Preparing for Recitals / Vorspiele vorbereiten

Summer vacation is just around the corner, and it’s that time of the year again: auditions, evaluations and recitals sum up and showcase the learning and growing that has been happening since last September. It’s easier said than done,though. Special events call for special preparation. 

Sharing ideas about what is helpful and what is not was the topic of the last teachers’ forum of the Leschetizky Association. Memories of “nightmare” recitals from our own past had remained very much alive over the years - stopping dead on stage in the middle of the piece, without a clue how to get back in and finish it; and there was a story about a fugue that simply eloped the effort to be recorded for TV.

We had the impression that people didn’t talk about the special challenges of performing and stage fright during our college days in the same way they do today, at least not in public. Either you could do it, or you couldn’t. Nowadays, performing has even become a topic of scientific discussion, and there is no question that it is possible to prepare in a way that takes pressure off the situation.

To start with, once or twice a year simply isn’t enough if you want to make progress as a performer. The number one tool to prepare are tryouts, tryouts, and more tryouts - Zelma said she used to play 10 to 15 before an important recital. Some teachers offer performing classes for their students on a regular basis. Ask your friends and family to listen to you play, ask everybody who comes to the house the week before the recital. It doesn’t always have to be a big formal event, but it’s important that people sit down and listen. The presence of another person in the next room makes a difference - and it can occasionally be enough to throw you off - but it’s not the same as everybody’s attention being completely focussed on you. 

You can play tryouts over the phone, you can record yourself. Recording is also a good first step before you play tryouts. Many people report that the presence of the machine is enough to make them nervous, and more often than not, it’s the nerves that throw us off. Having your own performance played back to you always finds you listening with different ears, and you may find that at least part of what you thought you heard while you were playing was in truth wishful thinking.

There is a connection between the quality of practicing and the quality of performing, and ultimately, you perform the way you practice. Tryouts sharpen awareness for weaknesses in your playing, and those insights have to find a way into your practice. Your thoughts may drift off, and your fingers get away with it as long as you’re by yourself. Out in the spotlight, you suddenly find that your mind has nothing to rely on. It’s a wide spread habit, we could all relate to it from our own experience. 

Fortunately, you can train your mind just as you can train your fingers. “Stop playing the moment you notice that you’re distracted,” suggested Francois, and “remember that you have a CHOICE what you think about.” I’ve had very good results myself with his other suggestion: to learn a new piece phrase by phrase - or motive by motive, if that’s all your brain can process to begin with. Playing the music in your mind away from the piano is good method to test your memory,      (- this also works for distracting yourself at the dentist, when you’re stuck in traffic or when you can’t sleep at night.) 

Preparing for a recital, you want to get rid of as many of the unknowns as you possibly can. If you have a chance, try out the instrument. You can test how your playing holds up under distraction - e.g. with the radio on, and what happens if you play through your program first thing in the morning, right after you get up - a friend of mine had a teacher in college who insisted that this situation revealed the true level of your playing. 

It’s useful to have places throughout the piece where you can start at random; transposing and teaching by rote helps to keep the ear active. Knowledge of theory can serve as a backup for memory. For people who have trouble playing at a steady tempo and find it hard to skip over mistakes, playing duets has proved helpful.

Of course, all these suggestions are only helpful if the goals performers set for themselves are realistic and there is enough time to reach them. In case of doubt, the teacher as the expert should have the courage to make the decision, especially if this means to protect a student against unreasonable pressure and exaggerated expectations of his family, school or peers.

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Bald beginnen die Sommerferien, und es ist mal wieder soweit: Konzerte, Prüfungen, Beurteilungsvorspiele sollen zeigen, was die Schüler seit September gelernt haben. Das ist leichter gesagt als getan. Besondere Ereignisse erfordern besondere Vorbereitung.

So beschäftigten sich die Teilnehmer am letzten Lehrerforum der Leschetizky Gesellschaft mit dem Thema, was bei der Vorbereitung mehr oder weniger hilfreich ist. Erinnerungen an “Alptraum-Vorspiele” wurden wieder wach; an den Moment, wo mitten im Vortrag der Faden riss, und man unverrichteter Dinge die Bühne verlassen musste, weil man keine Ahnung hatte, wie und wo man wieder “einsteigen” konnte; und eine Teilnehmerin berichtete von einer Fuge, die sich während einer Fernsehaufnahme einfach auf und davon machte.  

Zu unserer Studienzeit sprach man nicht so offen über Lampenfieber und die besonderen Herausforderungen des Vorspielens, wenigstens nicht in der Öffentlichkeit. Entweder es lag einem, oder es lag einem nicht. Heutzutage ist das Thema sogar Gegenstand wissenschaftlicher Untersuchungen, und es ist keine Frage, das es Mittel und Wege gibt, den Druck, der von der Situation ausgeht, zu reduzieren.

Zu Beginn sei festgestellt, dass ein oder zwei Vorspiele im Jahr einfach nicht genug sind, um im Konzertieren Fortschritte zu machen. Probevorspiele, Probevorspiele, und noch mehr Probevorspiele sind immer noch das beste Mittel, sich mit der Situation vertraut zu machen. Zelma berichtete, dass sie vor wichtigen Terminen oft 10 bis 15 angesetzt hat. Manche Lehrer veranstalten regelmässig Vorspielklassen für ihre Schüler. Man kann Freunde und Familie bitten, zuzuhören, jeden, der in der Woche vor dem Vorspiel das Haus betritt. Es muss nicht immer eine formelle Veranstaltung sein, aber es ist wichtig, dass das Publikum sich hinsetzt und zuhört. Zwar kann einen die Gegenwart einer anderen Person im Nebenzimmer schon aus der Ruhe bringen, aber es ist nicht dasselbe wie das Gefühl, im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit zu stehen.

Man kann auch übers Telefon vorspielen, oder eine Aufnahme machen - letzteres ist sogar eine gute Vorbereitung auf eine Probekonzert. Oft wird berichtet, das die Gegenwart des Augfnahmegeräts bereits genügt, um Nervosität zu erzeugen, und meistens sind es ja die Nerven, die einem einen Streich spielen. Die eigene Aufnahme hört man oft mit anderen Ohren, und manches, was man meinte während des Spiels zu hören, entpuppt sich im Nachhinein als Wunschvorstellung.

Zwischen der Qualität des Übens und dem Erfolg beim Vorspielen besteht ein unmittelbarer Zusammenhang. Letzten Endes spielt man so vor, wie man übt. Probevorspiele schärfen das Bewusstsein für Schwächen des Spiels, und die gewonnenen Einsichten müssen in den Übeprozess integriert werden. Die Gedanken schweifen ab, und die Finger tun ihre Arbeit, solange man allein ist. Im Rampenlicht ist der Geist dann plötzlich unbeschäftigt, und hat nichts, worauf er sich verlassen kann. Die Angewohnheit ist weit verbreitet, wir alle hatten unsere eigenen Erfahrungen damit gemacht.

Zum Glück kann man den Geist genauso trainieren wie die Finger. “Sofort aufhören zu spielen, wenn man beim Üben merkt, dass die Gedanken abschweifen,” schlug Francois vor.“ Mit seiner zweiten Idee habe ich selber gute Erfahrungen gemacht: ein neues Stück Phrase für Phrase, und manchmal Motiv für Motiv lernen, immer nur soviel, wie das Gehirn wirklich verarbeiten kann. Die Musik nur in Gedanken, ohne Instrument durchzuspielen ist eine gute Methode, das Gedächtnis zu testen ( - es ist auch nützlich als Ablenkungsmanöver beim Zahnarzt, wenn man im Stau steht oder abends nicht einschlafen kann.)

Bei der Vorbereitung auf ein Konzert möchte man so viele Unwägbarkeiten aus dem Weg schaffen wie möglich. Es macht viel aus, das instrument auszuprobieren. Man kann ausprobieren, ob die Konzentration auch gegen ein laufendes Radio immun ist, oder was passiert, wenn man ohne jede Vorbereitung morgens als erstes nach dem Aufstehen sein Programm durchspielt - der Lehrer eines Freundes an der Hochschule bestand darauf, das es die sicherste Methode sei, seinen wahren Leistungsstand herauszufinden.

Startpunkte im Stück, wo man jederzeit anfangen kann sind hilfreich, transponieren oder ein Stück ohne Noten beizubringen aktiviert das Gehör. Theoretische Kenntnisse können ein zusätzliches Sicherheitsnetz bilden. Vierhändig spielen ist eine gute Übung für Schüler, die Schwierigkeiten haben, ein gleichmässiges Tempo zu halten oder trotz falscher Töne weiterzuspielen.

Natürlich sind alle diese Vorschläge nur hilfreich, wenn das gesteckte Ziel realistisch ist, und genügend Zeit ist, um darauf hinzuarbeiten. Im Zweifelsfall sollte der Lehrer als Experte den Mut haben, Entscheidungen zu treffen, insbesondere wenn es darum geht, jugendliche Schüler vor unvernünftigem Druck und überzogenen Erwartungen von Familie, Schule oder Altersgenossen in Schutz zu nehmen.

Daniel Baer - pianist at the 70th Anniversary Season Leschetizky Birthday recital

Since hearing Daniel Baer’s concert at the Tenri Institute in NYC last Saturday, I have been wondering why it is so much harder to do justice to a concert that was really good, than to criticize something that didn’t go so well. A witty critique can rise above a poor performance, but words will never match up to one that was superb. I wished I could recommend a recording, but unfortunately I don’t know of any recordings by Daniel Baer - so I guess I’ve got to write.

The occasion for the recital was the Leschetizky Association’s annual birthday concert in honor of the great teacher, pianist and composer Theodor Leschetizky, whose  ideals and principles in teaching and playing are promoted by the organization.

The program began with Mozart’s Sonata in D-major K 567. “Children like playing Mozart because of the quantity of the notes, adults dread it because of the quality of the notes,” a friend of mine used to say. The music is so transparent, every note that is less than ideal sticks out like a sore thumb. Daniel Baer’s playing took your ear on the leash. Every note had color, depth, emotion and meaning. Making this happen is one of the hardest tasks a pianist can take on, but hearing him play, you’d never guess - it sounded as if it couldn’t be any other way.

Daniel Baer at the piano -
extra chairs had to be added to accommodate the large audience
that had come to hear the concert

I had never heard the Ballade op 24 by Grieg. The melancholy theme branches out into variations that cover the whole range of emotions, from sadness and resignation to fury and passion. It must be extremely difficult to hold this jagged piece of clashing extremes together - but that didn’t occur to me until the journey was over - the pianist got me so involved in the music that I didn’t have time to think.

Rzewski’s “Winnsboro Cotton Mill Blues” was another first time experience for me. (Click on the link to get an impression of the piece. I found it on Youtube, played by Marc-Andre Hamelin.)The term “Blues” led me to expect a piece of music in a folksy or jazzy style, with a tinge of sadness that is not altogether unpleasant. Daniel Baer’s vocal performance of the ballad’s first verse did nothing to contradict that notion, and it wasn’t until the first notes sounded on the piano that I understood that we were up for a very different kind of ride. Once set in motion, the music went on with the mercilessness and precision of the machinery, that crushes the worker who supposedly runs it, consuming his energy and exploiting his strength. The process seemed to take on a life of its own, and at one point, I began to wonder whether the pianist would ever be able to stop it.

I can’t begin to imagine the concentration, the physical energy and the discipline it takes to perform a piece like this, let alone learn and practice it. While the pianist survived the ordeal unscathed, a damper had gotten stuck in the cotton mill, and that provided several audience members with a task during intermission.

Seymour Bernstein and Bill Finizio repairing a broken damper

Brahms’ Sonata in C-major op 1 formed the second part of the program. Under Daniel Baer’s hands, the piano changed from the machine it had represented in the previous piece to a symphony orchestra. His playing was passionate and personal, he brought out the big lines while doing justice to every subtle detail. Two encores concluded the concert: a Scarlatti Sonata, and “The Poet speaks;” the last piece from Schumann’s 'Scenes of Childhood.' 

Daniel Baer has everything you would expect from a young pianist raised in the tradition of Leschetizky, and worthy of being heard in major concert halls around the world: the passion and the poetry, the musicality and the imagination, without which virtuosity and technical control remain empty and meaningless. 

He is currently pursuing his masters’ degree at the Juilliard School under Jerome Lewenthal, and also studying with Seymour Bernstein and Maxine Giannini.

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Seit Daniel Baer’s Klavierabend im Tenri Institute in New York City am vergangenen Samstag habe ich mich gefragt, warum es soviel schwieriger ist, einem Konzert, das ausgezeichnet war, mit Worten gerecht zu werden, als ein weniger gelungenes zu kritisieren. Eine geistreiche Kritik kann besser sein als die Aufführung, aber an hervoragendes Spiel kommen Worte nicht heran. Ich wollte, ich könnte eine Aufnahme von Daniel Baer empfehlen, aber leider weiss ich von keiner - also muss ich doch schreiben.

Der Anlass war das “Geburtstagskonzert,” das die Leschetizky Gesellschaft jedes Jahr im Andenken an den grossen Lehrer, Pianisten und Komponisten Theodor Leschetizky veranstaltet, dessen Prinzipien des Klavierspielens und - unterrichtens ihre Mitglieder weiterführen.

Das Programm begann mit Mozarts Sonate In D-Dur KV 567. “ Kinder lieben Mozart’s Musik wegen der geringen Anzahl der zu spielenden Töne, Erwachsene fürchten sie wegen deren Qualität,” pflegte ein Freund von mir zu sagen. Die Musik ist so durchsichtig, dass jeder Ton der nicht ganz ideal ist, sofort unangenehm auffällt. Daniel Baer’s Spiel nahm das Ohr an die Leine. Jeder Ton hatte Farbe, Tiefe, Emotion und Bedeutung. Dies fertigzubringen ist eine der schwierigsten Aufgaben, denen sich ein Pianist stellen kann, aber bei Daniel Baer’s Spiel käme man nicht auf diese Idee. Alles klang so, als könnte es gar nicht anders sein. 

Daniel Baer am Fluegel -
extra Stuehle mussten aufgestellt werden,
um das zahlreich erschienene Publikum unterzubringen

Griegs Ballade op 24 war ein unbekanntes Stück für mich. Das melancholische Thema, mit dem das Stück beginnt, verzweigt sich in Variationen die die ganze Spannweite verschiedener Gefühle umfasst, von Trauer und Resignation zu Wut und Leidenschaft. Es muss unglaublich schwierig sein, das Stück über die auseinanderklaffenden Stimmungen hinweg zusammenzuhalten - aber das fiel mir erst auf, als es vorbei war. Das Spiel des Pianisten hatte mich so gefesselt, dass ich überhaupt nicht zum Denken kam.

Rzewskis “Winnsboro Cotton Mill Blues” hörte ich ebenfalls zum ersten Mal. (Der Link fuehrt zu einer Aufnahme des Stueckes, die ich auf Youtube fand, gespielt von Marc Andre Hamelin.) Unter dem Titel “Blues” erwartete ich ein Musikstück von folk- oder jazzartigem Charakter, mit einer Spur von nicht völlig unangenehmer Traurigkeit. Daniel Baers Gesangsvortrag der ersten Strophe entsprach dieser Erwartung, und erst als die ersten Klaviertöne erklangen, wurde mir klar, dass dies der Beginn eines “etwas anderen” Musikerlebnisses war. Nachdem sich das Stück einmal in Bewegung gesetzt hatte, ging die Musik ihren Gang mit der Erbarmungslosigkeit und Präzision der Maschinerie, die den Arbeiter zerstört, der in ihr arbeitet, die seine Energie verbraucht und seine Kraft ausbeutet. Der Prozess schien ein Eigenleben anzunehmen, und ich fragte mich, ob der Pianist ihn je wieder zum Stillstand bringen könnte. 

Ich kann mir kaum vorstellen, wieviel geistige Konzentration, physische Kraft und Disziplin erforderlich ist, um so ein Werk zu spielen. Während der Pianist die Tortur unbeschadet überstand, hatte sie beim Flügel Spuren hinterlassen. Ein Dämpfer war in der Baumwollspinnerei steckengeblieben, was einige Zuhörer während der Pause mit einer Aufgabe versah.

Seymour Bernstein und Bill Finizio
bei der Reparatur eines defekten Daempfers

Brahms’ Sonate in C-Dur op 1 bildete den 2. Teil des Programms. Unter den Händen des Pianisten verwandelte sich das Instrument nun von einer Maschine in ein Sinfonieorchester. Sein Spiel war voller Leidenschaft und persönlichem Ausdruck, er brachte die grosse Linie heraus und wurde gleichzeitig jedem Detail gerecht. 

Zwei Zugaben rundeten das Konzert ab; eine Scarlatti Sonate und Schumann’s “Der Dichter spricht” - das letzte Stück aus den Kinderszenen. 

Daniel Baer hat alles, was man von einem jungen Pianisten erwarten würde, der in der Tradition Leschetizkys ausgebildet wurde, und der es verdient, in den grossen Konzerthäusern der Welt gehört zu werden. Sein Spiel hat Leidenschaft und Poesie, Musikalität und Vorstellungskraft, ohne die technische Kontrolle und Virtuosität leer und bedeutungslos bleiben. 

Er studiert zur Zeit an der Juilliard School bei Jerome Lewenthal mit dem Ziel des Master Abschlusses; weitere Lehrer sind Seymour Bernstein und Maxine Giannini. 

Creating Community in the Private Studio/ Im Privatunterricht Gemeinschaft erfahren

When I relocated to Maplewood three years ago, it was necessity more than conviction that led to my beginnings as a private teacher. I couldn’t find a suitable job at a music school - but I didn’t look very hard, either. In 30 years of teaching at community music schools I had experienced the whole range of joy and frustration that working in an organization can bring: the positive energy and the inspiration that is generated when people come together at the same time at the same place to do the same thing in the same spirit, but also the negative impact of miscommunication and destructive spirits, the energy that is taken up through the struggle with the administration, the exasperation that can result from the constant struggle for funds. While I found it extremely satisfying to finally “own” my work in my private studio, I also knew that I would have to recreate the benefits of the community experience on my own from now on, most of all, for my students.

Als ich vor drei Jahren nach Maplewood umzog, war es mehr Notwendigkeit als Überzeugung, die mich dazu brachte, as Privatlehrerin tätig zu werden. Ich konnte keine geeignete Stelle an einer Musikschule finden - allerdings habe ich mich bei der Suche danach auch nicht besonders angestrengt. In dreissig Jahren als Musikschullehrerin hatte ich das gesamte Spektrum von Freude bis Frustration erfahren, das die Tätigkeit in Organisationen mit sich bringt: die beflügelnde  Energie und die Inspiration, die ensteht, wenn Menschen am gleichen Ort zusammenkommen um aus einem gemeinsamen Geist heraus das gleiche zu tun, aber auch die Missverständnisse und bösen Geister, die die Atmosphäre vergiften, den Kräfteverschleiss in der Auseinandersetzung mit der Verwaltung und dem ewigen Kampf um finanzielle Mittel. Nun gehörte meine Arbeit endlich mir, aber ich wusste auch, dass ich die Vorzüge der Gemeinschaftserfahrung nun selber für meine Schüler schaffen musste.

The very first piano teacher I had as a child came to our house. She didn’t appear to be a very happy and exuberant person, and I didn’t like her very much. The only other person in my world who played the piano was my mother. She also supervised my practicing in the beginning - and we weren’t a very fortunate combination, either.

Die allererste Klavierlehrerin, die ich als Kind hatte, kam zu uns nach Hause. Sie ging nicht besonders aus sich heraus, und machte auch keinen besonders glücklichen Eindruck - ich mochte sie nicht besonders. Meine Mutter war der einzige andere Mensch in meiner Welt, der Klavier spielte. Am Anfang beaufsichtige sie mein Üben, und eine besonders glückliche Kombination waren wir beide auch nicht.

Things took a decided turn for the better when I started to take lessons through the “Jugend und Schulmusikwerk der Stadt Koeln” - a cooperative between the public schools and instrumental teachers in my home city of Cologne, Germany. Lessons were held in the public schools after school hours, students participated in school concerts, and had their own recitals in addition to that. Suddenly, there was a community of people who did the same thing as I did. I still had to practice alone, but I had friends and classmates who did the same. We shared what we did, we inspired, and occasionally competed with each other. 

Die Situation verbesserte sich entscheidend als ich anfing, über das Jugend- und Schulmusikwerk der Stadt Köln Unterricht zu nehmen, in dem Privatlehrer mit allgemeinbildenden Schulen zusammenarbeiteten. Der Unterricht fand nach Schulschluss in den Klassenräumen statt, wir nahmen an Schulkonzerten teil und hatten eigene Vorspiele. Auf einmal war da eine Gemeinschaft von Menschen, die das gleiche taten wie ich. Üben musste ich zwar immer noch allein, aber ich hatte Freunde und Klassenkameraden, die das gleiche taten. Wir hatten die Musik gemeinsam, wir inspirierten uns gegenseitig, spielten mit - und gelegentlich gegeneinander.

In my private studio, monthly performing class has proved a great way to form a sense of community. I can’t make anyone attend, and I’ve given up trying to find a date each month that works for everyone. The main thing is to give the opportunity. I consider two students plus myself a mini group, but most of the time, it we have more attendants than that. People have told me that they like to come, and once you like something, you make an effort to be there.

In meinem Privatstudio ist es vor allem die monatliche Vorspielstunde, die  Gemeinschaft entstehen und erfahren lässt. Ich kann niemanden zwingen zu kommen, und ich habe den Versuch aufgegeben, jeden Monat einen Termin zu finden, der allen passt. Die Gelegenheit zu schaffen ist das Wichtigste. Zwei Schüler und ich bilden einen Mini-Gruppe, aber meistens haben wir mehr Teilnehmer. Die Schüler sagen, dass sie gerne kommen, und wenn man etwas mag, strengt man sich an, da zu sein. 

Whatever you play at the class doesn’t have to be performance ready. It’s understood that you’re still learning, and you’re trying out how far you’ve come. Playing for others is a mirror of your own learning process. Things you can get away with when you play by yourself are suddenly out in the open, mishaps throw a spotlight on aspects of your playing that need attention in practice. 

Die Stücke, die gespielt werden, müssen nicht vorspielreif sein. Es versteht sich, dass sie noch im Lernstadium sind, und die Spieler ausprobieren möchten, auf welchem Stand sie sind. Anderen vorzuspielen ist ein Spiegel des eigenen Lernprozesses. Was  noch so gerade gutgeht, wenn man alleine spielt, fällt vor Publikum auseinander, und Missgeschicke zeigen auf, was beim Üben Beachtung verlangt 

It’s ok to play only a section of a longer piece, and you don’t have to play new  repertoire every time, either. That way, students get a chance to witness each other’s growth over time. They understand that learning is a process, nobody ever goes out there and presents perfect results.

Man kann auch nur einen Abschnitt eines längeren Stückes spielen, das man gerade lernt, und es muss nicht jedes Mal etwas Neues sein. Auf diese Art und Weise bekommen die Schüler einen Eindruck davon, wie die anderen lernen. Sie erfahren, dass Lernen ein Prozess ist, und niemand aus dem Nichts heraus perfekten Resultate auf der Bühne präsentiert.

With few exceptions, non-performers are not permitted at the class. That way, everybody is in the same boat. Everybody gets to take a bow and play, and everybody gets to be part of the audience. Usually, I provide the listeners with the music. Just managing to sit quietly and follow along without dropping the book can be a big accomplishment for the young students. 

Teilnehmer, die nicht selber spielen sind in der Regel von den Vorspielstunden ausgeschlossen. So sitzen alle im selben Boot. Jeder macht seine Verbeugung und spielt vor, und jeder lernt zuzuhören. Meistens gebe ich den Zuhörern die Noten in die Hand. Ruhig sitzen und mitlesen, ohne das Heft fallenzulassen kann für manche jüngere Schüler schon eine grosse Leistung sein. 

I often give a listening assignment, asking students to listen for dynamic contrasts, articulation, hand balance. It’s also possible to give each student a separate task - including the observation of the performer’s hand position and posture - and have everybody “report” at the end. Students realize that certain challenges are the same, even if the pieces are different. Sharing practice suggestions is welcome, and discussions between people who have played the same piece can be very inspiring.  

Oft stelle ich eine Höraufgabe, bei der die Schüler auf dynaische Kontraste, Artikulation, Differenzierung von Melodie und Begleitung achten sollen. Manchmal bekommt jeder eine andere Aufgabe - einschliesslich der Beobachtung von Hand- und Körperhaltung, und erstattet am Ende Bericht. Die Schüler erkennen, dass die Aufgaben und Schwierigkeiten trotz unterschiedlicher Stücke die gleichen sind. Übetips werden ausgetauscht, und es gibt aufschlussreiche Diskussionen zwischen Schülern, die dasselbe Stück spielen.   

Each month, there are three classes, according to age groups: elementary school children, teenagers and adults. Levels of playing vary, however, and I think that’s an inspiring aspect. The beginners get a sense of what’s possible and where they’re going. More advanced students are reminded of their own beginnings. They realize how far they’ve come, they get a chance to share their own expertise and contribute to the progress of their fellow students.

Es gibt jeweils ein Vorspieltreffen für die Grundschüler, Tennager, und für die Erwachsenen. Trotzdem ist das Niveau unterschiedlich, und das erweist sich als anregend. Die Anfänger bekommen einen Eindruck davon, wo die Reise hingeht. Fortgeschrittenere Schüler sehen auf die eigenen Anfänge zurück, stellen fest, wie weit sie gekommen sind, machen Vorschläge aus der eigenen Erfahrung und tragen so zum Fortschritt der Anfänger bei.

The adult group covers the whole range from beginners to advanced. “When we first came together, I was simply blown away by the repertoire, how difficult this was, and how anyone could possibly play this,” one of the adult beginners recently commented on an advanced student’s playing. “Last time though, I could actually hear what the two of you were working on, details of articulation and shaping, balance between voices, and I realized what a difference it made.” She is learning to listen to someone else’s playing, with open ears and awareness, and without that, there is no way of improving your own playing, regardless of the level.

At the adult performing class/ Vorspielstunde der Erwachsenen

Vor allem in der Erwachsenengruppe sind die Unterschiede gross, vom Anfängerstadium bis zum Fortgeschrittenen. “Als wir uns zuerst getroffen haben, war ich immer völlig überwältigt von der Schwierigkeit des Repertoires, wie jemand überhaupt so etwas spielen konnte,” sagte mir eine erwachsene Anfängerin neulich über das Spiel einen fortgeschrittenen Schülers. “ Beim letzten Treffen habe ich auf einmal gehört, woran ihr gearbeitet habt, Details in Artikulation und Phrasierung, Hervorheben einzelner Stimmen, und mir wurde klar, wieviel Unterschied das macht.” Sie lernt, einem anderen Spieler bewusst zuzuhören, und ohne diese Fähigkeit ist auch keine Verbesserung des eigenen Spiels möglich, ganz unabhängig vom Schwierigkeitsgrad der Musik.

In addition to performing, students often play together at the classes. Four people can play a simple round with one hand at one piano. To start with they have to pick it up by ear, which provides ear training and a chance to review intervals at the same time. Someone can write it down on the whiteboard, the others have to keep checking if it’s correct. As soon as there is a mistake, the next person takes a turn. 

Playing a round in 4 parts/ Vierstimminger Kanon

Oft spielen die Schüler in der Gruppenstunde auch zusammen. Vier Leute können durchaus an einem Instrument einen einfachen Kanon mit einer Hand spielen, den sie vorher nach Gehör gelernt haben. Gleichzeitig wiederholt man dabei die Intervalle. Einer kann die Noten an der Tafel aufschreiben, und die anderen müssen aufpassen, ob alles stimmt. Sobald etwas schiefgeht, ist der nächste an der Reihe.

With one person at the piano, one person at the white board, and everybody else listening and guessing, you can figure out “mystery” song and find out how difficult this is without the rhythm: 

Example: Key of C-major, starting point: G - same note - second up - second down - third up, second down etc (Happy Birthday)  Whoever recognizes the song first can choose and present the next one.  Filling in the correct rhythm on the white board is an additional challenge that usually requires the joint efforts of the entire group.

Mit einem Schüler am Klavier, einem an der Tafel und einem oder mehreren Zuhörern kann man Lieder raten, und gleichzeitig feststellen, wie schwer das ohne Rhythmus ist. Beispiel: In C Dur ist der Anfangston G, Tonwiederholung, Sekunde aufwärts, Sekunde abwärts, Terz aufwärts, Sekunde abwärts etc. (Happy Birthday) Wer das Lied zuerst erkennt, darf das nächste aussuchen und vorstellen. An der Tafel den richtigen Rhythmus einzutragen ist eine zusätzliche Herausforderung, die meist die ganze Gruppe beschäftigt.

Whiteboard / Notentafel

It’s easy to make up or improvise pieces that consist of patterns stacked on top of each other.  

Es ist nicht schwer, Stücke zu erfinden, bearbeiten oder zu improvisieren, die aus einzelnen Klanggestalten bestehen, die man variabel zusammenstellen kann.

While the monthly class may be the backbone of the community experience, it is not the only element. Every month, I write the “studio news” to inform students and parents about important dates - classes, recitals, auditions, concerts, and topics of general interest, like our system of “practice points.” 

Die monatliche Gruppenstunde ist wahrscheinlich das Rückgrat der Gemeinschafterfahrung, aber andere Dinge kommen hinzu. Jeden Monat schreibe ich einen Rundbrief, um organisatorische Dinge zu regeln, Schüler und Eltern auf wichtige Veranstaltungen und Konzerte hinzuweisen, oder auch generelle Themen anzusprechen, wie die “Übepunkte.”

Children and teenagers get a practice point for each day of practicing they have checked off in the chart in their assignment book. There may be extra points for additional special assignments. For 20 points you get a certificate, for 100 you get a little gift. The total is listed on a chart on the wall of my studio, that is updated every week. It also includes attendance at performance classes, recitals and “special projects” - like playing piano in the Jazz Band of your school. 

Die Kinder und Jugendlichen bekommen einen Punkt für jeden Tag, den sie auf ihrer Tabelle im Aufgabenheft abgehakt haben. Für besondere Aufgaben gibt es manchmal Sonderpunkte. Für 20 Punkte bekommt man eine “Urkunde,” für 100 ein kleines Geschenk. Die grosse Tabelle an der Wand in meinem Unterrichtszimmer wird jede Woche auf den neuesten Stand gebracht. Dort ist auch die Teilnahme an Gruppenstunden, Konzerten und besonderen Projekten wie die Mitwirkung in der Jazzband in der Schule verzeichnet. 

It was meant to be a means for the students to keep track of their practicing and learning when I started it, rather than a competition. Students do take notice where they are, though, and exceptional accomplishments yield comments: “What do you do when someone reaches 200 points?” I was asked recently. I’ll have to start a second line - it will happen soon, and chances are it will happen more than once!

Practice Chart in the studio / Uebetabelle im Studio

Eigentlich sollte es nur ein Mittel sein, das den Schülern einen Überblick über ihr Üben geben sollte, und kein Wettbewerb. Allerdings stellen die Schüler doch fest, wer wie weit ist, und Aussergewöhnliches erregt Aufsehen: “Was machst Du denn, wenn jemand 200 Punkte hat und die Reihe ist voll?” wurde ich neulich gefragt. Ich werde für den Schüler eine zweite anfangen müssen - wahrscheinlich bald, und wahrscheinlich für mehr als einen.

Duets and ensembles are great, but coordinating different schedules often poses huge obstacles. With a minimum of time that has to be spent together, story suites and theme recitals give students a chance to feel as part of a group. It also directs focus towards the common project rather than the individual student, and it can be an excellent means to reduce stage fright. The students have to learn their pieces, and the story or the theme holds the program together. A few simple props, accessories, costumes make all the difference, and one dress rehearsal is usually enough to throw it all together - occasionally, you can even get away without it. 

Vierhändigspielen und Kammermusik sind hervorragend geeignet, Gemeinschaft zu fördern, scheitern aber oft an organisatorischen Schwierigkeiten. Viel weniger Zeit muss für “Kaviergeschichten” und themenbezogene Vorspiele aufgewendet werden. Natürlich ist es nicht das gleiche wie musikalisches Zusammenspiel, es vermittelt den Schülern aber ebenfalls die Erfahrung, an einem Ganzen mitzuwirken das bedeutender ist als der eigene Vortrag. Häufig trägt dies auch dazu bei, Lampenfieber zu verringern. Die Schüler müssen ihre Stücke lernen, die Geschichte oder das Thema verbinden die Programmpunkte. Einige wenige einfach Kostüme und Requisiten machen viel aus, und in einer Probe lässt sich meist alles zusammenfassen - gelegentlich kommt man sogar ohne davon.

The repertoire of story suites is abundant, but if you don’t find anything suitable, you might as well make up your own, or have the students do it, just by asking them to invent a story connecting different pieces from their own repertoire. With simple means and a little imagination, many things are possible.

Verfügbares Material ist reichlich vorhanden, und wenn man nichts Passendes findet, kann man leicht selber etwas zusammenstellen, oder die Schüler eine Geschichte erfinden lassen, die von Stücken aus ihrem Repertoire illustriert wird. Mit einfachen Mitteln und ein wenig Fantasie lässt sich viel ausrichten.

In one-on-one lessons, the relationship between the student and the teacher is at the core of the learning process. Anything that creates connection beyond that relationship builds community - a learning community, when students play together or hear each other play, a sharing community, when students go out to play for an audience and share what they’ve learnt through their lessons and in their practicing. Music brings joy, and joy easily withers if there is no chance to share it.

Kernstück des Einzelunterrichts ist die Beziehung zwischen Schüler und Lehrer. Alles was darüber hinaus Verbindungen schafft, bildet Gemeinschaft - eine Gemeinschaft von Schülern, die mit- und voneinander lernen, eine Gemeinschaft von Lernenden, die im Spiel fuer ein Publikum die Freude über das Gelernte mit anderen teilen. Musik bringt Freude, und Freude verdirbt leicht, wenn man keine Chance hat, sie mitzuteilen. 

A Very Special Concert / Ein ganz besonderes Konzert

Steinway Hall in New York City was closed to the general public on Thursday evening, but a selected audience was admitted to the rotunda to hear a very special concert. Signs had been posted on the door, informing everyone that their picture might be recorded and appear in public. Several people who looked very professional were running around carrying big movie cameras on their shoulders, and one camera was mounted in the back between the rows of chairs.  

A beautiful concert grand had been positioned by the window facing the street, personally chosen by the evening’s performer, Seymour Bernstein, who sat next to it, preferring the company of the film crew and the audience to the solitude of the Green Room before his recital.

Actor Ethan Hawke, who led through the event, welcomed everybody and told us about his chance encounter with Seymour, the dinner invitation at a friend’s house, where they had “hit it off.” At the time, Ethan had been plagued by crippling stage fright, and started to question his profession and the art which he had loved and been committed to ever since he was twelve. “Over my head in a midlife crisis, I ran into this piano teacher, who told me all these things about the integrating powers of musical practicing and performing, how it teaches you to make connections between emotion, reason and physicality, and how everything you learn in music can be transferred into real life.” 

At the time, neither Ethan nor Seymour knew who the other was - they googled each other, stayed in touch, and Ethan hatched the plan to shoot a documentary about Seymour, and his idea of music as an integrating force in human life. 

All this happened a little more than a year ago. In the meantime, the documentary is well on its way - several interview sessions have been filmed, a master class at New York University, and now everything had been set up for Seymour to play his first recital in 35 years. 

Wanting more time to write and compose, and disillusioned by the corruption and recklessness that seemed to determine the world of the “music business,”  he had ended his performing career when he was 50. Listening to the CDs he has released of some of these performances, the recordings he has put on Youtube in the meantime, and the way I’ve heard him play at lessons or master classes, I’ve always regretted that I didn’t know him back then. What a treat to get the chance to attend a live performance now.

Already with the first piece, James Friskin’s arrangement of Bach’s Chorale “Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit” (God's time is the very best time) Seymour took us to a different place, and out of time altogether. The voices sang, and the colors of sound made you forget that you were listening to a piano. Be it the trust that speaks through Bach’s music, the sparkle and transparency of a Scarlatti Sonata,  the mystery in the third movement of Schumann’s Fantasy op 17,  the longing in Brahms’ Intermezzo op 118 No 2, every note was rooted in personal feeling and deep conviction. It was the result of the artist’s connection to the music and to his own emotional world, coming to life through his hands. A personal, authentic voice spoke through the interpretation, formed through the experience of a life time. The program ended with one of Seymour’s own compositions, the “Birds,” colorful and imaginative miniatures originally written for children. 

After the musical part of the program, the audience had the opportunity to ask questions, share comments and observations. The integrative powers of music that can make us better people sometimes seem to fail when confronted with real life. Some great artists put a lot of effort into separating their art from the rest of their lives. Other aspects come in, self-respect, the way you use, and treat your talent. While we tried to put it into words, the most convincing answer to the questions about truth and authenticity that Ethan had mentioned in his opening words lay in the music itself, and in Seymour’s playing.

Steinway Hall in New York City war am letzten Donnerstag abend für die Öffentlichkeit geschlossen, aber ein ausgewähltes Publikum wurde in die Rotunda eingelassen, um ein ganz besonderes Konzert zu hören.  Schilder an der Tür machten darauf aufmerksam, dass Aufnahmen gemacht und veröffentlicht werden könnten. Einige sehr professionell aussehende Leute liefen mit Filmkameras herum, und eine Kamera war zwischen den letzten Stuhlreihen aufgebaut.

Ein schöner Konzertflügel stand vor dem Fenster zur Strasse, von Seymour Bernstein, dem Interpreten des Abends persönlich ausgesucht. Er schien die Gesellschaft des Publikums und der Filmcrew der Einsamkeit des Künstlerzimmers vorzuziehen, und wartete neben dem Instrument auf seinen Auftritt.

Durch das Programm führte der Schauspieler Ethan Hawke, der das Publikum mit der Geschichte von seiner Zufallsbegegnung mit Seymour begrüsste - bei einer Einladung zum Abendessen im Haus eines Freundes hatten sie sich kennengelernt und eine gemeinsame Sprache gefunden. Ethan erzählte , wie er zu dieser Zeit mit quälendem Lampenfieber zu kämpfen hatte, und begonnen hatte, seinen Beruf und die Kunst, die er von Kind an ausgeübt und geliebt hatte, in Frage zu stellen. “Ich stecke bis über beide Ohren in einer midlife-crisis, und da begegnete mir dieser Klavierlehrer, der von der integrierenden Kraft musikalischen Übens sprach. Er beschrieb wie es lehren kann, Verbindungen zwischen Verstand, Gefühl und körperlicher Bewegung herzustellen, und wie alles, was man in und durch Musik lernt, auf den Rest des Lebens übertragen werden kann.”

Als Ethan und Seymour sich trafen, wusste keiner von beiden, wer der andere war - es folgten einige Internet- Recherchen, man blieb in Verbindung, und dann hatte Ethan die Idee, über Seymour und seine Vorstellung von Musik als integrierender Kraft im menschlichen Leben einen Dokumentarfilm zu drehen.

  

Das alles geschah vor mehr als einem Jahr. Inzwischen ist der Dokumentarfilm im Entstehen begriffen, verschiedene Interviews sind gefilmt worden, eine Meisterklasse and der New York University, und nun war alles bereit für Seymours erstes Konzert seit 35 Jahren.

Desillusioniert von der Korruption und Rücksichtslosigkeit die die kommerziellen Aspekte des Musiklebens bestimmten, hatte ihn sein Bedürfnis zu schreiben und zu komponieren dazu geführt, mit 50 Jahren seine Konzerttätigkeit zu beenden. Nachdem ich CDs von diesen Live-Auftritten, Youtube Aufnahmen und sein Spiel bei Meisterklassen gehört hatte, hatte ich immer bedauert, ihn damals noch nicht gekannt zu haben, und freute mich sehr über die Möglichkeit, nun einem "echten" Konzert beiwohnen zu können.

Schon mit dem ersten Stück, James Friskin’s Bearbeitung von Bach’s Choral: “Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit” liess Seymour uns Ort und Zeit vergessen. Die einzelnen Stimmen sangen, und er zauberte einen Reichtum an Klangfarben aus dem Instrument, die man einem Flügel kaum zugetraut hätte. Sei es das Vertrauen, das aus Bachs Musik spricht, Glanz und Durchsichtigkeit einer Scarlatti Sonate, das Geheimnisvolle im 3.Satz von Schumanns Fantasie op 17, die Sehnsucht in Brahms’ Intermezzo op 118/2, jeder Ton hatte seinen Ursprung in persönlichem Gefühl und tiefer Überzeugung. Es war das Resultat der Verbindung zwischen dem Künstler, seinem Gefühlsleben und der Musik, die durch seine Hände auf der Tastatur lebendig wurde. Eine authentische, persönliche Stimme, geformt durch die Erfahrung eines ganzen Lebens, kam in der Interpretation zum Ausdruck. Das Programm endete mit eine Komposition von Seymour Bernstein, den “Birds”, farbige und einfallsreiche Miniaturen, die verschiedene Vögel charakterisieren, ursprünglich für Kinder geschrieben.

Nach dem musikalischen Teil des Programms hatte das Publikum Gelegenheit, zu Fragen und Kommentaren. Die integrativen Kräfte der Musik, die uns zu besseren Menschen machen können, versagen manchmal, wenn sie mit dem “wirklichen” Leben zusammentreffen. Manche grossen Künstler geben sich alle Mühe, ihre Kunst vom Rest ihres Lebens fernzuhalten. Andere Aspekte kommen hinzu, Selbstachtung, die Art und Weise, wie jemand mit seiner Begabung umgeht. Wir versuchten, die Antwort zu Ethans Fragen nach Authentizität und Wahrheit in Worte zu fassen, aber die überzeugendste Antwort lag in der Musik selber, und in Seymours Spiel. 

Happy Spring

It's the same show every year,

but you wouldn't want to miss it!

March Moon over Manhattan


Happy Spring!

The Bears are coming - Spring can't be far

Five years ago, the Canadian publisher “Oceanna Music”   published my story suite “A Bear for Emily.” The artist Jessica Hiemstra-van der Horst  drew delightful illustrations to the music and the story that I had written, and I was really happy that the book came out so beautifully, and that it was now available to the public. 

Unfortunately, the bear has been having trouble finding its destination outside of Canada. Some of my students in Concord ordered the book right after it came out. After a considerable amount of time, a few got exactly what they had ordered, some got more, others got fewer copies - some got nothing at all. 

That fall I held a presentation about story suites at a teachers’ meeting, and I wanted to take some books along. About a month before the event, I asked for twenty copies. By the time I got them, winter had passed, the trees were in blossom, and my presentation was history. Maybe the bears failed to apply for a group visa, and were delayed at the border.

Last October, my supplies were down to a single copy. I decided to be modest this time, and ordered five books. “Five Bears coming right up,” was the prompt reply. That was the last thing I heard. No bears arrived. After I moved to Maplewood, I had notified the publisher of my change of address and asked for a confirmation. I never received a reply, although I had asked for it, so I wondered whether the bears had lost their way and were heading for New Hampshire - it’s closer to Canada, too. My inquiry remained unanswered.

Towards the end of February I wrote to the publisher: “Did the bears go into hibernation? They still haven’t arrived. Please, advise.” Last Saturday, a large envelope arrived, containing five “Bears for Emily.” Spring can’t be far off now. 

Vor fünf Jahren veröffentlichte der kanadische Verlag “Oceanna Music” meine Klaviergeschichte : Ein Bär für Emily.” Zusammen mit den Illustrationen von Jessica Hiemstra-van der Horst wurden die Musik und die Geschichte, die ich geschrieben hatte, zu einem schönen Heft, und ich freute mich, dass es nun erhältlich war.

Unglücklicherweise hat der Bär ausserhalb Kanadas offenbar Orientierungsschwierigkeiten. Einige meiner Schüler in Concord bestellten das Heft direkt nach Erscheinen. Mehrere Wochen gingen ins Land, und dann bekamen einige genausoviele Exemplare wie sie bestellt hatten, andere bekamen mehr, andere weniger bzw. gar nichts. 

Ich sollte einen Vortrag über Klaviergeschichten bei einer Lehrerversammlung halten und wollte einige Hefte mitnehmen. Etwa einen Monat vor dem Termin bestellte ich 20 Stück - das war im Herbst. Als ich sie bekam, war der Winter vorbei, die Bäume standen in voller Blüte, und mein Vortrag war bereits Geschichte. Vielleicht hatte man ja vergessen, ein Gruppenvisum für die Bären zu beantragen, und sie wurden an der Grenze aufgehalten.

Letztes Jahr im Oktober waren meine Vorräte bis auf ein Exemplar zusammengeschrumpft. Ich beschloss, dieses Mal bescheiden zu sein und bestellte fünft Hefte. “Fünf Bären machen sich umgehend auf den Weg,” war die prompte Antwort vom Verlag. Das war das letzte, was ich hörte. Von den Bären keine Spur. 

Nachdem ich nach Maplewood gezogen war, hatte der Verlag meine Adressenänderung nie bestätigt, obwohl ich ausdrücklich darum gebeten hatte. Ob die Bären wohl auf dem Weg nach New Hampshire waren, fragte ich mich - näher an Kanada wäre das auch. Meine Nachfrage beim Verlag blieb unbeantwortet.

Ende Februar schrieb ich an den Verlag “Sind die Bären im Winterschlaf? Sie sind immer noch nicht angekommen. Bitte schreibt mir, was ich tun soll.” 

Letzten Samstag war ein grosser Umschlag in der Post. Er enthielt fünf “Bären für Emily.” Der Frühling kann jetzt nicht mehr weit sein.