den jüngeren, unerfahreneren und verletzlicheren gegenüber nicht eine gewisse Verantwortung hätten. Als ich das Wort „Autorität“ fallen ließ, verriet seine Miene großes Unbehagen, obwohl ich klarmachte, dass ich Autorität als Erfahrung und Expertenwissen verstanden wissen wollte, nicht als willkürliche Ausübung von Macht.

Ich erzählte ihm von meinem Beruf als Klavierlehrerin und wie sich meine Einstellung zu Tonleitern, technischen Übungen, und unbeliebten, aber nützlichen Praktiken wie laut zählen grundlegend geändert hat, nachdem ich im fortgeschrittenem Alter wieder anfing, selber Unterricht zu nehmen und am eigenen Leib erfuhr wie sie mein Spiel verbesserten. Plötzlich waren Dinge möglich, von denen ich früher nur träumen konnte. 

Ich wende mich meiner Schülerin zu, und dem 3. Teil von Für Elise. Es ist nicht mein kreativster Tag und ich habe keine Idee, wie man die Aufgabe, den Abschnitt rhythmisch zu korrigieren, in ein interessantes Spiel verpacken könnte. Stattdessen verlange ich von ihr, den Abschnitt nochmal zu spielen, und dabei laut zu zählen. Sie tut es, weil sie muss, und die Überwindung des inneren Widerstandes ist mindestens genauso schwer wie die Lösung der Aufgabe.

Ludwig van Beethoven

Als junge Lehrerin hätte ich wahrscheinlich nicht darauf bestanden, überglücklich, dass Für Elise wieder eine Klavierschülerin vor dem Aufhören bewahrt hat. Wahrscheinlich hätte ich die Verantwortung gegenüber dem Stück und dem Komponisten dem Motivationstief und der Bequemlichkeit der Schülerin geopfert, ohne mir allzu viel Gedanken deswegen zu machen. Meine Einstellung hat sich inzwischen geändert. Aber in Situationen wie dieser Klavierstunde kann ich mich deswegen nicht besonders gut leiden...

Und in Anbetracht dessen, dass meine Mutter nie irgendwelche Schwierigkeiten zu haben schien, ihren Stand als Autorität zu behaupten, widme ich diesen Blogeintrag ihrem Andenken.