Music and people hold my life together. I describe experiences, discoveries and insights, often connected with music and with teaching and playing piano. The blog is a way to stay in touch with friends, and may also be food for thought for anyone else, especially people connected with music and the piano/
Musik und Menschen halten mein Leben zusammen. Ich beschreibe Erfahrungen, Entdeckungen und Einsichten, oft in Zusammenhang mit dem Klavierspiel und dem Klavierunterricht.
In November 2021, pianist Liz Wolff played one of the first live recitals in the concert series of the Leschetizky Association after the break inflicted on in-person activities by the Covid 19 Pandemic. The program was called “Beethoven in C” and featured the sonatas op 10 No 1 in C-minor, the Waldstein Sonata op 53 in C-major, and the last sonata, No 32 op 111 in C-minor.
Liz was playing, I was turning pages, and Joe Patrych was running the live-stream. President Zelma Bodzin welcomed the audience on the internet, and the small audience that had gathered at TENRI, the regular concert venue of the Leschetizky Association. We were only a handful of people, but it felt so good to be together again.
After the concert, we talked about all the festivities in honor of Beethoven’s 250th birthday in 2020 that had been cancelled due to the Pandemic. I remembered the two Piano Sonata Marathons organized by WQXR in 2012 and 2015 that I had attended as an audience member, beginning to end. There is nothing like going home late at night with the beautiful music still playing in your head that you’ve listened to all day. “Your recital was a summary, “ I said to Liz, “ if we invite everyone to participate, can we fill in the blanks between the three sonatas ?”
The idea of a Beethoven Piano Sonata Marathon was approved by the Board, and presented to the members of the Leschetizky Association in July of this year. The first enthusiastic responses came in on the day the invitation went out. In all, 23 members expressed interest in participating. Unfortunately, not everyone was able to commit to the date of the event: December 17, the day after Beethoven’s birthday. 16 pianists will perform 26 of the 32 piano sonatas by Ludwig van Beethoven in 5 concerts throughout the day. The event will take place at Klavierhaus, 790 11th Ave (between 53rd and 54th street) in New York City.
Presenting the sonatas in the order in which they were composed would have resulted in large gaps between performances for some of the participants. Instead, we decided to follow the idea of WQXR’s second marathon. With the first sonata at the beginning of the day, and the last one at the end, each of the five concerts will feature sonatas reflecting the different time periods of Beethoven’s creative process.
If you live in the NYC area and would like to attend the event in person, please sign up to reserve your seat. Admission is free, but space is limited. Please visit Eventbee.com and scroll down on the home page to find the “Find Event” button. Type in “Beethoven Sonata Marathon” and the list of concerts will come up. Please register for each concert you wish to attend and print out your confirmation email to present at the door. Masks and vaccinations are recommended.
And if you live too far to travel, or if you’re not comfortable attending in person, you can watch the live-stream on the YouTube channel of Klavierhaus
We are very grateful to Klavierhaus for donating the space and the use of their magnificent concert piano, to their staff, especially James Wu, for their support and creative ideas, to Joe Patrych for running the live stream and to Manuel Buri for keeping the piano in tune.
The musicians performing in this event hail from different walks of musical life. Some perform, others teach, still others make a living in non-musical professions and dedicate a considerable amount of their spare time to preparing for performances on a high level.
Love of music brings us together, joy, and gratitude for being alive to share music that sustained us duringthe challenges of the Pandemic.
Program of the Piano Sonata Marathon: (Click on each image to enlarge) (Zum Vergrößern Bilder anklicken)
Beethoven Klaviersonaten Marathon der Leschetizky Association
Im November 2021 spielte die Pianistin Liz Wolff eins der ersten Konzerte vor Publikum in der Konzertreihe der Leschetizky Association nach der von der Pandemie erzwungenen Pause. Das Thema des Konzerts war: “Beethoven in C.”Auf dem Programm standen die Klaviersonaten op 10 No 1 in c-moll, die Waldstein Sonate op 53 in C-Dur und die letzte Sonate, No 32 in C-moll op 111.
Liz spielte, ich blätterte um, und Joe Patrych betreute die live Übertragung auf dem Internet. Zelma Bodzin, die Vorsitzende der Gesellschaft, begrüsste das Publikum an den Bildschirmen und die Handvoll Leute im Saal - es waren fünf oder sechs, aber es war so wohltuend, wieder unter Menschen zu sein.
Nach dem Konzert unterhielten wir uns über Beethovens 250. Geburtstag im Jahr 2020 und all die Veranstaltungen, die wegen der Pandemie abgesagt werden mussten. Mir fielen die beiden Beethoven-Klaviersonaten Marathons ein, die New Yorks Klassiksender WQXR 2012 und 2015 veranstaltet hatte. Beide Male war ich von Anfang bis Ende im Publikum dabei. Das Hochgefühl, mit dem ich spät abends zum Bus ging, den Kopf voll von der wunderbaren Musik, die ich den ganzen Tag gehört hatte, kann ich noch sehr gut nachvollziehen. Dein Konzert war eine Zusammenfassung, sagte ich zu Liz. Wenn alle mitmachen, können wir dann wohl die Lücken zwischen den drei Sonaten füllen?
Der Vorstand stimmte der Idee zu, und im Juli wurde der Vorschlag für einen Beethoven-Klaviersonaten-Marathon den Mitgliedern unterbreitet. Noch am selben Abend kamen die ersten begeisterten Rückmeldungen. Insgesamt wollten 23 Mitglieder mitmachen. Leider passte das Datum nicht allen: Samstag, 17.12.2022, der Tag nach Beethovens Geburtstag. In fünf über den Tag verteilten Konzerten werden 16 Pianisten 26 der 32 Klaviersonaten aufführen.Veranstaltungsort ist Klavierhaus, 790 11th Ave (zwischen 53. und 54. Strasse) in New York City.
Die Sonaten in der chronologischen Reihenfolge ihrer Entstehungszeit zu präsentieren hätte für einige der Ausführenden zu langen Wartezeiten zwischen Auftritten geführt. Aus diesem Grund haben wir uns entschlossen, dem Modell des 2. Klaviersonaten- Marathons von WQXR zu folgen. Mit der 1. Sonate op 2 No 1 am Anfang des Tages, und der letzten, No 32 op 111 am Ende, präsentiert jedes der fünf Konzerte einen Querschnitt durch die verschiedenen Schaffensperioden Beethovens.
Wenn Ihr in New York City und Umgebung wohnt, dann kommt doch persönlich vorbei. Einen Platz könnt ihr kostenlos bei Eventbee.com resevieren. Gebt am Ende der Homepage bei “Find event” Beethoven Sonata Marathon ein; dann kommt ihr zur Liste der Konzerte. Jedes Konzert muss einzeln reserviert und die Bestätigung am Eingang vorgezeigt werden. Der Eintritt ist frei, aber die Zahl der verfügbaren Plätze ist begrenzt. Mundschutz und Impfung werden empfohlen.
Und wenn Ihr zu weit entfernt seid, könnt ihr trotzdem dabei sein. Alle fünf Konzerte werden auf dem Youtube Kanal von Klavierhaus live übertragen.
Klavierhaus stellt uns großzügigerweise seine Räumlichkeiten und den Konzertflügel zur Verfügung. Dafür, sowie für die tatkräftige Unterstützung bei der Vorbereitung und Durchführung dieser Veranstaltung durch das Personal, insbesondere durch James Wu, sind wir sehr dankbar. Herzlichen Dank auch an Joe Patrych für die Betreuung des Live-Streams, und Manuel Buri, der für die Stimmung des Flügels sorgen wird.
Die Musiker, die in dieser Veranstaltung auftreten, kommen aus verschiedensten Bereichen des Musiklebens. Einige verfolgen Konzertkarrieren, andere unterrichten, wieder andere arbeiten in Berufen, die nichts mit Musik zu tun haben und verbringen einen grossen Teil ihrer Freizeit damit, Auftritte von hohem Niveau vorzubereiten.
Uns alle verbindet die Liebe zur Musik, und Freude und Dankbarkeit, am Leben zu sein und Musik anderen mitteilen zu können, die uns geholfen hat, die Schwierigkeiten der Pandemie durchzustehen.
“You’ve got to speak softly in order to attract the students’ attention” - one of our mentors in teachers’ training once told us, when we discussed methods to calm down a noisy classroom. If everybody screams at the top of their voice in the attempt to be heard, ear-splitting cacophony results. If you turn down the volume and then whisper with intensity, all goes quiet. And suddenly, you can hear what is really going on.
Igor Levit found the courage to do that, in the first complete performance of Shostakovich’s 24 Preludes and Fugues at Carnegie Hall last Tuesday, October 18. It takes about 2 1/2 hours to perform the entire cycle. For about three fourth of that, his playing hovered between pppp and mp, with all shades and colors in between. Stern Auditorium with its 2800 seats was almost sold out, and people didn’t budge as not miss a single note.
Carnegie Hall, Stern Auditorium (photo: internet)
Did those sounds really come from the piano? Or did they originate somewhere in the vast space between my seat on the balcony and the stage below, like sound particles clustering together in the performer’s imagination before the hands draw them out of the keyboard. I’ve never heard anyone play the piano like that. At times, it didn’t sound like a piano, more like some flageolet effect on a string instrument. The piano can’t really merge from silence into sound unnoticed. The impact of the hammer hitting the string always causes friction. Somehow, Levit found a way to work around that. And then there were seamless glissandos, and outbreaks of brilliant virtuosity, whenever the music called for it. At one point, that led to spontaneous applause after the end of the piece. The pianist appreciated it with graceful humor. Then, he continued, undisturbed, shaping each line of the contrapuntal fabric with attention and care to every note.
I haven’t looked at the score and I don’t claim to know these pieces very well. The first time I listened to them was this summer, before I went to Leipzig to listen to the International Bach Competition. Shostakovich’s Preludes and Fugues were part of the repertoire.
To be honest, I’ve never been particularly drawn to Shostakovich’s music. During my sabbatical in St. Petersburg in 1992/93, I got to hear many of his symphonies at the Philharmonic. Back then, I found them noisy, bombastic, in a musical language that was mostly tonal with a lot of “wrong notes” when you least expected them.
Dimitri Shostakovich 1950 (photo: internet)
The Preludes and Fugues were a surprise. There are many tender moments, with a lot of room for beautiful sound. For all I can tell, the counterpoint isn’t as intricate as Bach’s. Often, there appears to be more “meditation” on a subject than development. It’s like Shostakovich took Bach’s music as a point of departure and incorporated elements that have been developed since then: impressionistic effects, “dialogues” between a voice in the high treble and in the low bass. Shostakovich knew the modern piano, Bach didn’t. Using all means today’s instrument has to offer, Igor Levit did justice to both, the ancient polyphonic structure and the “sound effects.”What came out was music of deep expression and great beauty.
In the summer, I listened to recordings by Tatjana Nikolajeva, the great Russian pianist and winner of the first International Bach Competition in 1950. Shostakovich served on the jury of that competition, and, inspired by Nikolajeva’s playing, composed a cycle of 24 Preludes and Fugues in all keys of the circle of 5th, following Bach’s example of the Well-Tempered Clavier. I didn’t notice anything unusual about use of dynamics - but then, you couldn’t play the way Levit did on Tuesday on a recording. The effect wouldn’t come across. The listener would think there’s something wrong with the recording and turn up the volume, possibly to hear the music in the background while busying him/herself with some other task. To hear what’s really being said, between the lines, you have to be present, and you have to be still.
Thinking of Shostokovich’s life, I’ve started to wonder if there was a hidden message in Igor Levit’s whispered performance - an allusion to the composer’s tormented existence under the arbitrary persecution during Stalin’s regime. Speaking your true artistic mind could mean putting your life at stake. When true to himself, Shostakovich had to whisper a lot of the time.
Igor Levit, final bow after the performance (photo B.M.)
Mut zum Flüstern - Igor Levits Aufführung von Schostakowitschs 24 Präludien und Fugen in der Carnegie Hall
“Man muss leise sprechen, um die Aufmerksamkeit der Schüler zu wecken,” sagte einmal einer unserer Mentoren in der Lehrerausbildung, als wir darüber sprachen, wie man eine lärmende Klasse zur Ruhe bringt. Wenn alle schreien so laut es geht um sich Gehör zu verschaffen, ist das Resultat ohrenbetäubender Lärm. Wenn man die Lautstärke herunterfährt und dann mit Intensität flüstert wird alles still - und man kann hören, was wirklich los ist.
Igor Levit hatte den Mut dazu, in der ersten Gesamtaufführung von Schostakowitschs 24 Präludien und Fugen in der Carnegie Hall am vergangenen Dienstag, 18.10. Den gesamten Zyklus zu spielen dauert ungefähr 2 1/2 Stunden. Etwa drei Viertel der Zeit bewegte sich das Spiel des Pianisten im Bereich zwischen ppppp und mezzo piano, mit allen Zwischenstufen und Klangfarben, die man sich vorstellen kann. Der riesige Konzertsaal mit 2800 Plätzen war fast ausverkauft, und niemand rührte sich, um nur ja keinen Ton zu verpassen.
Carnegie Hall, Stern Auditorium (photo: internet)
Kamen die Töne wirklich vom Flügel, oder von irgendwo anders in dem weiten Raum zwischen der Bühne und meinem Platz auf dem höchsten Rang unter der Saaldecke ? Es war, als könnte man hören, wie sich der Klang in der Vorstellung des Pianisten formt, bevor die Hände ihn den Tasten entlocken. Noch nie habe ich jemanden so Klavier spielen hören. Manchmal klang es nicht wie ein Klavier, sondern wie ein Flageolett Effekt auf einem Streichinstrument.
Ein allmählicher Übergang von Stille zu Klang ist auf dem Klavier eigentlich nicht möglich. Der Hammer verursacht immer einen Anschlag, wenn er auf die Seite trifft. Irgendwie fand Igor Levit einen Weg aus diesem Dilemma. Und es gab übergangslose Glissandi und brillante Virtuosität, wenn die Stücke sie erforderten. Einmal gab es dafür spontanen “Szenenapplaus.” Der Pianist nahm ihn mit humorvollem Charme entgegen. Dann spielte er ungestört weiter und gab jeder Linie im Gewebe des Kontrapunkts ihre eigene Gestalt.
Ich kenne diese Stücke nicht besonders gut undhabe noch nie in Noten gesehen. Ich lernte sie erst in diesem Sommer kennen, bevor ich nach Leipzig fuhr, um mir den Internationalen Bachwettbewerb anzuhören. Schostakowitschs Präludien und Fugen gehörten zum Wettbewerbsrepertoire.
Um ehrlich zu sein, meine Begeisterung für Schostakowitschs Musik hielt sich bis dahin in Grenzen. Während meines Aufenthalts in St. Petersburg im Winter 1992/93 hörte ich mehrere seiner Sinfonien in Konzerten in der Philharmonie. Ich fand sie laut, bombastisch, vorwiegend tonal mit vielen falschen Tönen, meist wenn man sie am wenigsten erwartete.
Dimitri Schostakowitsch 1950 (photo: internet)
Auf dem Hintergrund dieser Erfahrung waren die Präludien und Fugen eine Überraschung. Es gibt viele zarte Momente, Nachdenklichkeit, viel Platz für klangvolles Spiel. Mir scheint, als wäre der Kontrapunkt nicht so kompliziert und komplex bei Bach, mehr “Meditation” über das Thema als Entwicklung; so, als hätte Schostakowitsch Bachs Musik als Ausgangspunkt genommen und Elemente mit einbezogen, die erst später ihren Weg in die Musik fanden: impressionistische Klangeffekte; interessante “Dialoge” zwischen Stimmen im hohen Diskant und tiefen Bass. Schostakowitsch kannte das moderne Klavier und hatte Möglichkeiten, die Bach nicht zur Verfügung standen.
Igor Levit wurde beiden Aspekten gerecht, der alten polyphonen Struktur und den neuen Klangeffekten. Das Resultat war Musik von tiefem Ausdruck und grosser Schönheit.
Ich lernte die Stücke zuerst in Aufnahmen von Tatjana Nikolajewa kennen, der grossen russischen Pianistin, die 1950 den ersten Internationalen Bachwettbewerb in Leipzig gewann. Schostakowitsch war Mitglied der Jury in diesem Wettbewerb. Inspiriert von Nikolajewas Spiel, schrieb seine 24 Präludien und Fugen in allen Tonarten des Quintenzirkels nach dem Vorbild von Bachs “Wohltemperiertem Klavier.”
Als ich die Aufnahmen von Tatjana Nikolajewa hörte, fand ich nichts Auffälliges in Bezug auf die Dynamik. Aber den Effekt von Igor Levits “geflüstertem” Spiel am letzten Dienstag könnte man auf einer Aufnahme kaum wiedergeben.Die Hörer würden denken, irgendwas stimmt nicht, man muss die Lautstärke aufdrehen, damit man die Musik auch noch hören kann, wenn man sich daneben mit irgendwas anderem beschäftigt.
Um zu hören, was wirklich gesagt wird, zwischen den Zeilen, muss man vollkommen präsent sein, und still.
Ich habe über Schostakowitschs Leben in Stalins Russland nachgedacht, über die Willkür, mit der das Politbüro Künstler gnadenlos verfolgte, deren Werke nicht mit der gerade propagierten Parteilinie übereinstimmten.Mehr als einmal fand sich der Komponist im Kreuzfeuer der Kritik und fürchtete um sein Leben. Um sich als Künstler treu zu bleiben, musste er oft genug flüstern - eine stille Botschaft, die vielleicht hinter von Igor Levits Spiel stand ?
Igor Levit, letzte Verbeugung nach dem Konzert (photo B.M.)
Steve Sandbergand I know each other from Seymour Bernstein ’s studio, where we both turned to improve our skills as pianists.Musically, we follow slightly different paths. My focus is on the classical repertoire. While trained in that, Steve goes beyond. A performer as well as an improviser and composer, he is familiar with a wide range of music from Jazz to Indian Ragas. He often uses classical repertoire as a point of departure that inspires him to follow his own path, using the musical language of different traditions, creating “World Classical Music,” as he calls it.
Steve Sandberg and Tobias Meinhardt
At Saturday night’s concert, Steve collaborated with Tobias Meinhardt , Saxophone. The recital took place at the Soapbox Galleryin Brooklyn, a lovely, intimate space that brings together music and visual art in the most appealing way. Jimmy Greenfield, the owner, has kept it open throughout the Pandemic, giving many musicians a chance to continue performing while being live-streamed throughout the world.
I’ve watched a couple of the live-streams, and they’re great, but after two years on the internet, I’m “streamed out,” yearning to hear live music again. What a treat to sit in the second row of the concert space and actually feel the vibrations of the saxophone and the magnificent concert grand.
Steve’s comments guide the audience through the program more vividly than any list on a printed sheet of paper ever could. Every piece relates to a topic that Steve has been pursuing for some time: the world of dreams. The concert features original compositions by the two performers, as well as music by other composers, from J.S. Bach to Billy Strayhorn.
Steve’s “dream music” is based on the scenarios and storylines of dreams, some of his own, some shared with him by other people.
A “royal theme” opens the “dream” piece about a visit to the court of the king. As the music develops, the imagine of the marble baths at the palace and the park with the lake that becomes a river, that becomes an ocean rises up in my mind, just as Steve has described them.
Different dreams yield different music. Tobias’ composition “Dreams” is energetic and driven. A diaolgue ensues between extended solos of the two instruments. The unpredictability of the course keeps the adventure exciting. It ends abruptly, both instruments perfectly synchronized. Even the gallery dog joins in the enthusiastic applause.
Billy Strayhorn ca 1947, photo by William C. Gottlieb
Billy Strayhorn was an American Jazz pianist and composer who closely cooperated with Duke Ellington for nearly three decades. Strayhorn’s piece Isfahan is part of the“Far East” Suite, a musical reflection of the State Department tour of the Middle East
that Ellington’s orchestra undertook in 1963.There’s a mysterious touch to “Isfahan”, though, because the piece was composed in anticipation of the trip, before the composer even saw the city.
I catch on to a scrap of a tune and follow it, as the saxophone and the piano run with it and take it to different places. It feels a little bit like a mind-music roller coaster ride. At some point, after quite some time, I find myself at the beginning again, before the music fades out in an elegant final arpeggio.
Isfahan
This is real playing, playing from the heart. Being in the music, becoming the music without restraint or self-consciousness. The joy of the sound becomes the sound of joy. And at times, it is the sound of pain and confusion, raw and harsh, a quality that is rare in classical music, though you sometimes find it there, too. The music that Steve and Tobias play, and the way they play it, is real, true, authentic - that’s what makes it fascinating.
“I’m going home with a mind full of melodies,” says my friend, who accompanied me to the concert. My experience with Jazz is limited, but I feel I’ve been taken to a foreign country and listened to a language I’ve never learnt, but understood nevertheless.
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Traum-Musik, ganz wirklich: Steve Sandberg, Klavier und Tobias Meinhardt, Saxophon, in der Soapbox Gallery in Brooklyn, NY
Steve Sandberg und ich kennen uns über Seymour Bernstein ’s studio - uns beide zog es dorthin, um unser Klavierspiel zu verbessern. Musikalisch gehen wir unterschiedliche Wege. Mein Schwerpunkt liegt auf dem klassischen Repertoire, Steve’s geht darüber hinaus. Auf dem Hintergrund seiner klassischen Ausbildung als Pianist hat er sich ausserdem ausgiebig mit verschiedensten musikalischen Stilrichtungen befasst, vom Jazz bis zu indischen Ragas. Er ist nicht nur Interpret, sondern auch Improvisator und Komponist. Oft benutzt er klassische Klaviermusik als Ausgangspunkt und entwickelt von da aus seine eigene Sprache unter Benutzung verschiedenster musikalischer Traditionen. Er bezeichnet sie gerne als “ Klassische Welt-Musik.”
Steve Sandberg and Tobias Meinhardt
Im Konzert am Samstag Abend spielte er zusammen mit dem Saxophonisten Tobias Meinhardt.Veranstaltungsort war die Soapbox-Gallery in Brooklyn, ein einladender, freundlicher Raum, der in geschmackvoller Weise Konzertsaal und Kunstgalerie verbindet. Der Initiative und dem Einsatz von Inhaber Jimmy Greenfield ist es zu verdanken, dass der Konzertbetrieb während der gesamten Pandemie weitergeführt werden konnte. Zahlreiche Musiker bekamen Gelegenheit zu Auftritten, die über Live-Stream in die ganze Welt übertragen wurden.
Viele dieser Übertragungen habe ich mir angesehen, aber nach zwei Jahren im Internet hat sich’s für mich erstmal ausgestreamt, und ich geniesse es, Musik wieder live zu hören. In der 2. Reihe kann man die Vibrationen des Saxophons und des Konzertflügels spüren und merkt erst so richtig, was man vermisst hat.
Mit anschaulichen Kommentaren führt Steve das Publikum durch das Programm. Jedes Stück hat einen Bezug zu dem Thema, das ihn schon eine Weile beschäftigt: die Welt der Träume. Eine Vielzahl von Komponisten ist vertreten, von J.S. Bach über die beiden Interpreten - Steve und Tobias - bis zu Billy Strayhorn, einem amerikanischen Jazzpianisten und Komponisten, der eng mit Duke Ellington zusammengearbeitet hat.
Steves “Traummusik” orientiert sich an Szenen und Bildern die auf Träume zurückgehen - seine eigenen, aber auch Träume von denen andere ihm berichtet haben.
Ein “königliches Thema” steht am Anfang seines Stückes über den geträumten Besuch in einem Königspalast mit edlen Marmorbädern. Geführt von der Musik entsteht in meiner Vorstellung das Bild vom Palast und dem See im Park, der zum Fluss und dann zum Meer wird, ganz so wie Steve es beschrieben hat.
Unterschiedliche Träume bringen unterschiedliche Musik mit sich. Tobias’ Komposition Dreamers stürmt vorwärts mit lebhafter Energie. Über ausgedehnten Improvisationen von Klavier und Saxophon entwickelt sich ein Dialog. Der Weg ist ungewiss, mit überraschenden Richtungswechseln- und dann ist es schlagartig zu Ende, beide Instrumente perfekt synchronisiert. Sogar der Hund des Galerieinhabers stimmt ein in den begeisterten Applaus.
Billy Strayhorn ca 1947, photo by William C. Gottlieb
Billy Strayhorns Stück Isfahan ist ein Satz aus der Far-East Suite. Die Suite geht auf eine 1963 vom amerikanischen State Departent gesponsorte Tournee von Duke Ellingtons Orchester durch den Mittleren Osten zurück. Isfahan ist allerdings vor der Reise entstanden, eine musikalische Vision einer Stadt, die der Komponist noch nie gesehen hatte.
Ich hänge mich an einen Melodiefetzen und folge ihm, auf dem Weg seiner Entwicklung durch Saxophon und Klavier, die sich anfühlt wie eine musikalische Achterbahnfahrt. Irgendwann finde ich mich am Anfang wieder,und dann verklingt die Musik in einem eleganten Arpeggio.
Isfahan
Die vollkommene Präsenz der Musiker in der Musik nimmt mich gefangen; die Fülle und der Reichtum der Klangfarben: warm, angenehm und freudig, dann wieder rauh, grob und abweisend, verwirrt und schmerzlich. Zuweilen regelrecht unschön, was von der klassichen Musik weniger vertraut ist, wenn es auch da gelegentlich vorkommt. Steve's und Tobias Musik, und die Art, wie sie sie spielen, ist immer echt, authentisch und ehrlich ist. Das macht sie so faszinierend.
“Mein Kopf schwirrt vor Melodien,” sagt eine Freundin, die mit mir im Konzert war, als wirdanach zur U-Bahn gehen.Meine Erfahrung mit Jazz ist beschrãnkt, aber es kommt mir vor als wäre ich in einem fremden Land gewesen, dessen Sprache ich nicht kenne, aber ich habe sie trotzdem verstanden.
Dear reader, In July, I went to Leipzig, Germany, to listen to the piano auditions of the 23rd International Bach-Competition. Immersing yourself in great music and fabulous performances over a couple of days is an experience that's hard to capture in words. Unfortunately, there are no recordings or live-streamings. In order to conjure up at least some of the spirit, I've included recordings of some pieces from the repertoire list of the competition. Some of the performers are participants (names are marked with *) of the competition, others are concert artists of international reputation.
The Bach Archive in Leipzig is the organizer of the competition
Auditions took place at the Music Academy in Leipzig
The young girl who enters through the stage door in the back is wearing a plain knee-length black dress and shoes of a somewhat grandmotherly fashion. She walks to the front of the stage and takes a bow. She isn’t smiling. Out of 45 young pianists who submitted recordings, only 13 have been selected for the second round of the International Bach Competition in Leipzig, Germany. She has made it, and it is no small thing. This is a serious occasion.
Olga goes to the piano. With determination, she takes out the music stand, which has been left on the grand piano for anyone choosing to play with the music - memorization is not required at the competition. There’s a closer connection to the sound, which comes directly at you without the barrier of the stand. The difference is minimal, but sensitive players are aware of it.
She sits down on the chair, lowers it as far as it will go, and bends over towards the keyboard. Her straight, dark hair falls forward and hides her face like a curtain. The teacher in me cringes. Sitting up straight is a non-negotiable requirement for all my students. How else can anyone breathe?
Glenn Gould reincarnated - the thought flashes through my mind, as she begins to play. But it’s only the posture without the musical eccentricities, though I think I do hear some humming. The playing is superb. It’s hard to translate the sound into words. The nuances are infinitely subtle. Every single note within a phrase is shaped and fits its place. At the same time, it doesn’t sound thought out or calculated. It comes naturally, the perfect sound for this unique moment in time. It has a quality that I value above all else, even beyond details of interpretation: rather than the musician playing the music, the music plays the musician.
Olga Davnis*, performing Bach's French Ouverture at the Gnessin School of Music in Moscow, February 2022
While the focus of the competition is on Bach, the repertoire list demands more than his music. In the second round, contestants are also required to choose a work from a number of Sonatas by Haydn, Mozart or Beethoven, the Preludes and Fugues by Dimitri Shostakovich, or the fugues from the piano sonatas by the Barber and Hindemith.
In the weeks leading up to the competition, I’ve listened to every piece on the repertoire list at least once; sometimes several times, in different interpretations. My least favorite piece of all is the Sonata in A-flat major Hob XVI:46 by Joseph Haydn. I probably don’t do it justice, but it feels like a random accumulation of pleasantries by Haydn, the court composer, a piece one could do well without. I hoped we wouldn’t have to listen to it all too often.
Recording of Haydns Sonata in A-flat Major XVI:36 by Lili Kraus, 1914
As it happens, Olga is the only contestant who plays the Sonata. Under her hands it becomes a different piece. Every detail has its own character. The music engages me from beginning to end.
Olga’s selection from the works of Bach are the Four Duets BWV 802-805. They are masterworks of polyphonic artistry. Two hands become two distinct personalities, independent, though closely connected. You have to be in touch with each one, while simultaneously hearing how they blend together. You also have to know what the architecture of the piece requires at any particular moment. With only two voices the structure is as transparent as a spiderweb. No lush harmonies to hide behind. The slightest slip of concentration will be exposed without mercy.
J.S. Bach, Four Duets BWV 802-805, performed by Angela Hewitt. This recording was made in 1985, after she won 1st prize at the International Bach Competition in Toronto. Angela Hewitt was chair of the jury for piano at this year's International Bach Competition in Leipzig
The effortlessness of Olga’s playing remains in stark contrast to her outward appearance.It seems like a shell she withdraws to, where she is safe with the music, and the music goes out and draws everyone in who listens. I don’t know what to think about her posture, but I do know that we haven’t heard anything like this in the three days we’ve been listening to one fabulous player after another.
“That’s a winner,” I say to my friend and namesake Birgit, who’s attending the competition together with me. We’ve been good friends ever since we attended the Musikhochschule in Cologne, Germany, in the late 1970 and early 80’s. In terms of music and style, we do have slightly different tastes.
Birgit is appalled! She can’t get over the posture, the seeming lack of contact to the audience, to the outside world, when the young Russian pianist is not playing the piano. The final round requires the performance of a concerto with an orchestra. How in all the world is she going to capture their attention?
Poster of the competition and audition schedule of the 2nd round
Jury and audience on a well-deserved break between sessions. Jury members were:
The session in the afternoon begins with Italian pianist Mattia Fusi. A mixture of after-lunchtime lull and jetlag hits me - or is it really the performance, that fails to captivate me ? It’s brilliant, clean, flaw- and, for my taste, colorless. I simply can’t connect to it. Ultimately, I’m grateful when the final applause gives me something to do, because I have trouble to keep from dozing off.
Birgit is beaming. “Now that’s the way to do it.” I fail to repress a sarcastic reply: “As far as I’m concerned, he’ll get the prize for the greatest bore.”
Canadian pianist Carter Johnson, the last contestant of the day and of the second round, is an audience favorite. His choice of repertoire is intriguing, the order in which he plays it well thought out. Shostakovich's Prelude and Fugue in a-minor are followed by Bach’s Partita in a-minor. Then, we hear Shostakovich's Prelude and Fugue in A- major, and Beethoven’s sonata in A- major op 101 concludes the program.
Dimitri Shostakovich, Prelude and Fugue op 87 No 2 in A-minor, performed by the composer
J.S. Bach Partita No 3 in a-minor, performed by Tatjana Nikolayeva, 1911
Dimitri Shostakovich, Prelude and Fugue op 87 No 7 in A-major, performed by the composer
L. van Beethoven, Sonata No 28 in A-major op 101, performed by Carter Johnson,* January 2021
He performs convincingly and with deep expression. Enthusiastic applause calls him back onto the stage after he’s already walked off, and it takes a while until we let him go. That didn’t happen to anyone else.
My friend is thrilled, but sceptic. In Carter’s entire, fantastic performance, the piece that really stood out was the Beethoven sonata, and not just because he played it last. The partita sometimes sounded a bit like Mendelssohn, Birgit says. I can relate to that impression. But if a performance speaks to my heart, I’m happy to disregard academic considerations. “This is a Bach-competition, after all,” says Birgit. “Either they’ll give him a prize or they’ll kick him out” - and this is what the jury ends up doing.
Both Olga and Mattia advance to the final round, together with Eden Agranat Meged, Israel, Matthew Figel and Katalyn Vahala from the US, and Sergi Pacheco Portales from Spain. Each performer has to present an extended solo work by Bach, and a concerto with orchestra by either Bach or Mozart. Three contestants have chosen Mozart’s concerto in E-flat major. Mattia and Olga both play Bach’s d-minor concerto . The energetic determination of the music coaxes Mattia out of his reserve. Olga once again withdraws into her protective posture, but we needn’t have worried about contact to the orchestra. The music takes over the moment she starts to play and brings everyone together.
Mattia Fusi* performs Bach's concerto in d-minor at the International Bach competition in Würzburg, Germany, 2019
Performances start at 2 pm, and by the time the last note fades, it will be 9:30 in the evening. It’s a hot day for a marathon like this, and the members of the orchestra that surrounds the soloists are wearing casual summer clothing. Is it the onset of old age that brings aspects like the symbolic value of dress to my mind? I wished they had donned concert attire for the occasion, just out of respect for the soloists…
Bach Competition, final round, concerto with orchestra. At the piano: American pianist Katelyn Valhala
The tension rises in anticipation of the jury’s decision, but the results don’t come out until shortly before the honors ceremony at Leipzig’s town hall on the following day. In the piano division, Olga is awarded first prize - she is smiling on the photo of the laureates. Mattia Fusi comes in second and he also wins the audience award. The 3rd prize goes to Eden Agranat Meged, a young pianist from Israel.
Bach, Partita No 6 in e-minor, performed by Eden Agranat Meged* at Duke's Hall, London, April 2022
“Look how music is unspoiled by national boundaries and sets such a beautiful example!” A friend of mine comments, when I post the photo of the winners on Facebook.
For the first time in the course of this week, the concert hall is almost full when we gather at the Hochschule in the evening for the final concert. It’s the only event from the competition that is recorded, to be streamed on MDR Kultur and MDR Klassik on October 4, 2022 at 8:05 pm MEZ.
We get to hear performers of the other two categories, violin and harpsichord. The order of the program is a successful mixture of continuity and contrast, starting with violinist Charlotte Spruit, Baroque violin, who won first prize, playing Bach’s d-minor concerto, and ending with Olga Davnis, performing the same concerto on the piano.Qingzhu Weng from China plays the most glorious performance of Bach’s Chaconne for solo violin that I’ve ever heard. He stands on the stage, quietly absorbed in the music that doesn’t need the support of additional gestures to reach the hearts of everyone who listens.
J.S. Bach: Sonata No 3 in C-major BWV 1005 for solo violin, Larghetto-Allegro, Qingzhu Weng*, violin, January 2022
On the following day, everyone sets out for their respective homes all over the world. Traveling can be a challenge in the aftermath of the Pandemic. United Airlines has cancelled the second leg of my flight, a direct connection from Philadelphia to New York. Instead, they’re treating me to a detour through the Midwest, with a change of planes in Chicago. Including layovers, that adds another 9 hours to the 8-hour flight from Frankfurt.
Over breakfast, my friend and I have been wondering how Olga gets home to Moscow - I doubt that there have been any direct connections from Germany since the Russian invasion of Ukraine. You probably have to go through Turkey…
As far as my trip through Chicago is concerned, I end up lucky. Customs and passport control are at the first place of entry to the United States. That means I get hold of my suitcase in Philadelphia. The immigration officials are super efficient. Two hours after the plane landed, I buy a ticket home at the railway station in Philadelphia. The train takes me to New York in a little more than an hour. Outside, the day fades with a beautiful sunset. In my mind, I hear Olga playing Bach’s d-minor concerto.
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Liebe Leser,
Im Juli habe ich mir in Leipzig die Vorspiele im Fach Klavier des 23. Internationalen Bachwettbewerbs angehört. Es ist schwer, den Eindruck dieser Tage, wo man völlig in wunderbarer Musik und hervorragendem Spiel aufgeht, sprachlich wiederzugeben. Leider gibt es keine Aufnahmen oder live-streamings der Veranstaltung. Um wenigstens ein bisschen von der Atmosphäre wiederzugeben, habe ich den Text mit Aufnahmen einiger Stücke aus dem Wettbewerbsprogramm ergänzt, die ich auf Youtube fand. Unter den Interpreten sind Wettbewerbsteilnehmer, (mit * gekennzeichnet) aber auch andere Pianisten und Pianistinnen von internationalem Ruf.
Das Bach Archiv in Leipzig ist der Veranstalter des Wettbewerbs
Austragungsort ist die Musikhochschule Leipzig
Das junge Mädchen, das die Bühne betritt, trägt ein schlichtes, knielanges schwarzes Kleid und Lackschuhe die etwas großmütterlich wirken. Sie geht zum Bühnenrand und verbeugt sich ohne ein Lächeln. Nur 13 von den 45 jungen Pianisten, die eine Aufnahme eingereicht haben, sind ausgewählt worden, an den weiteren Runden des Internationalen Bachwettbewerbs in Leipzig persönlich teilzunehmen. Sie hat es geschafft, und das ist keine Kleinigkeit. Die Situation ist ernst.
Olga geht zum Flügel. Selbstbewusst entfernt sie das Notenpult, das man auf dem Instrument gelassen hat für alle, die mit Noten spielen wollen. Auswendigspiel ist nicht vorgeschrieben bei diesem Wettbewerb. Ohne die Barriere des Notenpults hat man einen direkteren Kontakt zum Klang. Der Unterschied ist minimal, aber deutlich wahrnehmbar, wenn man sensibel ist.
Sie setzt sich auf den Klavierstuhl, fährt ihn soweit herunter wie möglich und beugt sich vornüber. Ihr Gesicht verschwindet hinter dem Vorhang ihrer glatten, dunklen Haare. Die Lehrerin in mir schaudert. In Bezug auf eine aufrechte, stabile Haltung am Instrument dulde ich bei meinen Schülerinnen und Schülern keine Kompromisse. Wie soll man sonst atmen?
Eine Reinkarnation von Glenn Gould- der Gedanke schiesst mir durch den Kopf, als sie zu spielen beginnt. Aber es ist nur die Haltung, ohne die musikalischen Eskapaden; allerdings meine ich ein leises Mitsummen zu hören. Das Spiel ist hervorragend. Es ist schwer, ihm mit Worten gerecht zu werden. Da sind feinste klangliche Nuancen, jeder einzelne Ton gestaltet und am richtigen Platz. Gleichzeitig klingt es nicht kalkuliert oder ausgedacht, sondern natürlich, genau der richtige Klang für diesen einen, einzigartigen Moment . Es hat eine Qualität, die ich mehr schätze als alles andere: die Grenze zwischen Musik und Musizierendem verschwindet. Die Interpretin spielt nicht mehr die Musik; die Musik spielt die Interpretin.
Olga Davnis* spielt Bachs Französische Ouverture, Aufnahme aus der Gnessin Musikhochschule Moskau, Februar 2022
Der Schwerpunkt des Wettbewerbs liegt zwar auf Bach, aber es stehen noch andere Komponisten auf der Repertoireliste. In dieser zweiten Runde müssen alle Wettbewerbsteilnehmer zusätzlich eine Sonate von Haydn, Mozart, oder Beethoven, und ein polyphones Werk der neueren Zeit aufführen; ein Präludium und eine Fuge von Schostakowitsch oder die Fuge aus der Klaviersonate von Barber oder Hindemith .
In den Wochen vor dem Wettbewerb habe ich mir jedes Stück auf der Repertoireliste wenigstens einmal angehört, einige mehrmals, in verschiedenen Interpretationen. Trotz aller Bemühungen konnte ich mich für Haydns Sonata in As-Dur Hob XVI:46 nicht erwärmen. Wahrscheinlich tue ich dem Stück Unrecht, aber ich wurde die Assoziation mit einer belanglosen Ansammlung überflüssiger Nettigkeiten des “Hofkomponisten” Joseph Haydn einfach nicht los. Ich hoffte, wir würden es im Wettbewerb nicht allzu oft zu hören bekommen.
Aufnahme von Haydns Sonate in As-Dur, Hob XVI:36, gespielt von Lili Kraus, 1914
Olga ist die einzige Teilnehmerin, die die Sonate spielt. Und auf einmal klingt sie anders. Jedes Detail hat seinen eigenen Charakter. Die Musik hält mich von Anfang bis Ende gefangen.
Aus Bachs Werken hat sie die Vier Duette BWV 802-805 ausgewählt. Es sind Stücke höchster polyphoner Kunstfertigkeit. Jede Hand repräsentiert eine eigene Persönlichkeit, selbständig, aber trotzdem eng mit der anderen verbunden. Man muss beide einzeln wahrnehmen, gleichzeitig den Zusammenklang hören und ein Bewusstsein von der Architektur des Stückes haben. Mit nur zwei Stimmen ist die Struktur der Stücke so durchsichtig und zerbrechlich wie ein Spinngewebe, ohne satte Klänge und volle Akkorde, hinter denen man sich verstecken kann. Selbst minimale Konzentrationsschwächen kommen gnadenlos zum Vorschein.
J.S. Bach: Vier Duette BWV 802-805, gespielt von Angela Hewitt, der Vorsitzenden der Klavierjury im diesjährigen Internationalen Bach-Wettbewerb in Leipzig. Die Aufnahme stammt aus dem Jahr 1985, als die Pianistin den 1. Preis im Internationalen Bach-Wettbewerb in Toronto gewann.
Die Mühelosigkeit von Olgas Spiel steht in scharfem Kontrast zu ihrer äusseren Erscheinung, die wie ein Schneckenhaus wirkt, in das sie sich zurückzieht. Von diesem Punkt der Sicherheit strahlt die Musik aus und zieht die Zuhörer in ihren Bann. Am Ende des Vortrages weiss ich immer noch nicht, wie ich dazu stehe. Ich weiss aber auch, dass uns in den vergangenen drei Tagen, an denen wir eine hervorragende Aufführung nach der anderen zu hören bekommen haben, so etwas noch nicht zu Ohren gekommen ist.
“Das ist ein Preis,” sage ich zu meiner Freundin und Namensschwester Birgit, die mit mir zusammen beim Wettbewerb zuhört. Wir kennen uns seit dem Studium an der Kölner Musikhochschule in den späten 70-er Jahren. Mein Umzug in die USA hat unsere Freundschaft nicht beeinträchtigt, aber in Bezug auf Musik und stilistische Fragen haben wir nicht immer denselben Geschmack.
Birgit ist entsetzt über Olgas Vortrag. Die abweisende äussere Erscheinung steht der Musik im Weg. Sie stört den Kontakt zum Publikum, zur Umgebung. In der letzten Runde des Wettbewerbs steht ein Konzert mit Orchester auf dem Programm. Wie in aller Welt kann man so mit anderen zusammen spielen?
Wettbewerbsposter und Zeitplan für die Vorspiele der 2. Runde
Jury und Zuhörer bei einer wohlverdienten Pause zwischen den Darbietungen. Jurymitglieder waren:
Simone Dinnerstein, USA; Caspar Frantz, Deutschland; Nelson Goerner, Argentinien/ Schweiz; Angela Hewitt, Kanada/Grossbritannien; Evgeni Koroljov, Deutschland/Russland; Ilya Poletaev, Kanada, Ragna Schirmer, Deutschland
Die 2. Vortragsrunde des Tages beginnt Abends um 6 mit Mattia Fusi. Mich erwischt ein Anflug von Nachmittagsmüdigkeit, gemischt mit Jetlag -oder ist es das Spiel des jungen Italieners, das mich unbeeindruckt lässt? Es ist klar, brilliant, makel- und, wie ich finde,farblos; ich kann mich einfach nicht dafür begeistern. Letzten Endes bin ich dankbar, als mir der abschliessende Applaus etwas zu tun gibt und mich vor dem Einschlummern bewahrt.
Meine Freundin strahlt übers ganze Gesicht. “So muss das sein!” Ich kann mir eine sarkastische Antwort nicht verkneifen: “Von mir bekommt er den Langweilerpreis.”
Der Kanadier Carter Johnson, letzter Pianist dieses Tages und der zweiten Runde, ist ein Publikumsliebling. Die Programmfolge ist geschickt gewählt, eine ansprechende Mischung aus Verbindung und Kontrast. Er beginnt mit Schostakowitsch Präludium und Fuge in a-moll, gefolgt von Bachs Partita in a-moll. Der abschliessenden Beethovensonate in A- Dur op 101 gehen Präludium und Fuge in A-Dur von Schostakowitsch voraus.
Dimitri Shostakovich Präludium and Fuge op 87 No 2 in a-moll, gespielt vom Komponisten
J.S. Bach Partita No 3 in a-moll, gespielt von Tatjana Nikolayeva, 1911
Dimitri Shostakovich, Präludium und Fuge op 87 No 7 in A-Dur, gespielt vom Komponisten
L. van Beethoven, Sonate No 28 in A-Dur op 101, gespielt von Carter Johnson*, Januar 2021
Carter Johnson spielt sehr ausdrucksvoll und mit grosser Überzeugung. Enthusiastischer Beifall ruft ihn noch einmal zurück auf die Bühne, nachdem er sie schon verlassen hat. Es dauert eine Weile, bis wir ihn gehen lassen. Das ist bis jetzt noch nicht vorgekommen.
Trotz unserer Begeisterung ist Birgit skeptisch: “Eigentlich war die Sonata das beste Stück, nicht nur, weil er sie am Schluss gespielt hat. Die Partita klang manchmal wie Mendelssohn.” Da muss ich meiner Freundin Recht geben, aber es hat mich nicht gestört. Wenn mich ein Vortrag begeistert, habe ich kein Problem damit, akademische Konventionen hintenan zu stellen. “ Schliesslich ist das hier ein Bach-Wettbewerb,” sagt Birgit,“Entweder sie geben ihm einen Preis oder sie werfen ihn ‘raus.” Die Jury entscheidet sich für Letzteres.
Olga Davnis und Mattia Fusi kommen beide weiter in die letzte Runde, zusammen mit Eden Agranat Meged, Israel, Matthew Figel und Katalyn Vahala aus den USA, und dem Spanier Sergi Pacheco Portales. Alle müssen ein ausgedehntes Solostück von Bach und ein Konzert mit Orchester von Mozart oder von Bach spielen. Drei Teilnehmer entscheiden sich für Mozarts Es-Dur Konzert. Mattia und Olga spielen beide Bachs d-moll Konzert. Der energische, selbstbewusste Charakter der Musik tut ihm gut, lockt ihn aus der Reserve. Olga zieht sich wieder in ihre Schutzhaltung zurück, aber über den Kontakt zum Orchester braucht man sich nicht zu sorgen. Sobald sie zu spielen anfängt, übernimmt die Musik die Führung und hält alle zusammen.
Mattia Fusi* spielt Bach's Konzert in d-moll beim Internationalen Bach Wettbewerb in Würzburg, 2019
Die Finalrunde beginnt um 2 Uhr nachmittags und bis der letzte Ton verklingt, wird es halb zehn am Abend sein. Es ist ein heisser Tag für diesen Marathon, und die Orchestermitglieder stehen in lockerer Sommergarderobe auf der Bühne. Ist es der Übergang zum Seniorenalter, der mich an die symbolische Bedeutung von Kleidung denken lässt? Jedenfalls wünschte ich mir, sie hätten Konzertkleidung angelegt, einfach aus Respekt gegenüber den Solisten.
Bach-Wettbewerb, Finalrunde, Konzert mit Orchester. Am Flügel die amerikanische Pianistin Katelyn Valhala
Die Spannung steigt in Erwartung der Entscheidung der Jury, aber wir müssen uns bis kurz vor der Preisverleihung im Rathaus am folgenden Tag gedulden. Olga Davnis bekommt den ersten Preis im Fach Klavier - und sie lächelt auf dem Foto, das alle Preisträger zusammen zeigt. Mattia Fusi kommt auf den 2. Platz und gewinnt ausserdem den Publikumspreis. Der 3. Preis geht an den 20-jährigen israelischen Pianisten Eden Agranat Meged.
Bach, Partita No 6 in e-moll, gespielt von Eden Agranat Meged* , Duke's Hall, London, April 2022
"Ist es nicht wunderbar, wie die Musik Grenzen zwischen Ländern und Völkern überwindet und damit ein grossartiges Beispiel setzt," schreibt eine Freundin, als ich das Preisträgerfoto auf Facebook stelle.
Zum ersten Mal in dieser Woche ist der Konzertsaal der Musikhochschule fast voll, als wir uns dort am Abend zum Abschlusskonzert der Preisträger versammeln. Zum ersten Mal bekommen wir auch Instrumentalisten der anderen beiden Kategorien, Violine und Cembalo, zu hören.
Die Programmfolge ist attraktiv und abwechslungsreich gestaltet. Es beginnt mit Bachs d-moll Konzert, gespielt von der ersten Preisträgerin im Fach Violine, und endet mit demselben Konzert, gespielt von Olga am Klavier. Vollkommen ruhig und in den Klang seines Instruments vertieft, steht Qingzhu Weng auf der Bühne und spielt Bachs Chaconne für Solovioline, so schön und ergreifend wie ich sie noch nie gehört habe.
J.S. Bach: Sonate No 3 in C-major BWV 1005 for Violine solo, Larghetto-Allegro, Qingzhu Weng*, Violine Januar 2022
Am folgenden Tag machen sich alle auf den Weg nach Hause - an Orte auf der ganzen Welt. Reisen kann zur Herausforderung werden in den Nachwehen der Pandemie. United Airlines hat meinen Anschlussflug von Philadelphia nach Newark gestrichen und spendiert mir stattdessen einen Ausflug in den Mittelwesten mit Umsteigen in Chicago. Nach dem 8-stündigen Transatlantikflug von Frankfurt nach Philadelphia verlängert das die Reisezeit nochmal um 9 Stunden, Zwischenaufenthalte eingeschlossen.
Beim Frühstück haben wir uns darüber unterhalten, wie Olga wohl zurück nach Moskau kommt. Seit der russischen Invasion der Ukraine gibt es wohl kaum direkte Verbindungen von Deutschland aus. Vielleicht klappt es über die Türkei…
Was Chicago angeht, so habe ich Glück. Bei der Einreise in die USA finden Pass- und Zollkontrolle am Einreise- und nicht erst am Zielflughafen statt. Das bedeutet, dass ich in Philadelphia meinen Koffer zu fassen bekomme. Die Abfertigung ist unglaublich effizient, und kaum zwei Stunden nach der Landung kaufe ich mir am Hauptbahnhof in Philadelphia eine Zugfahrkarte nach New York. Die Fahrt dorthin dauert etwas mehr als eine Stunde. Draussen verabschiedet sich der Tag mit einem stimmungsvollen Sonnenuntergang. In Gedanken höre ich Olga das d-moll Konzert von Bach spielen.
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